REZENSION: Versailles, Donmar Warehouse ✭✭✭✭

Versailles

Donmar Warehouse

6. März 2013

4 Sterne

Hätte sich George Bernard Shaw dazu hinreissen lassen, ein Stück über die Ränkespiele rund um die Unterzeichnung des Versailler Vertrags und die verheerenden Auswirkungen des Ersten Weltkriegs auf England zu schreiben, dann hätte es – mit einer Ausnahme – vermutlich sehr ähnlich ausgesehen und geklungen wie Peter Gills faszinierendes, fesselndes Stück Versailles, das derzeit im Donmar in einer von Gill selbst wunderschön inszenierten Produktion zu sehen ist.

Gills Stück ist anregend und klug, eine Art Erinnerungsstück, zugleich aber auch Liebesgeschichte und Erzählung von Klassenkampf. Mitunter ist es ziemlich didaktisch und wirkt gelegentlich fast zu allwissend – insofern als Figuren aus dem Jahr 1919 die tatsächlichen Ereignisse der nächsten 100 Jahre vorwegnehmen oder darüber nachdenken.

Doch genau darum geht es. Gill betrachtet nicht nur den historischen Moment, sondern nutzt auch die Spielidee, um Vorstellungen von Akzeptanz, Toleranz, Zurückweisung und Weitsicht zu untersuchen. Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sind in diesem meisterhaften Werk unauflöslich miteinander verflochten und beleuchten sich gegenseitig. Die Geschichte mag sich wiederholen – aber die Zukunft tut es auch.

Historikerinnen und Historiker werden Ihnen sagen, dass John Maynard Keynes wegen der 1919 in Paris getroffenen Entscheidungen zurücktrat, die darauf abzielten, Deutschland zu bestrafen und dauerhaft geschwächt zu halten, damit es keinen Ärger mehr machen konnte. Keynes hielt die Strafe für zu hart: die wirtschaftliche Schlachtung Deutschlands im Namen des Friedens, so meinte er, würde zu weiteren Konflikten führen.

Dass es weitere Konflikte gab, wissen wir. Ob der Versailler Vertrag und seine Bestimmungen dazu beitrugen, ist eine Frage, über die bis heute leidenschaftlich gestritten wird.

Gills Stück ist in drei Akte gegliedert. Der erste spielt in Kent, im Haus der Familie Rawlinson. Das älteste Kind, Leonard, steht kurz davor, nach Paris zu reisen – als Beamter arbeitet er an den Regelungen zur Verteilung von Deutschlands Kohleressourcen. Seiner Schwester macht der junge Hugh einen Heiratsantrag; er war im Krieg und wartet auf seine Entlassung aus dem Dienst. Ihre Freunde, die Chaters, trauern: Sie haben ihren Sohn Gerald verloren, einen Soldaten, der an der Front gefallen ist.

Akt zwei verlegt die Handlung nach Paris, wo Leonard versucht, seine Vorgesetzten davon zu überzeugen, dass die Sanktionen gegen Deutschland zu hart sind. Er scheitert.

Im dritten Akt kehrt Leonard nach Kent zurück – er hat den Staatsdienst quittiert. Wütend und frustriert wettert er gegen seine konservative Tory-Familie und deren Freundeskreis. Seine Schwester weist Hughs Antrag zurück. Nach ein paar Drinks zu viel streitet die gesamte Grossfamilie darüber, was im Leben zählt, welche Werte es wert sind, sie zu haben – und für sie zu kämpfen. Geralds Vater verliert die Fassung und bricht unter dem Verlust seines Sohnes zusammen. Er akzeptiert, dass sein Sohn für immer fort ist – und diese Akzeptanz hat Folgen für alle anderen.

So geht es im ersten Akt um Hoffnung und Zukunft; im zweiten um Praktikabilität und Gegenwart; im dritten um Konsequenzen, Vergangenheit und Zukunft. Die Schlussszene des Stücks zeigt eine Episode vor Beginn des ersten Akts: den Moment, als Gerald in den Krieg aufbrach.

Denn Gerald und Leonard waren heimliche Liebende – obwohl Leonard die Beziehung beendete, bevor Gerald in den Krieg ging, und vielleicht war genau das der Grund, warum Gerald überhaupt ging: um zu fliehen. Um zu sterben. Für Leonard würde die Entscheidung, Gerald an jenem Tag keinen Abschiedskuss zu geben, zur lebenslangen Heimsuchung; und über alle drei Akte hinweg gibt es Szenen, in denen Geralds Geist Leonard besucht – um ihn zu prüfen, mit ihm zu diskutieren, sein Leben zu teilen.

Weil Leonard ihn nicht loslassen kann und bereut, nicht versucht zu haben, ihre Beziehung trotz aller Schwierigkeiten zum Funktionieren zu bringen (Gerald war promiskuitiv) – ganz so, wie Leonard auch nicht von seiner Überzeugung lassen kann, dass die Kohlesanktionen gegen Deutschland unterdrückend waren und der Vertrag besser, gerechter, weniger willkürlich hätte ausfallen können. So wie Leonard nicht vorausgeschaut hatte, um sich ein Leben mit Gerald trotz dessen Fehlern vorzustellen, so hatten auch die Alliierten es versäumt, vorauszudenken und zu bedenken, wie Deutschland mit seiner Bestrafung zurechtkommen und darauf reagieren würde.

Hugh ist ein bisschen ein Niemand – ein gutgelaunter, etwas tölpelhafter Kerl, der einfach Mabel heiraten will, fröhlich in den Krieg zieht, um seine Pflicht zu tun, und vielleicht, um Mabel zu beweisen, dass er ihrer Hand würdig ist. Leider ist sie nicht interessiert, doch der Druck ihrer Mutter, das Richtige zu tun, und ihr Gefühl, es wäre unfair, den Antrag während des Krieges und unmittelbar danach abzulehnen, lassen sie schweigen. Hugh ist verständlicherweise am Boden zerstört – er kommt nach einem entsetzlichen Konflikt zurück, um eine Verbindung auszuhandeln, und nachdem er monatelang gewartet hat, wird er vernichtet; seine Zukunftsaussichten sind unwiederbringlich verändert. Er sucht Zuflucht bei einem alten Schulfreund, der sich langsam vom Krieg erholt, und bei einem anderen, der eine Granate hat explodieren hören.

In vielerlei Hinsicht steht Hugh damit für Deutschland bei den Vertragsverhandlungen, während die Rawlinsons und die Chaters die Alliierten repräsentieren – alle ihrer Positionen sicher, aber blind oder gleichgültig gegenüber den Konsequenzen.

Gill bringt all das unter und lässt einen dennoch glauben, man sehe ein sanftes, leicht komisches Familiendrama. Das ist elegant, einfallsreich und schlicht brillant.

Genauso wie die Besetzung.

Josh O'Connor ist grossartig als Hugh: Aus sehr wenig macht er eine voll ausformulierte, vollkommen bezaubernde Figur. Sein Gefühl, von Mabel vollständig zerschmettert worden zu sein, vermittelt er perfekt – ohne Effekthascherei und ohne Anstrengung. Eine herausragende Leistung.

Gwilym Lee lässt Leonard vor Intelligenz und Charme pulsieren – und schliesslich vor Wut. Durchweg ist er ausgezeichnet, doch seine Szenen mit Tom Hughes’ Geist Gerald sind geradezu himmlisch: voller Nuancen, Traurigkeit – und Liebe. Ihre letzte Szene, der unbeholfene Abschied vor Geralds Aufbruch in den Krieg, ist erschreckend echt, herzzerreissend berührend. Hughes ist perfekt: viril, energiegeladen, geschniegelt und als Toter lebendiger als manche andere Figuren im Leben.

Francesca Annis und Barbara Flynn sind wunderbar als die beiden Mütter. Besonders grossartig ist Flynns eng geschnürte, heimgesuchte, trauernde-und-doch-nicht-zeigende Mutter; ihre unverhüllte Verachtung für Leonard, als er seinen Rücktritt aus dem Staatsdienst ankündigt, ist subtil getroffen. Annis’ Edith klammert sich verzweifelt an die Vergangenheit, an einen Ort, von dem sie glaubt, ihn zu kennen.

Christopher Godwin glänzt als Geralds Vater, und der Moment, in dem er zusammenbricht und um seinen verlorenen Sohn weint, ist erschütternd – er steht, wie er es tut, für die Klage um die Vergangenheit. Flynn bekommt einen ähnlichen Moment, doch ihre Verzweiflung gilt der Zukunft. Der Verlust ihres Sohnes – möglich oder real – ist für beide verheerend, aber aus unterschiedlichen Gründen: Angst und Reue. Man kann nur ahnen, welchen Kummer die beiden erlebt hätten, hätten sie von der Liebe ihres Sohnes zu Leonard gewusst.

Es gibt keine schwachen Glieder in dieser Besetzung, aber Edward Skillingbacks Beamter Henry und Helen Bradburys eigenständig denkende Constance sind besonders gut.

Richard Hudsons Bühnenbild ist bezaubernd, und das Gefühl für die Epoche ist köstlich genau getroffen. Die Rawlinsons stehen finanziell unter Druck, und das sieht man an den leicht verblichenen Möbeln, Polstern und Kostümen. Das Bühnenbild lebt von diesem Gefühl des Festhaltens an der Vergangenheit.

Paul Pyants Licht ist ausgezeichnet – vorausgesetzt, der Einsatz von Schatten über dem Geschehen ist so beabsichtigt, wie es scheint. Die Schatten verleihen dem Spiel das Gefühl von Erinnerung, von Verborgenem, von Licht, das für immer verloren ist. Der Effekt ist – ob bewusst oder nicht – ein integraler Bestandteil des Stücks.

Gill nutzt Musik und Tanz als wiederkehrendes Motiv im gesamten Stück – ein sehr wirksames, das das Gefühl von Erinnerung und Nostalgie verstärkt, das die Komfortzone für dieses äusserst unbequeme Stück bildet. Die wirbelnden Bilder der Besetzung, die tanzt oder sich zumindest anmutig durch und um das Bühnenbild bewegt, erzeugen ein klares Gefühl für den Sog der Geschichte und dafür, wie Fakten, Hoffnungen und Täuschungen sich verschlingen, um Realität zu formen.

Das ist die Art von Stück, für die der Donmar berühmt ist. Ein sofortiger Klassiker.