Der Erfolg von Headlongs Inszenierung von 1984 und ihr Beitrag zur Zukunft des Theaters

Diese Woche wurde bekannt gegeben, dass Headlongs „1984“ aufgrund der beispiellosen Nachfrage seine Aufführung im Playhouse Theatre bis zum 23. August verlängert, bevor es zu einer zweiten UK-Tour geht. Das Stück selbst erinnert uns an die Gefahren des Mitläufertums. Die Popularität dieses anti-populistischen Stücks ist also ein besonders relevanter Indikator für einige bedeutende Veränderungen im Theater.

Robert Icke und Duncan Macmillans „1984“ ist eher erschütternd, erschreckend und stimulierend als unterhaltsam. Ein bisschen wie 1 Stunde und 41 Minuten im Kühlschrank - kalt und hell - „1984“ ist brillant, wenn Sie Ihr Theater herzfrei und auf Eis serviert mögen.

Dies ist sowohl Innovation als auch Imitation; wahrhaftig zum Roman und dennoch kühn in der Interpretation. Die Autor-Regisseure greifen das Appendix des Romans auf und nutzen es als Rahmen. Das Stück gibt dem Begleitkommentar des Buches eine Stimme und eröffnet in dem scheinbar vertrauten Raum einer Diskussionsgruppe, in der man sich den Luxus des Lesens, der Kommentierung und des Vertiefens in Literatur leisten kann, auch wenn Mobiltelefone eine kontinuierliche Unterbrechung und Irritation auslösen. Dies schafft die Wahrnehmung einer erkennbaren Gegenwart. Man fühlt sich wohl mit dem Kontext und glaubt zu wissen, wo man ist, aber dies löst sich schnell auf und Desorientierung ergreift einen. Im Rest des Stücks erzeugt die Vermischung unserer Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft eine zeitlose und ortlose „1984“. 1,9,8 und 4 werden bedeutungslose Ziffern, da hier 2+2 gleich 5 ist (oder was immer der Große Bruder sagt). Die Inkarnation von Orwells Dystopie ("Eine Vision der Zukunft, egal wann sie gelesen wird") ist für Headlong zu genau, um bequem beobachtet zu werden.

Sam Crane spielt den sensiblen, sanftmütigen Winston Smith, der sich gezwungen sieht, sein Schicksal niederzuschreiben, in einem erfolglosen Versuch, sich an das zu klammern, was von der Wahrheit übrig bleibt. Seine Arbeit, Aufzeichnungen, Bilder und Menschen aus der Datenbank des Großen Bruders im Ministerium der Wahrheit zu löschen, erinnert an die Nazi-Bücherverbrennung in Berlin im Jahr 1933. Das Löschen von allem, was Autorität bedroht oder in Frage stellt, lässt Winston letztlich furchtlos werden im Kampf. In einer Welt ohne Schokolade, Orgasmen oder freies Denken, wo Ignoranz Stärke ist, wo das Prinzip des Neusprechs dafür sorgt, dass „unnötige“ Worte gelöscht werden, was hat er zu verlieren? Diese ketzerischen Gedanken, zusammen mit dem Glauben an die Existenz der Brüderschaft, setzen Winston einem ernsthaften Risiko aus.

Es ist (vielleicht absichtlich) schwierig, eine Verbindung zu den Figuren des Stücks aufzubauen oder für sie zu empfinden. Winston ist der Jedermann und jene, die neben ihm existieren, repräsentieren die Menschheit. Er findet eine Bestätigung seines Verstandes und ein wenig gemeinsamen Boden in Julia, gespielt von Haran Yannas, aber ihr sprunghafter Übergang zur Liebe und seine übereilte Gegenleistung, obwohl sie nur „von der Taille abwärts frei“ ist, sind schwer zu glauben. Dies untergräbt die Scham des Verrats, die später zentral wird und hindert das Publikum daran, über die Verzweiflung hinaus viel zu empfinden angesichts des düsteren Zustands des gesamten menschlichen Daseins. Danke Leute.

Das Bühnenbild, die Beleuchtung und das Sounddesign von Chloe Lamford, Natasha Chivers und Tom Gibbons transformieren ein stoisches, fades Arbeitszimmer in das klinische, karge Ministerium der Liebe innerhalb von Sekunden. Der aufregende Angriff auf die Sinne - viszeral, übelkeitserregend - beginnt den Prozess der Verstrickung des Publikums, nimmt uns, zieht uns hinein. Die Nachwirkungen dieser inszenierten Realität sind unausweichlich, so dass wir alle das Leben unter dem Regime des Großen Bruders erleben können. Wir werden auf Distanz gehalten von jeder Liebe, Hoffnung oder Glück, alles wird durch eine Live-Video-Verbindung gespielt. Das Publikum erhält die Gelegenheit, eine kuratierte Erfahrung dieser Szenen über einen Bildschirm zu sehen. Diese Distanzierung trägt weiter zur Evokation der eingefrorenen, kontrollierten, rationalen „1984“ bei und klingelt beunruhigend wahr in der Kultur der Bildschirme und Überwachung (zu unserer „Sicherheit“), an die wir uns längst gewöhnt haben. Wir haben eine Nahansicht und eine Zoom-Funktion, sind aber irgendwie weiter von der Realität entfernt.

Headlong riskiert, sich selbst zu überholen - am Rande davon, ein bisschen zu bewusst ihrer eigenen Intelligenz zu sein - aber es ist unmöglich, die Cleverness hier nicht zu schätzen. Zufriedenheit kommt in Stößen, wenn man schließlich denkt, man weiß, wo man ist, auch wenn es nur für eine Szene oder zwei ist. Aber Icke und Macmillan haben immer die Kontrolle, manipulieren von Anfang bis Ende - dies, ihr strategisches Schachspiel und wir, ein Publikum von Bauern. Es gibt nichts Schlimmeres als das Gefühl, das man bekommt, wenn die Aktion sich nach außen dreht und das volle Auditorium mitschuldig an der Arbeit des Großen Bruders wird - jeder so schuldig wie der andere. Wie in Anthony Burgess' „A Clockwork Orange“, sind diejenigen, die kontrollieren und indoktrinieren, so gefährlich wie diejenigen, die Verbrechen begehen. Werden wir aufgefordert, aufzustehen und zu handeln? Sollten wir in der Lage gewesen sein, Winston vor seinem scheinbar unvermeidlichen Schicksal zu retten?

Insgesamt ist es sinnlos, über „1984“ zu schreiben. Ich habe das Glück, die Freiheit der Sprache zu haben und frei von der Gedankenpolizei zu sein, aber um die Botschaft des Stücks zu ehren, nehmen Sie nicht mein Wort dafür. Erleben Sie es selbst und bilden Sie sich Ihre eigene Meinung. Ich kann Ihnen schließlich nicht sagen, was Sie denken sollen. Alles, was ich weiß, ist, dass Sie wahrscheinlich einen „Sieges-Gin“ danach brauchen werden.

Wenn solches Theater den Mainstream erreicht, ist das Potenzial der Form erfüllt; es hat die Kraft, Gedanken zu ändern und Politik herauszufordern. Headlong, im Wissen, dass „eine Idee das Einzige ist, was die Welt je verändert hat“, haben dies erkannt und führen mutig den Weg. Aber wie es aussieht, erinnert zu viel Theater an die Prämisse des Stücks und das Regime des Großen Bruders. Es ist übermäßig kapitalistisch, mit den Wohlhabenden, den Marken und dem Vertrauten, die die Zügel halten. Für eine angeblich künstlerische Industrie (Kunst, keine Wissenschaft) gibt es viele Regeln, Einschränkungen und Bindungen, die echte Freiheit des Denkens und des Ausdrucks verhindern.

Betrachten Sie den neuesten Trend im Theater: das Phänomen des West-End-Transfers.

Headlongs Adaption von Orwells bedeutendem Roman ist hervorragend. Es gibt keinen Zweifel an dem Nutzen dieses Transfers und daran, dass mehr Menschen die Gelegenheit bekommen, diese Show zu sehen. Dennoch widerspricht etwas an der Presseberichterstattung, die diesen West-End-Transfer als das Nonplusultra für „1984“ feiert, der Botschaft des Stücks. Sind Londoner Veranstaltungsorte und Publikum für Headlong von größerer Bedeutung als ihre (oft größeren) Tourneeorte? Besonders irritierend war der Kommentar im Evening Standard, dass dieses Stück „verdient, zum West End zu transferieren“. Was bedeutet das überhaupt? Es ist nicht so, dass ich nicht zustimme, aber wie wahr ist es, dass etwas einen Platz in einem Forum verdient, das zwangsläufig dem kommerziellen Gewinn Vorrang gibt? Selten (nie) basieren die Entscheidungen, ein Stück für das West End zu produzieren, allein auf künstlerischer Anerkennung und Qualität. Indem behauptet wird, dass einige Produktionen „verdienen zu transferieren“, deutet an, dass man auch die Macht hat, zu entscheiden, was nicht tut.

Sind wir noch naiv genug zu denken, dass das West End der Ort ist, wo die beste Arbeit dieses Landes zu finden ist? Wirklich? Das West End ist nicht und war nie das Meritokratie, das es oft geglaubt wird zu sein. Um im West End zu sein, muss ein Theater Mitglied von SOLT sein, wo die Hauptvoraussetzungen eine Mitgliedsgebühr und das Versprechen sind, kommerzielle Arbeit zu produzieren. Das ist nicht unbedingt die beste Arbeit. Wenn wir weiterhin Arbeit für das Sein in einem West-End-Theater gratulieren, werden wir letztlich die Schriftsteller und Regisseure davon abhalten, etwas zu entwickeln, das nicht kommerziell ist, und das Experimentelle, Intime, Exklusive, Herausfordernde unterminieren.

Theater ist teuer, also beinhaltet der Ticketkauf ein Risiko. Es ist natürlich, dass wir das Vertraute wählen, um es zu sehen. Man könnte argumentieren, dass „1984“, trotz seiner unkonventionellen Form, für kommerziellen Erfolg bestimmt war wegen seines markanten Titels. Dennoch schleicht sich mehr und mehr Theater von unten nach oben, kommt von der Peripherie, aus intensiver Entwicklung, gewinnt an Fahrt, während Shows mit enormem kommerziellem Wert und finanzieller Unterstützung beim ersten Hindernis scheitern. Was die anhaltende Popularität dieses Stücks uns sagt, ist, dass die Zuschauer ein Gedankenverbrechen oder zwei begehen. Zunehmend anspruchsvolle und politisch getriebene Zuschauer beginnen mehr als Unterhaltung zu verlangen. Schauen Sie sich nur den Erfolg von „The Book of Mormon“ und das bevorstehende Transfer von „The Scottsboro Boys“ an, zum Beispiel.

Es gibt keine Gleichung, nichts, was sagt, was ein Hit wird und was floppt. Produzieren bedeutet kalkulierte Risiken einzugehen und, wie bei jeder Wette, gibt es viele, viele Variablen. Denken Sie, dass das National wusste, dass „War Horse“ explodieren würde? Nick Hytner sagte am Premierenabend, er erwarte einen Verlust von einer Million Pfund. Letztendlich wird Kunst immer Kunst sein. Alles, was wir tun können, ist, Innovation zu feiern und Ideen, Entwicklungen, Tradition und Menschlichkeit zu unterstützen, offen für Veränderung zu sein und so viel und so große Vielfalt wie möglich zu umfassen. Und wenn Theater eines Tages eine meritokratische Industrie wäre, dann, mein Gott, wäre es eine mächtige Kraft, mit der man rechnen müsste - eine Kraft, die Winston und seinem vergeblichen Aufstand gegen den Großen Bruder würdig ist - aber leider sind wir noch nicht so weit.

PS: Ist ein Transfer immer eine gute Sache? Wenn Sie wie ich lieber arm und brillant als reich und ein bisschen mies wären, könnten Sie Ihren ursprünglichen Veranstaltungsort als angemessener für Ihr spezifisches Stück betrachten, oder könnten Sie nicht? Fortsetzung folgt...

Lesen Sie unsere Rezension von 1984