RESEÑA: Un Día en la Muerte de Joe Egg, Trafalgar Studios ✭✭✭

Julian Eaves revisa A Day In The Death Of Joe Egg de Peter Nichols que ahora se presenta en Trafalgar Studios de Londres protagonizada por Toby Stephens y Claire Skinner

Claire Skinner, Storme Tollis, Clarence Smith, Lucy Eaton, Toby Stephens. Foto: Marc Brenner A Day In The Death Of Joe Egg Trafalgar Studios,

2 de octubre de 2019

3 Estrellas

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No hay nada que Peter Nichols (quien falleció a la edad de 92 años hace solo semanas) no supiera sobre la construcción dramática, el ritmo y el diálogo que fluye fácil y naturalmente y 'se interpreta' bien.  Esta obra suya de 1967 es un ejemplo perfecto de cómo manejar las materias primas de la creación teatral y convertirlas en una conversación brillantemente fluida y una acción resplandeciente.  El director Simon Evans lo sabe y se divierte mucho más con este espectáculo de lo que lo hizo recientemente con la más laboriosa 'The Best Man': esta es en conjunto una experiencia más afilada, alegre y vivaz, y lo distingue como un posible especialista para el drama de este período.

Lucy Eaton. Foto: Marc Brenner

Y es de época. El diseño de Peter McKintosh (escenografía y vestuario) es como una ilustración menor de la revista Ideal Home, ligeramente sesgada por ilustraciones de estilo ligeramente pop art en las paredes, pero el mobiliario y los detalles están perfectamente correctos e impecables. Este es el mundo aspiracional de la clase media de gestión y administración 'en casa', servido con la misma atención al detalle que una lámina en color de un anillo de aspic en Good Housekeeping. Aunque, cuando Toby Stephens - como Bri, el principal sustituto del autor en este relato fuertemente autobiográfico - inicia la presentación con una rutina de monólogo enfrente de un acosado profesor gritándole a una clase bulliciosa de niños maleducados, comenzamos a notar una disparidad entre la experimentación teatral de la escritura y la puesta en escena tediosamente literal de McKintosh. A medida que la obra avanza, y cada personaje a su vez - con un destello de las luces de Prema Mehta y un estruendo del sonido de Edward Lewis - sale de la 'historia' y habla a través de la cuarta pared directamente al público, llegamos a estar cada vez más incómodos con la opresiva 'normalidad' del primorosamente adornado juego de cajas (a pesar de que puede girar y deslizarse un poco).

Storme Toolis. Foto: Marc Brenner

Pero este siempre ha sido el problema con tanto teatro británico.  Excelente escritura, pero un diseño desastrosamente predecible y aburrido.  Así, Stephens atraviesa su interminable serie de chistes y bromas, pero aún está encerrado en las malas hierbas de una era pasada.  Claire Skinner como su esposa, Sheila, está condenada a interpretar el papel 'serio' frente a sus interminables rutinas cómicas, pero hace una virtud de esto en su fresco control y sencilla ternura.  Clarence Smith, interpretando a un visitante nocturno, Freddie, obtiene la mejor risa del espectáculo con su línea - que, como casi todo lo que se dice, surge directamente de la psique atribulada de Nichols: '¿Estoy hablando demasiado fuerte?  Siempre levanto la voz cuando estoy ayudando a la gente'.  Esa es una línea realmente brillante, pero su efecto se ve ahogado y sofocado por el insufrible encanto burgués de la sala de estar en la que tiene que ser pronunciada.  Realmente: hay mejores diseños británicos para ver en el escenario - ¿por qué no aquí?

Toby Stephens y Patricia Hodge. Foto: Marc Brenner

Interpretando a su esposa, Pam, Lucy Eaton tiene que luchar contra un cabello impecable (creo que podría ser una peluca) de Carole Hancock y un precioso abrigo amarillo y un elegante vestido de rayas con botas de cuero color canela hasta la rodilla: quiero decir, luce fabulosa, pero ¿por qué todo lo que la rodea tiene que lucir igualmente fabuloso?  La opulencia deslumbrante es asfixiante y mortal, embotando el lenguaje y robándole tanto de su mordacidad.  Un tiempo algo mejor lo pasa Patricia Hodge, que es una farsante consumada, y realiza su actuación del segundo acto con gran maestría, pero quizás es solo porque está en escena menos tiempo que parece menos abrumada por ello.  De todo el reparto, solo Storme Toolis se aparta radicalmente de la cómoda comodidad ofrecida en todas partes.  Una persona con capacidades diferentes respecto al resto del elenco, asume el papel de la hija de Bri y Sheila, que ha crecido con una condición médica complicada que solo se menciona por su nombre una vez.  Su forma de actuar es tan audazmente diferente de los demás que se convierte en una presencia arrestadora y fascinante ante nosotros: utiliza la quietud y el silencio, la postura corporal, la expresión y el gesto de maneras que, según la evidencia de esta producción, son completamente ajenas y están fuera del alcance del resto del elenco.

Foto: Marc Brenner

Sospecho que es una impresión errónea.  Estos son muy buenos actores y estoy bastante seguro de que podrían - si se les diera la oportunidad - hacer mucho más de lo que se les pide por parte de este director.  Pero, ¿con qué frecuencia los directores británicos realmente piden a los actores que se esfuercen y sorprendan al público?  ¿Y con qué frecuencia simplemente los invitan a servir algo seguro y cálido, cómodamente tranquilizador y familiar?  ¿Alguien recuerda a Artaud?  ¿Es que alguien lo lee siquiera hoy en día?  ¿Hay alguien por ahí que todavía piense que el teatro debería ser emocionante, provocador, arriesgado y apasionante?  Sí, hay directores así, y he visto a algunos de ellos trabajando en este teatro, pero no - por desgracia - en esta ocasión.  Como ejercicio técnico en demostrar el dominio perfecto de Nichols sobre la forma, no hay mucho que decir en contra de esto; pero como un drama que habla de corazón a corazón, en mi opinión, necesita un poco más de apertura y franqueza.