RESEÑA: Un Día en la Muerte de Joe Egg, Trafalgar Studios ✭✭✭

Julian Eaves reseña A Day In The Death Of Joe Egg, de Peter Nichols, actualmente en cartel en Trafalgar Studios London, con Toby Stephens y Claire Skinner

Claire Skinner, Storme Tollis, Clarence Smith, Lucy Eaton, Toby Stephens. Foto: Marc Brenner A Day In The Death Of Joe Egg Trafalgar Studios,

2 de octubre de 2019

3 estrellas

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No hay nada sobre construcción dramática, ritmo y diálogo —que fluye con facilidad y naturalidad y “funciona” en escena— que Peter Nichols (fallecido a los 92 años hace apenas unas semanas) no dominara. Esta obra suya de 1967 es un ejemplo perfecto de cómo manejar las materias primas de la creación teatral y convertirlas en una conversación brillantemente fluida y una acción chispeante. El director Simon Evans lo sabe y se divierte mucho más con este montaje que con el más pesado The Best Man de hace poco: esto resulta, en conjunto, una experiencia más afilada, más alegre y con más brío, y lo señala como posible especialista en el drama de este periodo.

Lucy Eaton. Foto: Marc Brenner

Y vaya si es de época. El diseño de Peter McKintosh (escenografía y vestuario) parece una ilustración menor de la revista Ideal Home, ligeramente sesgada por unas imágenes de aire pop-art en las paredes; pero el mobiliario y los detalles son impecables y exactos. Es el mundo aspiracional de la clase media de la gestión y la administración “en casa”, servido con la misma atención al detalle que una lámina en color de una corona de áspic en Good Housekeeping. Aunque, cuando Toby Stephens —como Bri, el gran alter ego del autor en este relato marcadamente autobiográfico— arranca la función con un número de monólogo frontal de un profesor agobiado gritando a una clase alborotada de niños que se portan mal, empezamos a percibir una discrepancia entre la experimentación teatral de la escritura y la puesta en escena tristemente literal de McKintosh. A medida que avanza la obra, y cada personaje por turno —con un destello de las luces de Prema Mehta y un estallido del sonido de Edward Lewis— sale del “relato” y atraviesa la cuarta pared para hablar directamente al público, vamos sintiéndonos cada vez más incómodos ante la opresiva “normalidad” del bonito decorado de caja italiana (por mucho que pueda girar y deslizarse, un poco).

Storme Toolis. Foto: Marc Brenner

Pero ese ha sido siempre el problema de gran parte del teatro británico: escritura magnífica, pero un diseño desalentadoramente previsible y aburrido. Así, Stephens encadena su inacabable repertorio de chistes y bromas, pero sigue atrapado en las malas hierbas de una época ya pasada. Claire Skinner, como su esposa Sheila, carga con la maldición de tener que hacer de “contrapunto serio” a sus interminables rutinas cómicas, pero convierte eso en virtud gracias a su control sereno y una ternura sencilla. Clarence Smith, en el papel del visitante nocturno Freddie, se lleva la mayor carcajada del espectáculo con su frase —que, como casi todo lo que se dice, brota directamente de la psique atribulada de Nichols—: “¿Estoy hablando demasiado alto? Siempre subo la voz cuando estoy ayudando a la gente”. Es una línea realmente brillante, pero su efecto queda anegado y asfixiado por el insoportable encanto burgués del salón en el que tiene que decirse. De verdad: hay diseños británicos mejores sobre un escenario… ¿por qué no aquí?

Toby Stephens y Patricia Hodge. Foto: Marc Brenner

En el papel de su esposa Pam, Lucy Eaton tiene que luchar contra un peinado impecable (creo que podría ser peluca) de Carole Hancock y un precioso abrigo amarillo, además de un vestido recto de rayas, elegante, con botas altas de cuero color cuero: quiero decir, está fabulosa, pero ¿por qué todo a su alrededor tiene que estar igual de fabuloso? Esa suntuosa blandura resulta asfixiante y adormecedora, embota el lenguaje y le roba buena parte de su mordiente. Quien lo pasa algo mejor es Patricia Hodge, una consumada actriz de farsa, que exprime al máximo su intervención del segundo acto; aunque quizá sea simplemente porque es quien menos tiempo está en escena y por eso parece menos engullida por el conjunto. De todo el reparto, solo Storme Toolis se aparta de forma radical del cómodo confort que se ofrece por todas partes. Con una diversidad funcional respecto al resto del elenco, asume el papel de la hija de Bri y Sheila, que ha crecido con una compleja condición médica que solo se identifica por su nombre una vez. Su manera de interpretar es tan audazmente distinta de la de los demás que se convierte en una presencia cautivadora y fascinante ante nosotros: utiliza la quietud y el silencio, la postura corporal, la expresión y el gesto de formas que —a juzgar por esta producción— son completamente ajenas y están fuera del alcance del resto del reparto.

Foto: Marc Brenner

Sospecho que esa impresión es errónea. Son actores muy buenos y estoy bastante seguro de que podrían —si se les diera la oportunidad— hacer mucho más de lo que este director les pide. Pero ¿con qué frecuencia los directores británicos piden realmente a los actores que se exijan y sorprendan al público? ¿Y con qué frecuencia simplemente los invitan a servir algo seguro y cálido, cómodamente tranquilizador y familiar? ¿Alguien se acuerda de Artaud? ¿Es que alguien lo lee ya? ¿Hay alguien ahí fuera que todavía piense que el teatro debería ser emocionante, afilado, arriesgado y trepidante? Sí, existen esos directores, y he visto a algunos de ellos trabajar en este teatro, pero no —ay— en esta ocasión. Como ejercicio técnico para demostrar el perfecto dominio de la forma por parte de Nichols, hay poco que objetar; pero como drama que habla del corazón al corazón, en mi opinión, necesita un poco más de apertura y franqueza.