KRITIK: Twang!, Union Theatre ✭✭✭

Julian Eaves rezensiert Lionel Barts Musical Twang!, das jetzt mit einer Wiederaufnahme im Union Theatre, Southwark, gefeiert wird.

Twang!!

Union Theatre

13. April 2018

3 Sterne

Tickets buchen Lionel Bart, der Songwriter-Schöpfer des musikalischen Theater-Mega-Hits 'Oliver!' und epochendefinierender Popsongs wie Sir Cliffs 'Livin' Doll', war der König des britischen Songwritings.  'Twang!!', mit seinen doppelten Ausrufezeichen, war die Show, die ihn zu Fall brachte, sein Vermögen vernichtete und seine Karriere zerstörte, bevor er 1999 in gebrochener Anonymität starb.  Es gibt eine gewisse morbide Faszination darin, jetzt an den Ort des Absturzes gehen und ihn inspizieren zu können, der hier mit schwer nachvollziehbarer Begeisterung im Union Theatre wiederbelebt wird.

Barts Verleger und Nachlassverwalter hatten einige Erfolge bei der Wiederaufführung der beiden Shows, die auf 'Oliver!' folgten, 'Blitz!' (ich erfinde diese Ausrufezeichen nicht: so sind die Titel geschrieben) und 'Maggie May', aber 'Twang!!' hat sich bis jetzt einer Wiederaufnahme widersetzt.  Die Show war berüchtigt chaotisch, vor allem weil sie kein erkennbares Buch hatte, zumindest nicht dasselbe Buch von einer Aufführung zur nächsten.  Angesichts dieser als ernsthaft erachteten Schwäche des Werkes lud der Nachlass weise 'Gebote' von einer Auswahl bewunderter Branchenpersönlichkeiten ein, um es zu verbessern.  Wer die anderen Bewerber waren, darf ich nicht sagen, aber ich kann verraten, dass der Gewinner dieses Prozesses Julian Woolford ist, derzeit Leiter des Musical Theatre an der führenden Schauspielschule der Branche, der Guildford School of Acting.  Woolford schreibt Stücke und Musicals und hat zu einigen der Standardtitel beigetragen, wie man in diesem anspruchsvollen Genre arbeitet.

Seine Entscheidungen müssen respektiert werden.  Hier hat er die Lieder der Originalpartitur beibehalten - soweit wir das beurteilen können - und nicht nur 'Livin' Doll' hineingequetscht (ich weiß nicht warum), sondern auch eine Vielzahl von Zitaten - einige davon sehr lang - aus diesem, jenem und dem anderen Musical, was jetzt zu einer Art 'Dein Parodie der Parodien' wird.  Wenn Ihnen so etwas gefallen könnte, dann lesen Sie weiter.

Vereint mit einem unerbittlichen Strom von Musical-Theater-In-Scherzen scheint der Großteil des ersten 'Aktes' dieser Unterhaltung auch danach zu streben, eine Art Humor zu erreichen, der nicht so sehr 'niedrig' als 'kellerartig' ist: er erinnert eher an 'spätere' Carry On-Filme mit einer beharrlichen und sehr, sehr offensichtlichen Obsession für vage unangemessenen Schmutz, die an die plastische Leere von Robin Asquiths 'Confessions'-Reihe erinnert.  Wiederum, sollte dies alles Ihr irdisches Vergnügen sein, dann bitte ich Sie, weiterzumachen.  Während wir uns auf die Mitte zubewegen, scheint eine Art 'Handlung' an die Oberfläche zu kommen, und es erscheint uns irgendwie vertraut aus dem Errol Flynn Film.  In der zweiten Hälfte erhält dieses narrative Element einen willkommenen Impuls, und die Show beginnt zumindest etwas dramatisches Interesse zu erlangen.  Nicht zu früh, könnten einige sagen.  Allerdings lässt die Erinnerung an eine erfolgreichere Adaption dieser Geschichte diese keineswegs gut aussehen.

Alle üblichen, formelhaften und wenig überraschenden Bewegungen werden ausgeführt, und wir kommen zu einem Ende zustande, obwohl dies durch eine Endversion und endlich vollständige Aufführung eines mühsam erreichten Durchlaufs von Sir Cliffs großem Hit mehr Trost als Geschwindigkeit bietet.  Unterwegs gibt es nur ein Lied von Bart, das unsere Aufmerksamkeit verdient hat: 'I've Got A Handful Of Songs To Sing You' ist wirklich ein wunderschönes Stück und, wäre es nicht unter einem Berg von Campiness und schmierigen Anspielungen begraben, könnten wir es vielleicht sogar richtig schätzen.  So wie es ist, gibt das Skript uns kaum eine Chance dazu.  Stattdessen erinnern uns die ständigen Erinnerungen an andere - viel bessere - Musicals immer wieder daran, was sie wertvoll macht, sind all die Dinge, die hier so auffällig fehlen.  Obwohl oft geschickt aufgeführt, generieren die Parodien und Referenzen Lachen auf Kosten von 'Twang!!' selbst, und das klingt zunehmend hohl.

Das ist ein großes Pech.  Es gibt viele Momente, in denen man denkt, 'Oh, dieser Witz war eigentlich ziemlich gut'.  Aber das Problem mit Woolfords vollgepackter Trickkiste ist, dass es keinen Raum zum Atmen gibt.  Bryan Hodgsons Regie befolgt die Vorgaben des Textes, so wie sie festgelegt sind, aber er kann dem wohlkonservierten, aber vollständig leblosem Körper kein Leben einhauchen.  Als eine Art Jahrgangsdrama-Sketch mag es durchaus Charme haben, und ich verstehe, dass ein früher Workshop des Skripts tatsächlich unter der Schirmherrschaft von Woolford an der GSA durchgeführt wurde.  Als eigenständiges Werk, wenn Sie jemals wissen wollten, warum es beim ersten Mal ein so kolossales und schädigendes Versagen war, dann liefert diese Version reichlich Hinweise.

In der Zwischenzeit können wir die lebhafte Beweglichkeit von Mitchell Harpers Choreographie bewundern und Ben Jacobs' stilvolle Beleuchtung.  Justin Williams und Jonny Rust sorgen für ein weiteres ansehnliches Set für dieses Haus - sie werden immer mehr zu Experten, wie man den Raum hier nutzt.  Penn O'Garas Kostüme sind vielleicht der am wenigsten imaginative Aspekt des Produktionsdesigns: die frühe Zeile, 'Welcome to the Sixties.... The 1160's,' deutet verlockend auf eine andere Richtung hin, die man hätte einschlagen können (übrigens, das ist nicht das richtige Jahrzehnt für diese Charaktere, aber ich nehme an, dass es niemanden wirklich interessiert).  Leider werden die Besetzung, trotz ihrer unermüdlichen Anstrengungen, in Flausen und Polsterung, Perücken und tief unsexy bodenlangen Kleidern erstickt.  Trotz der überschwänglichen Frivolität des Skripts haben diese hinreißend hart arbeitenden und sympathischen jungen Leute einfach nicht die Gelegenheiten, das zu tun, was das Buch versucht zu tun: uns eine Lektion in der Bedeutung von Musical Theater zu geben.  Zukünftige Produzenten dieser Show (falls es sie gibt, und wir haben 53 Jahre auf diese Wiederaufnahme gewartet) mögen sich die sparsame Herangehensweise von, sagen wir, 'Chicago' (kein Ausrufezeichen - keines nötig) ansehen, um zu erkennen, dass im Theater, wie im Leben, weniger oft mehr ist... viel mehr.

Schließlich müssen wir dieser tapferen Truppe von Spielern Tribut zollen, die Herz und Seele in dieses Projekt gesteckt haben.  Peter Noden ist ein sympathischer Robin, Kweeva Garvey eine strahlende Marian, Joe Rose gewinnt im Laufe der Handlung als Much an Schwung, und Jessica Brady sorgt für einen selbstbewussten Auftritt als Delphina Leuves-Dick (haben Sie's verstanden?), Christopher Hewitt ist ein eher Victor-Spinetti-ähnlicher Sheriff von Nottingham.  Christian Lunn spielt Little John auf angenehme Weise wie Peter Gilmore, und Kane Verrall gibt bei Will Scarlett immer Vollgas, um mehr als nur menschliche Energie hineinzupumpen (und hat das Glück, eines der wenigen auffälligen Kostüme in einer eher drögen Show zu tragen).  Stephen Patrick wird als der eigenartige Hob of the Hill in Erinnerung bleiben - wenn auch nicht gehört - und Victoria Nicol ist eine sehr Joan Collins'ische Lady Elpheba.  Ed Court macht in der alten Basil Rathbone Rolle des Sir Guy von Gisbourne eine auffällige Figur.  Die clevere Komikerin Francesca Pim bekommt vielleicht nicht ganz genug zu tun als Lady Dolly, und Micah Holmes sorgt für Vielfalt als Tanzkapitän: ach, was für ein Jammer, dass wir seinen großartigen Spagatsprung erst ganz am Ende sehen!  Louie Westwood legt eine weitere sehr konsequente Wiederholung seiner Camp-Persona als Mönch Tuck hin, Chris Draper ist immer eine Bereicherung im Ensemble und James Hudson ist nett als Alan-A-Dale.  Die wohl beeindruckendste Charakterisierung ist jedoch die von Lewis McBeans schamloser Plünderung von Oliviers Henry V als Prince John, eine interessante Intertextualität. Sie sind wirklich eine äußerst attraktive Truppe.

Oh, und Henry Brennan hält die Musik auf ihrem Zitatkurs am Laufen und investiert Barts überwiegend ziemlich minderwertige Nummern mit mehr Liebe und Aufmerksamkeit, als sie wirklich verdienen, und darf in letzter Minute als Richard I. auftreten.  An den Schlagzeugen ist Nick Anderson und James Hudson spielt die Gitarre.

Niemand könnte dieser Gesellschaft vorwerfen, nicht ihr verdammtes Bestes versucht zu haben, das Ganze zum Leben zu erwecken.  Es heißt, dass das Publikum bei der ersten Vorschau auf ihrer Seite war und ihre Dosis Schmutz und Klischees gerne aufgesogen hat.  Vielleicht werden weitere solcher Publikum folgen.  Ich hoffe es, zu ihrem Besten. Am Premierabend jedoch habe ich selten ein Theater so schnell und so leise leeren sehen, wie hier: es war, als könnten die Menschen es kaum erwarten, wegzukommen.  Das ist wirklich nicht fair gegenüber einer Gesellschaft, die vielleicht das Unmögliche zu erreichen versucht: aus Liebe zu einem der ganz großen Schriftsteller im Musicaltheater, eines seiner lange verloren geglaubten Kinder, das es nie geschafft hat, zurückzubringen - vielleicht zum letzten Mal -, ihm ein neues Drehbuch zu geben, es bis zur Kante mit wissendem Humor zu füllen und es fest zu umarmen.  Das könnte letztendlich nicht ausreichen, unsere Sicht auf das Werk zu ändern, aber es ist ein heroischer Versuch, und ich frage mich, ob es irgendjemand, wirklich, unter den gegebenen Umständen, hätte besser machen können.

Bis 5. Mai 2018. Fotos:  Anton Belmonté

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