KRITIK: Two, Above The Arts ✭✭✭✭

Foto: Piers Foley Photography TWO

Shrapnel Theatre im Above the Arts

4 Sterne

London besitzt viele Pub-Theater, die derzeit sowohl alte als auch neue hervorragende Arbeiten zeigen; aber das Studio-Theater Above the Arts, nur einen Katzensprung vom Leicester Square entfernt, ist wahrscheinlich das einzige Pub-Theater, in dem die Bar, die Sitzplätze und das Publikum die realistische Kulisse für das Stück selbst bilden. Als ich ankam, schaute ich mich auf den um die Bar herum organisierten Sitzplätzen um und fragte den Barkeeper, wo ich am besten sitzen sollte. Er zuckte mit den Schultern und sagte: „Überall: Du bist mitten im Geschehen.“ Und so hat es sich fesselnd bewahrheitet.

TWO wurde vor etwa fünfundzwanzig Jahren erstmals im Young Vic aufgeführt und war einer der frühen Erfolge von Jim Cartwright. Es ist ein schnelllebiges, virtuos gespieltes Zwei-Personen-Stück, in dem die Schauspieler hinter der Bar als Wirt und Wirtin eines Pubs im Norden Englands beginnen und sich dann in Echtzeit kontinuierlich neu erfinden, um im Laufe eines ereignisreichen Abends zwölf Kunden darzustellen. Was wir sehen, sind im Wesentlichen mehrere Charakterminiaturen, bei denen Stimmung und Ton schnell wechseln; manchmal sind es Monologe und in anderen Fällen Dialoge zwischen Paaren. Die zwölf Gäste werden durch wiederkehrende Auftritte der Wirte unterbrochen, während ihre eigene Beziehung immer gespannter wird, bevor ein abschließendes Duett zwischen den beiden zur Schließzeit vieles ergreifend auflöst, das bisher nur angedeutet und impliziert wurde.

Ich fragte mich im Voraus, ob das Stück sein Alter zeigen könnte, aber in dieser Aufführung kam die Qualität des Schreibens sehr frisch herüber und rechtfertigte mehr als die vor einem Vierteljahrhundert verliehenen Auszeichnungen. Genauso wie bei dem zeitgleich entstandenen ‚My Night with Reg‘ sind es der lebhafte, trockene Humor, die ökonomische Charakterzeichnung und das schmerzvolle Leiden des Dialogs, die sofort die Aufmerksamkeit fesseln. Die hier mit deftiger Leichtigkeit skizzierten menschlichen Dramen tragen eine Überzeugungskraft, die es irrelevant werden lässt, dass es keine Handys gibt und dass niemand einen Doppeldrambuie in irgendeinem von mir bekannten Pub seit langem mehr bestellt hat. In Textur und Ton erinnert die Dramaturgie an zwei Autoren, die an der Oberfläche unterschiedlich, aber darunter nah sind: Terence Davies und Terence Rattigan. Dieses Stück hat Szenen, die die zähe Gemeinschaftssolidarität und den harten, schüttelnden häuslichen Streit erwecken, die man in Davies findet, während es auch Studien über schwache Einsamkeit bietet, die sich in Ausdrucksweisen von stoischer Verzweiflung und Verzweiflung übergehen lassen, die voll Rattigan in ‚Separate Tables‘ würdig sind, dem es auch formal verpflichtet ist. Viele der Qualitäten, die Cartwrights spätere Arbeiten ausgezeichnet haben, sind hier bereits voll erkennbar.

Aber der eigentliche Erfolg des Stücks hängt genauso sehr von den zwei Schauspielern selbst ab, sowohl als Individuen als auch als Partnerschaft. Ihre Darbietungen erfordern viele schnelle Kostümwechsel, Verhalten und Akzent für die Reihe von Einheimischen, während sie gleichzeitig die schwelende Feindseligkeit und die inhärente Einsamkeit des Paares im Mittelpunkt der Handlung vorsichtig aufbauen. 1990 waren zwei bekannte Schauspieler aus Brookside ein großer Erfolg in der ersten Produktion, und ähnliche Lorbeeren gehen diesmal an Jamie Shelton und Chelsea Halfpenny, beide aus Emmerdale, die die technischen und emotionalen Herausforderungen mit seltener Geschicklichkeit und Anmut meistern. Als die zwölf Charaktere engagieren sie sich überzeugend mit dem Publikum (das als andere Gäste im Pub behandelt wird) und verkörpern die verschiedenen Persönlichkeiten mit sorgfältig unterscheidbaren Akzenten, Manierismen und Körpersprache. Mit nur minimalen Änderungen an Kostümen, Frisuren und Make-up hängt alles von den Fähigkeiten der Schauspieler ab und in dieser Hinsicht triumphierten sie. Als zentrales Paar sammeln sie sorgfältig Details in ihren Darbietungen, so dass, wenn die Enthüllung in der abschließenden Szene kommt, warum sie sich entfremdet haben, es umso mehr Wirkung und Kraft hat, das Publikum ohne Manipulation zu berühren.

Es ist heikel, bestimmte Cameos aus dieser durchweg exzellenten Bildergalerie herauszuheben, aber die nachhaltig beeindruckendsten Charakterisierungen für mich waren schmerzhafter Selbsthass und mobbende Grausamkeit. Halfpennys Darstellung einer betrunkenen und verzweifelten Geliebten, die versucht, ihrem Geliebten und seiner Frau im Pub zu begegnen, hatte echte Tiefe. Sie erfasste wunderschön die erniedrigenden Schattenreiche, die von der Frau bewohnt werden, die nie die Ehefrau sein wird, gezwungen trotz sich selbst immer zuerst an die Bedürfnisse anderer zu denken. Und für Shelton kam vielleicht sein Höhepunkt des Abends in der undankbaren Rolle eines besessenen, unsicheren, mobbenden, letztendlich missbräuchlichen Ehemanns, entschlossen, an jedem Wort und jeder Tat seiner Frau etwas zu bemängeln. Diese Szene hatte Bedrohung und Realismus und erzeugte eine der konzentrierten Stillepausen, wenn man weiß, dass ein Publikum ganz und gar in Charakter und Handlung vertieft ist.

Ich hatte eine leichte Vorbehalt gegenüber der Handhabung der letzten Szene. Dies dient als kraftvolles Schlusswort, in dem der Autor und die Schauspieler mit voller Kraft arbeiten müssen und die feinen Schattierungen und Nuancen der vorherigen Abschnitte beiseite werfen müssen. Ohne die Handlungsequenz vorwegzunehmen, ist es vielleicht genug zu sagen, dass der Ton des Schreibens plötzlich in den ausweidenden Modus des Paarkonflikts wechselt, den man bei Edward Albee findet. Die Besetzung und Regisseur (Darren RL Gordon) entschieden sich, das Material viel langsamer zu spielen als die vorherigen naturalistischen Dialoge zwischen den beiden Hauptfiguren, was die Szene fast opernhaft erscheinen ließ, besonders in den langen Pausen. Während dies dem Streit zusätzliches Gewicht und Bedeutung verlieh, und die Gründe für ihre nagende Antipathie, fühlte ich dennoch, dass dies ein Fehler war. Der Dialog hätte noch mehr Schock und Wirkung entfaltet, wenn er ohne dieses bewusste Gravitas-Spiel in das finale stoische Fazit zugestürmt wäre; und er hätte sich immer noch tonmäßig von den leichteren, flinken früheren Abschnitten abgehoben. Musikalisch betrachtet ist dieses Stück wirklich ein Thema mit einer Reihe von bemerkenswert kontrastierenden Variationen, und die letzte Szene sollte immer noch verhältnismäßig zu dieser Gesamtstruktur sein.

Schlussendlich ist TWO eine sehr feine Abendunterhaltung im Theater, die ihre achtzig Minuten Laufzeit im Nu durchmixt und Sie voller Bewunderung für solch eine detaillierte Erzähl- und Charakterbildung mit seltenen Mitteln und einer breiten Gefühlspalette zurücklässt. Die Wiederaufnahme ist voll verdient und auf allen Ebenen reich belohnend.

Man wird am Ende noch ein Getränk an der wirklich existierenden Bar kaufen wollen….

TWO läuft im Above The Arts bis zum 22. April 2015.