RESEÑA: Fe, Esperanza y Caridad, Teatro Nacional ✭✭

Julian Eaves reseña Faith, Hope and Charity de Alexander Zeldin, ahora en cartelera en el Teatro Dorman del National Theatre.

Celia Noble en Faith, Hope and Charity. Foto: Sarah Lee Faith, Hope And Charity

Teatro Dorfman, National Theatre,

17 de septiembre de 2019

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Lord Cottesloe una vez prestó su nombre a uno de los tres auditorios del National Theatre en South Bank; ahora solo está presente en una sola sala de funciones a la que, en la noche de apertura de esta nueva obra, escrita y dirigida por Alexander Zeldin, la prensa fue conducida en el intermedio.  Casi completamente desamueblada, hay una gran estantería en un extremo, sobre la cual se amontonan muchos guiones de obras de teatro y también libros escritos por dramaturgos.  Entre ellos, el que captó mi atención fue el reflexivo y provocador 'As Much As I Dare' de Arnold Wesker.  Lo saqué del estante y decidí jugar al 'sortes' con él: permitiendo al azar que se abriera en un punto y dejando que mis ojos cayeran sin guía sobre las palabras que estuvieran más cerca del enfoque de mi mirada, y de esas palabras tomando orientación espiritual, para navegar mejor mi viaje actual.  Fascinantemente, esto es lo que leí, palabras no de Wesker, sino citadas por él: '... aléjate de la prosa... permanece con la poesía...'  Fue un consejo que le dieron cuando era un joven escritor.  Aunque estoy lejos de ser alguien que somete al Todopoderoso a una 'crítica superior', sentí sin embargo que necesitaba una póliza de seguro para respaldar esta posición: después de todo, lo que había leído no eran palabras del propio Wesker, sino palabras 'encontradas'.  Requería algo de su voz.  Así que recogí un segundo volumen, una copia de sus 'Social Plays', y de él cayó esta línea mágica: 'La verdad es la verdad - devastadora'.

Foto: Sarah Lee

Con estos pensamientos resonando en mi mente, regresé al auditorio para completar la observación de la primera noche de esta obra con un título tan religioso (extraído de 1 Corintios, 13:13, en la Versión Autorizada del Rey Jacobo de la Biblia Sagrada: 'Y ahora permanecen la fe, la esperanza, la caridad, estos tres; pero el mayor de ellos es la caridad').  El título es prácticamente lo único místico en la obra.  Todo lo demás es banalidad áspera, monótona e hiperrealista, donde la iluminación dura y sin matices de Marc Williams en el auditorio nos introduce en el mismo mundo sin encanto que el set sobrenaturalista de Natasha Jenkins (ella viste a los actores con la misma insipidez despiadada).  Sin embargo, entre los bloques de hormigón y los paneles de madera contrachapada, Jenkins lanza una trinidad de ventanas de capilla no conformista neoclásica, insinuando (lo cual es más de lo que el guion hace jamás) un sentido perdido de religiosidad - la central es ligeramente más alta que las otras dos.

Nick Holder y Dayo Koleosho. Foto: Sarah Lee

En cuanto al resto de la obra, bueno, realmente no hay mucho en ella, y carece de inspiración poética.  Una especie de regreso a 'Los Bajos Fondos' de Gorki - ambientado en un centro diurno para los sin hogar, desposeídos y angustiados - es un pariente pobre, de hecho, carente en casi todos los aspectos.  No sé cuántos en el público han pasado mucho tiempo viviendo en las condiciones representadas en el escenario.  No podría decir cuántos han experimentado personalmente la falta de hogar, la pobreza, el hambre, el frío y la soledad, pero durante muchos años estas fueron características dominantes en mi vida y en las vidas de aquellos con quienes entré en contacto.  Esa realidad, sin embargo, no es algo que reconocí en la confección de Zeldin.  Él ha, aparentemente, escuchado las voces de las personas que representa, ha visto su sociedad: eso está laboriosamente y, estoy seguro, sinceramente recreado aquí.  Pero sin las entrañas y sin el espíritu.  Es un tipo de teatro 'halal': una imagen de la vida tomada y lentamente desangrada hasta morir antes de ser servida al público.  Superficialmente, parece plausible; pero presta atención de cerca y pronto todo se traiciona como un fraude.

Alan Williams. Foto: Sarah Lee

Este es un mundo poblado exclusivamente por perdedores.  Habiendo conocido solo energía y vitalidad en los pobres, desesperados y marginados, fue bastante impactante tener que sentarse a través de dos horas y media de debilidad, quejas y arrepentimiento, excusas, negación y culpa, enmarcadas de una manera tan conscientemente sin artificios y teóricamente convincente, tan serio es en sus esfuerzos por engañarte para que creas que es real.  Las personas en esta habitación se sientan y hablan y hablan y hablan con una falta singular de vivacidad y dinamismo de una manera tan ajena a lo que experimenté, aquí mismo en Londres, por tantos años.  La conversación sencilla es casi interminable, siempre relatando en segunda mano eventos que podrían haber hecho un drama apasionante, si el director-escritor lo hubiera permitido.

Ostensiblemente, este es el reino de 'Hazel' de Cecilia Noble, la matrona - con solo la 'historia de fondo' más tardía - cuyas ministraciones santas mantienen funcionando la glorificada cocina de sopa.  La suya, como la mayoría del elenco, es una actuación paciente y tolerante que se esfuerza por no llamar demasiado la atención sobre las lamentables deficiencias del texto, construcción, estilo, forma, etc. de la producción.  Sin embargo, desde la primera escena está claro que su propósito dramático es algo completamente diferente: es ser una de varias mujeres que orbitan alrededor de una figura mucho más importante, un hombre, el soso y oficinista intruso de Nick Holder, 'Mason'.  En teoría, él está allí para dirigir un 'coro', y en cierto sentido hay una 'trama' que culmina en el clímax es estremecedor de ellos pasando por algunas canciones pop (piensa en 'The Events' de David Greig mucho mejor y diluido con 10 partes de agua de zanja fría).  Pero creo que su razón de ser dramaturgo-estético es algo completamente diferente.  Desde el principio, Hazel no puede apartar los ojos de él; y pronto Susan Lynch, la textual madre fallida 'Beth', le está echando los brazos repetidamente por encima, enseñándole los pechos desnudos y cubriéndolo de besos apasionados.  Qué hombre.

Ayomide Mustafa. Foto: Sarah Lee

Mientras tanto, 'Karl' de Dayo Koleosho, 'Anthony' de Corey Peterson y el papel sin nombre del 'Ensemble' de Nathan Armakwei-Laryea quedan ignorados.  También lo hace 'Marc' de Bobby Stallwood (admitidamente de solo 16 años).  En términos de política sexual, es 'interesante' ver que esto sucede.  Oh, ¿alguien mencionó política?  Ya sabes, creo que en algún lugar, detrás de todas las sillas de plástico y servilletas de papel, se supone que hay alguna 'implícita' discusión de, um, creo que la expresión técnica es temas 'de rabiosa actualidad'.  Pero, y es un gran pero, Zeldin asegura que nunca se permite que nadie suba al escenario para darles forma física, como periodista o concejal -creo que el programa los llama 'consejeros'- o cualquier encarnación de autoridad que podría superar al único macho alfa permitido, 'Mason' (con su nombre tan evocador de 'constructor', 'miembro de una organización de autoayuda secreta', etc.).  Hmmmm....

El resultado es una obra llena de palabras pero totalmente carente de drama.  Eso no molestó al público de la primera noche: la mayoría de ellos rió y se rió durante el espectáculo en el escenario y luego saltó a sus pies al final de la 'actuación' para aplaudirla hasta los altavoces.  Y honestamente no pude comprender por qué.  No sé.  Quizás lo tengo todo mal.  Quizás todos saben cómo es realmente este tipo de mundo, y soy yo quien no lo sabe.  Con gusto aceptaré correcciones.  Mientras tanto, tenemos papeles patrocinados para 'Tharwa' de Hind Swareldahab y su hijo en escena, 'Tala' (Kamia Hunte, Ayomide Mustafa o Ashanti Prince-Asafo), además de los supernumerarios desperdiciados de Sarah Day, Shelley McDonald y Carrie Rock -todos más distantes satélites en órbita.  Marcin Rudy contribuye un poquito de movimiento.  Y luego está la constante queja y disculpa de 'Bernard' de Alan Williams.  De todas las cosas que recuerdo sobre las personas de este medio, no había uno de ellos que sintiera que tenía que disculparse por quien era o lo que hacía.  Y por eso nunca lo hicieron.  Hay algunos estallidos subpreparados y depoder ahí, pero nunca se genera el impulso necesario para ir a ninguna parte.

Bobby Stallwood. Foto: Sarah Lee

Todo esto hace que suene muy rancio y predigerido, con cada empuje potencial de impulso teatral frustrado antes de que tenga la oportunidad de desarrollarse.  Desde mi perspectiva admitidamente limitada y posiblemente irremediablemente distorsionada, esto es tan decepcionante.  Estas personas de las profundidades de la sociedad son aquellas que, en mi experiencia, rara vez pierden tiempo en ir directo al grano, sin embargo, aquí nunca parecen siquiera comenzar a entenderlo.  Cierro con un último ejemplo: Una vez, cuando me corté el pelo, un joven local irrumpió en la barbería, ansioso por vender -rápido, por dinero en efectivo y sin preguntas- una cámara cara que acababa de conseguir.  Se acercó a mí con su oferta.  Hice algunas preguntas de evaluación sobre el aparato.  Él desestimó mis preguntas con ligereza pero cortésmente diciendo: 'Soy un ladrón, no un fotógrafo'.  Sugeriría que ese individuo entendió más sobre el diálogo conciso e ingeniosamente elaborado que hace un impacto dramático súbito e indeleble de lo que el cuidadoso y laborioso Sr. Zeldin nunca sabrá.  La verdad realmente es la verdad - y es devastadora.  Y es precisamente lo que no obtienes aquí.  Hay contribuciones bien intencionadas del elenco y creativos, pero nada puede resolver las deficiencias de un guion prolijo, estático, sin vida.