VORSCHAU: Musicals für Ladenbesitzer

H. G. Wells konnte in die Zukunft blicken, und er gab uns sein Alter Ego - den ausgelassenen Sohn eines Tuchhändlers, Kipps, der dank der gemeinsamen Bemühungen von Anthony Drewe, George Stiles und Julian Fellowes nun wieder auf die Bühne des Chichester Festival Theatre zurückkehrt in der neuesten überarbeiteten Version des Musicals der 1960er Jahre, basierend auf seinen Abenteuern, David Henecker und Beverley Cross's 'Half A Sixpence'. Aber selbst Wells' Hellseherei hätte möglicherweise nicht vorhersehen können, welche bedeutende Rolle die britische Faszination für den Handel in den musikalischen Theaterkreationen des frühen 21. Jahrhunderts spielen würde.

Zwei Stücke, die zuvor in London zu sehen waren (und jetzt das Publikum in Edinburgh unterhalten), und ein weiteres, das in einem temporären Raum in der Hauptstadt untergebracht ist, öffnen unsere Augen und Ohren für den mächtigen Einfluss, den das geschäftliche Leben weiterhin auf das nationale Leben ausübt. Zuerst in 'Tomorrow, Maybe', schauen wir in ein Straßencafé, bevor wir uns zu 'Paper Hearts' in einer Buchhandlung begeben, und schließlich decken wir uns mit dem Notwendigen in Sainsbury's und einem Schrebergartenmarkt in 'Rise' ein.

'Tomorrow, Maybe', wie es heute steht, ist das Ergebnis von nur zwei Jahren Arbeit der äußerst talentierten Partnerschaft von Stephanie Amies (Komponistin-Liedtexterin-Drehbuchautorin) und Teddy Clements (Komponist-Arrangeur-Musikalischer Leiter) und hat sich entwickelt, als es von frühen Workshops durch zwei Reihen von ortsspezifischen Aufführungen in einem Café in Romsey weiterentwickelt wurde, dann zu einer abendfüllenden Show ausgebaut und als nächstes verkürzt, um in einen Edinburgh Fringe Spielslot zu passen: In dieser Form sah ich es im Clapham Omnibus Kunstzentrum. Laut den Autoren fokussiert sich die Show 'auf Momentaufnahmen der Menschen, mit denen wir täglich die Wege kreuzen: von einer sizilianischen Frau, die es nicht schafft, eine Verbindung zur Welt um sie herum aufzubauen, bis zu einem Obdachlosen und seiner kraftvollen Geschichte der Hoffnung; die Show hinterfragt, wie viel wir wirklich über diejenigen um uns herum wissen können.'

In diesen Momentaufnahmen dringt die Präsenz von Jason Robert Brown stark durch und bereichert die wunderschön gestaltete Partitur mit einer ähnlichen Sensibilität und beleuchtet die Vignetten mit den flüchtigen Charakteren der Show mit üppiger, verführerischer Musik. Die Texte sind leicht und präzise und passen perfekt zum musikalischen Ausdruck. In dieser wunderbaren Produktion von Kevin Jones und Rebecca Bailey erzeugt die Abfolge der Musiknummern, verwoben mit einem kleinen Dialog, einen Effekt, der äußerst charmant und hinreißend ist.

Mehr narrativ komplex sind die Ereignisse von 'Paper Hearts'. Gesehen im immer einfallsreichen Waterloo East Theatre, bevor es nach Schottland weiterzieht, hat dieses Werk einen völlig anderen Weg eingeschlagen. Das Buch, die Musik und die Texte sind das Werk von Liam O'Rafferty, aber sie haben wirklich in dem Kreativteam aus Regisseur-Dramaturg Tania Azevedo und Musikalischer Leiter Dan Jarvis, mit Choreografie von Lindsay McAllister und einem cleveren Design von Anna Driftmier Gestalt angenommen.

Hier werden uns zwei Geschichten angeboten: die 'reale' Geschichte der Buchhandlung, die mit der Schließung bedroht ist, und die 'fiktive' Erzählung des revolutionären Sowjetrusslands, das das Milieu eines vom Helden geschriebenen Romans ist. Auf geniale Weise wechseln die Darsteller-Musiker zwischen diesen beiden Welten hin und her. Die Songs sind stark ansprechend, mit kraftvollen Melodien und geschickt formulierten Texten: es ist großartig, das beträchtliche Talent zu entdecken, das O'Rafferty in die Produktion bringt und seine Vision davon, was Musicaltheater leisten kann, zu teilen; es ist bemerkenswert, dass er so einfühlsame Mitarbeiter in diesem Kreativteam der Produktion gefunden hat.

Schließlich verfügt das Community Company-Programm des Old Vic Theatre diesen Sommer über das Ergebnis von drei Jahren nachhaltigen sozialen Engagements im majestätisch epischen 'Rise', das in einem eigens errichteten temporären Theater auf dem Waterloo Green gespielt wird. Hier werden die zahllosen Leben Dutzender Londoner in den Räumen zusammengeführt, in denen sie sich oft kreuzen; unter ihnen stehen der Sainsbury's Emporium und ein Schrebergartenmarkt im Wettbewerb miteinander als Beispiele für verschiedene Ansätze zur Ernährung der Stadt und zum Leben. Dies ist Teil der Diskussion, die in Deidre Kinahan's meisterhafter Synthese von Charakteren und Handlungssträngen darüber untersucht wird, wie wir nachhaltig in einer Welt mit endlichen Ressourcen und einer herausgeforderten Umwelt leben sollen.

Alexander Ferris' Inszenierung verbindet alles mit großer Eleganz und Einfachheit, in einer Inszenierung, die mit visuellem Flair von Carla Goodman gestaltet wurde. Umfangreiche Video-Projektionen stammen von Duncan McLean, die Kostüme sind von Sarah Beaton und der Sound kommt von David Gregory, mit Lichtern von Andy Purves. In diesem wunderschönen Ambiente schafft Dom Coyote eine musikalische Partitur - mit 'gefundenen' Tracks von bekannten Londonern, die in den Gesang eines 28-köpfigen Chores einfließen und von einer kleinen Rockband unterstützt werden, mit einigen sehr bewegenden Solisten - die das Drama auf eine ästhetisch komplexere Ebene hebt. Sie wird weiter belebt durch Anna Morrisseys Bewegung, die sich über ein körperliches Vokabular erstreckt, das bis in das Athletische und Wagemutige reicht.

Was H. G. Wells davon halten würde, ist schwer zu sagen. Er könnte alles auf den glücklichen Zufall oder als nur ein kurioses Phänomen abtun. Aber wir könnten ihn wahrscheinlich davon überzeugen, dass es nie zuvor ein Theater wie unseres gab.

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