REZENSION: Violet, Charing Cross Theatre ✭✭✭✭

Die Besetzung von Violet. Foto: Scott Rylander Violet Charing Cross Theatre, 21. Januar 2019 4 Sterne Jetzt buchen

In dieser neuesten Produktion am Heimatort des künstlerischen Leiters Thom Southerland gibt es viel zu feiern; zu den wichtigsten gehören eine großartige Partitur, eine großartige Leistung und ein wunderbares neues Design des Auditoriums. Es ist ein weiterer Erfolg in der Reihe von Southerlands Verwandlung des Veranstaltungsortes und verspricht viel für die Zukunft der ungewöhnlichen Bühne von Theaterbesitzern Steven Levy und Sean Sweeney: ein Miniatur-West-End-Theater mit etwas über 260 Sitzen, das die Intimität von Off-West-End- oder Fringe-Produktionen mitten in der Stadt bietet. Dieses Unternehmen – die UK-Premiere eines 20 Jahre alten Stückes von Komponistin Jeanine Tesori und Librettist Brian Crawley – ist ein mutiger Schritt der hauseigenen Produzenten Levy und Vaughan Williams und markiert außerdem den Beginn einer bemerkenswerten neuen Koproduktionsbeziehung mit Umeda Arts Theatre Co, Ltd., aus Osaka, Japan.

Matthew Harvey (Monty) und Kaisa Hammarlund (Violet) in Violet. Foto: Scott Rylander Der Hauptpreis hier, ohne Frage, ist die erstaunlich schöne und melodiöse Partitur von Tesori: Sie ist ein Feuerwerk aus wunderschönen Melodien und lebendigen Rhythmen und wird durchgehend reich orchestriert von Rick Bassett, Joseph Joubert, Buryl Red und Jason Michael Webb, gespielt von einer Band von 9 Musikern mit Tasten, Gitarren, Streichern und Percussion, alles meisterhaft geleitet von Dan Jackson. Die Gesangsarrangements für die Besetzung von 12 Personen sind noch köstlicher und machen das Beste aus dem feinen Gesang dieser hübschen Besetzung, sodass er in den prächtigen Chornummern der Show erstrahlt und glänzt (warten Sie nur den Schlusschor ab: Sie werden nicht wollen, dass er endet!).

Kieron Cook (Vater) Rebecca Nardin (Junge Violet) und Kaisa Hammarlund (Violet) in Violet. Foto: Scott Rylander Morgan Large wurde erneut das Bühnenbild für die einfach gehaltene, holzverkleidete Darstellungsumgebung anvertraut, und seine Hinzufügung eines Drehtellers zur inzwischen zentrumsoffenen Arena ist inspirierend: Dies macht das Beste aus den wenigen Stücken diverser Bühnenmöbel und sorgt für eine dringend benötigte Dynamik in einer Geschichte, die schließlich von einer Reise handelt. Eine Busreise: von Spruce Pine, North Carolina nach Tulsa, Oklahoma in einem Greyhound-Bus, die der verzweifelten und leidenschaftlichen Suche der entstellten Titelheldin folgt, während sie versucht, durch ihren Glauben die Vorzüge der Verwandlung zu finden. Es ist eine ungewöhnliche Geschichte, eine Adaption des Werks der Akademikerin und Erzählerin Doris Betts. Man könnte versucht sein, an andere Musicals auf picaresken Reisen zu denken (wie zum Beispiel Candides) und darüber nachzudenken, wie schwierig es ist, sie zum Funktionieren zu bringen: wie der Protagonist immer wieder zu entwischen scheint.

Kenneth Avery Clark (Prediger) und Ensemble von Violet. Foto: Scott Rylander In weniger guten Händen könnte dieses Stück leicht misslingen, aber Hauptdarstellerin Kaisa Hammarlund ist der Rolle mit all ihren potenziellen Fallstricken gewachsen. Sie investiert jede Unze ihrer Energie und ihres Geistes, um Sie glauben zu lassen, an diese traurige und einsame Frau, die darum kämpft, mit den Auswirkungen ihrer entstellten Kindheit und ihrer bitteren Wut auf den Vater, der es vielleicht zugelassen hat, und den betrunkenen Chirurgen, der zu wenig getan hat, um ihr Aussehen zu rekonstruieren, zurechtzukommen. Ja, es ist eine weitere Geschichte darüber, wie Frauen Opfer mächtiger - und fehlerhafter - Männer sind. Und der Zweck des Stückes scheint uns zu predigen und zu sagen, wie schlecht das ist und wie schrecklich wir uns dabei fühlen sollten.

Angelica Allen (Music Hall Sängerin) und Ensemble. Foto: Scott Rylander Das alles ist als Botschaft vielleicht gut und schön, doch es schafft nicht viel in Hinsicht auf echtes Theater. Tatsächlich wurde diese Show beständig für ihre Schwächen in der Charakterisierung und die hölzerne Unwahrscheinlichkeit ihrer Darstellung der verschiedenen Beziehungen kritisiert, die uns zur genauen Untersuchung präsentiert werden. Diese Probleme bestehen auch hier fort, obwohl Regisseur Shuntaro Fujita (aus Osaka) alles Mögliche tut, um die Dinge in Bewegung zu halten und uns so weit wie möglich abzulenken, was allzu häufig zu Lasten des dramatischen Flusses der Geschichte geht und manchmal das Publikum davon abhält, sich zu engagieren, obwohl es zu solchen Zeiten sicher gerade darauf ankommen sollte. Cressida Carre tut dasselbe mit ihrer Choreografie (obwohl wir zu wenig davon sehen, und das, was vorhanden ist, hat nicht die Möglichkeit, sich richtig zu entfalten). Und die Besetzung steckt beträchtliche künstlerische Leistungen in ihre anderen Rollen.

Matthew Harveys feiner lyrischer Verführer Monty ist athletisch und charmant, aber das Skript stellt ihm eine Schwierigkeit nach der anderen in den Weg, um ihn zu einer glaubwürdigen Figur zu machen. Sein Gegenpart ist sein (anscheinend) bester Freund und Rivale in der Liebe, Jay Marshs bodenständiger, aber aufrichtiger Flick, der eine noch unwahrscheinlichere Persönlichkeit ist. Wie alle anderen auch, bemerkt man beim Singen von Tesoris verzaubernder Musik - allzu oft - den seltsamen Verlauf ihrer Handlungsstränge nicht. Doch in dem Augenblick, in dem die Musik stoppt - oft recht abrupt, wenn sie auf die Schwermut des Buches trifft - stirbt jeder magische Moment einfach.

Janet Moody (Alte Dame), Rebecca Nardin (Junge Violet) und Kaisa Hammarlund (Violet) in Violet. Foto: Scott Rylander Die anderen Darsteller haben es noch schwerer, mit immer weniger Substanz umzugehen: Keiron Crook spielt einen ernsthaften Vater; Kenneth Avery Clark gibt sein Äußerstes, um den Humor in Crawleys düsteren, flachen Zeilen als Prediger zu finden - wenn ihm der Regisseur doch nur mehr helfen würde - es gibt wenig anderes, worüber man in dieser traurigen Geschichte lächeln könnte; die großartige Simbi Akande und Angelica Allen sind empörend unterfordert in ihren aufeinanderfolgenden Auftritten als Lula und Music Hall Sängerin (und ich dachte, diese Show sollte über die Stärkung von Frauen gehen?). Stammgast James Gant gibt eine weitere penible Nebenrolle als Leroy, Danny Michaels ist ein beeindruckend intensiver Billy Dean, und Janet Mooney legt so viel Fokus wie möglich auf die Alte Dame und die Hotel-Hure. (Ja, dies ist kein Skript, das vor Stereotypen zurückschreckt!) Aber Stolz unter den Nebenrollen gebührt sicherlich der jungen Violet, die wir bei der Premierenvorstellung von der tapferen und kindlichen Amy Mepham gesehen haben, die im Laufe des Abends merklich an Statur gewann und eine überzeugende Stimme fand. Ihre Rolle ist weit ansprechender als Crawleys anderer weiblicher Kinderstar, diejenige, die er für Jonathan Lippas 'Kleine Prinzessin' geschaffen hat. Dennoch scheinen wir die meiste Zeit nicht so sehr dort zu treten, wo die Trauben des Zorns zerquetscht wurden, sondern auf dem so bekannten Terrain einer Reihe von südgothischen Erzählungen, von 'Key Largo' über 'Der Regenmacher' bis immer wieder zu 'Der Zauberer von Oz'.

Und doch, und doch, und doch...  Wenn sie singen, hören Sie einfach auf, sich über die Unzulänglichkeiten des Textes Sorgen zu machen. Ja, es sind neue Lektionen in Bezug darauf zu lernen, wie - wenn überhaupt - die Stimmen in dieser neuen Konfiguration verstärkt werden können, und Andrew Johnsons Sounddesign wird im Laufe der Vorstellung mit Sicherheit reifen. Howard Hudsons fachkundige Beleuchtung hingegen zeichnet sich absolut aus, unterstützt den epischen Verlauf der Reise, während sie uns so weit hineinzieht, wie das Skript es zulässt, in die private Welt dieser kleinen Menschen mit großen Leidenschaften einzutauchen. Mein Herz möchte ihrer vereinten Anstrengung vier Sterne verleihen, aber ich weiß einfach, dass der Regisseur stören und mich davon abhalten wird, mich in ihrem Kampf zu engagieren und mir nur erlauben wird, drei zu vergeben. Es ist ein wenig unfair, angesichts der großartigen Anstrengungen, die in dieses Werk investiert wurden. Also, ich sage Ihnen was, ich ignoriere diesen durchdachten 'Entfremdungseffekt' und gehe mit dem, was der Score noch immer in meiner Seele singt...