RESEÑA: Las cosas ya no son lo que solían ser, Theatre Royal Stratford East ✭✭✭✭

Fings Aint What They Used T'Be. Foto: Tristram Kenton Fings Aint What They Used T’Be

Theatre Royal, Stratford

21 de mayo de 2014

4 estrellas

Fings Ain't Wot They Used T'Be, de Lionel Bart (música y letras) y Frank Norman (libreto), que ahora vuelve a escena en el lugar donde nació, el Theatre Royal Stratford East, en una nueva producción dirigida por Terry Johnson, plantea al habitual público británico de teatro una serie de enigmas inquietantes, algunos incluso perturbadores.

¿Qué hace Ryan Molloy perdiendo el tiempo en esto? Jessie Wallace: ¿pero qué...? ¿De verdad Bart escribió esa canción para esto? ¿Por qué revivir esto... si no verías nada parecido en el National? ¿Dónde está la auténtica línea de coro? ¿Se puede usar ese lenguaje en el escenario? ¿Qué acabo de ver?

Es importante pensar bien estas preguntas difíciles.

Primero, Ryan Molloy. Famoso por su papel de Frankie Valli en el fenomenalmente exitoso Jersey Boys, Molloy pasa gran parte del primer acto haciendo muy poco: como miembro del elenco, cantando y bailando con los demás; solo uno más de la variopinta pandilla de falsos villanos que frecuenta el bar de Fred y se dedica a pequeños delitos y chanchullos de malhechores, además de un poco de prostitución.

Molloy está excelente en todo esto. Sin duda. Pero ¿por qué iba a molestarse?

Porque a mitad del primer acto puede hacer su entrada como Horace, el alegre decorador de interiores al que Fred recurre para modernizar el aspecto del bar. Horace es un papel soñado: vistoso, dinámico, con un número fabuloso que roba el show, Contempery, un camp desatado y un vestido en el segundo acto. Molloy es un Horace magnífico en todos los sentidos: elegante, chispeante, gran bailarín, estupendo cantante, dicción perfecta y sin fallos en el tempo cómico. Esto es auténtica interpretación de personaje en un musical, y Molloy exhibe talentos con una profundidad y amplitud poco habituales en un primer espada. Es una actuación de virtuosismo en todos los aspectos.

Jessie Wallace es muy conocida como Kat Slater en EastEnders y, aunque hay algunas similitudes superficiales entre ese personaje y Lil aquí, lo más sorprendente es que, en realidad, Lil es una interpretación completamente distinta. La aspereza, el movimiento incesante, el gruñido y la beligerancia contenida de Kat han desaparecido: Lil es dura pero amable, justa y romántica en el fondo. En sus silencios, Wallace brilla; y tampoco se queda corta cantando y bailando. Tanto Do You Mind como Polka Dots están deliciosas en sus manos, y aporta a la canción titular un auténtico brío y estilo de diva.

Está absolutamente maravillosa en todos los sentidos. Impresiona ver a alguien que como Kat puede ser irregular, aquí tan perfecta en todo. A menudo te recuerda a Barbara Windsor, lo cual, sinceramente, es ideal.

El equipo creativo ha interpolado en el libreto revisado algunas canciones que Bart escribió pero que no estaban en el montaje original. Do You Mind y Living Doll, ambas éxitos pop en su momento, encajan con facilidad en esta partitura y, aunque a algunos les sorprenda que Bart compusiera esas melodías, lo cierto es que lo hizo y se adaptan perfectamente al estilo del espectáculo. Where Do Little Birds Go? y Big Time están entre las otras incorporaciones y también funcionan muy bien, potenciando el personaje y la empatía. La partitura ampliada es un auténtico festín musical.

Bajo la dirección sagaz y precisa de Hands, y con el trabajo adicional en el libreto de Elliot Davis, la pieza resulta ser esa rara avis: un revival, una obra de época y una alegoría sobre asuntos que siguen inquietando a la sociedad: la distancia entre clases, el atractivo del crimen, la espantosa manera en que los hombres tratan a las mujeres, el verdadero significado de la amistad, distinguir el bien real del mal real. Replanteado, ampliado y remodelado, este musical de 1959 tiene mucho que ofrecer a la Gran Bretaña actual: una mirada a su pasado, presente y futuro, todo a la vez.

Esta producción demuestra lo importante que fue y es la contribución de Bart al teatro musical británico. Pone el foco sobre las carencias del enfoque del National Theatre. La obra de Bart es importante para el repertorio: debería presentarse con todos los recursos del National Theatre. Es tan importante como Hare, Bennett, O’Casey, Stoppard o cualquier otro dramaturgo; en cierto modo, más aún, porque Bart siempre reflejó la vida de la gente corriente.

Una de las mejores cosas de esta producción es que rechaza la sabiduría convencional y las falsas certezas sobre el teatro musical. Aquí no hay una línea de coro “glamurosa”, ni masculina ni femenina. En su lugar, hay mujeres muy, muy buenas y muy, muy sexys de todas las formas y tallas (desde la silueta esbelta y ardiente de Vivien Carter hasta la voluptuosa y maravillosamente abundante Suzie Chard —cuyos magníficos pechos parecen desafiar las teorías de Einstein sobre la gravedad—) que impregnan cada momento de alegría sensual, dicha lánguida y una expectativa irónica, desganada y ajada. Cada una es triple amenaza. Son más que maravillosas.

También lo es la encantadora Sarah Middleton, que interpreta a Rosie, la ingenua que tropieza con el mundo de Tosher, sufre por él y luego tiene su momento de gloria. Es frágil y dulce; seda que brilla sobre acero.

Otra cosa excelente aquí es que el lenguaje de la pieza se mantiene con firmeza en 1959. Todo el color, el brillo, el descaro y el encanto del habla del East End de entonces permanece intacto, sin ser manoseado por los problemáticos tentáculos de la corrección política. ¿Dónde, si no, escucharías una canción titulada The Student Ponce? La riqueza que aporta este lenguaje a todo el espectáculo es inmensamente satisfactoria.

Y no solo el lenguaje hablado es rico. Los decorados y el vestuario de William Dudley establecen de maravilla la época, la clase social y el estilo de la pieza. Es un matrimonio feliz entre texto y visión creativa. Ben Omerod ilumina todo estupendamente, y se emplean con inteligencia enormes pantallas de vídeo para añadir atmósfera y potenciar el estado de ánimo, ya sea tenso o alegre.

Pero la guinda del pastel, la emoción inesperada, la dosis más auténtica de fuego divino llega con la coreografía musculosa, sexy, encantadora y absolutamente seductora de Nathan M Wright. Es realmente raro que los pasos de baile contribuyan a entender a los personajes, pero eso es exactamente lo que sucede aquí. El público aprende más sobre la Lil de Wallace por la forma en que ejecuta los pasos que en cualquier cantidad de escenas. Lo mismo ocurre con el Horace de Molloy y el Tosher maduro e inesperado de Stefan Booth. De hecho, con todo el elenco. Durante toda la función, Gary Watson y Stevie Hutchinson hacen un trabajo de pies formidable, técnicamente impresionante y con un maravilloso detalle de fondo.

El trabajo más ingenioso de Wright llega en su tratamiento de Where It's Hot, que da a Christopher Ryan —en espléndida forma cómica durante toda la función— la oportunidad de robarse el escenario como Red Hot. Pero los grandes números son igual de impresionantes y, aunque el escenario es pequeño, las rutinas nunca parecen recargadas ni encajonadas: brillan sin cesar.

Es cierto que Gary Kemp y Mark Arden no están tan deslumbrantes como parte del resto del reparto, pero apenas importa. Con tantos deliciosos giros cómicos —el Myrtle y Percy de Carter y Will Barton es sencillamente inspirado—, el ligero comedimiento de los dos protagonistas masculinos apenas se nota.

Hands ha logrado un revival maravilloso, gozoso y francamente triunfal de una pieza que a menudo se pasa por alto y se descarta como “pasada de moda”. La vida, la belleza y el puro placer que palpitan desde el escenario merecen una temporada muy, muy larga.

Ojalá más Fings fueran así; como en los viejos tiempos.