KRITIK: Unsere kleine Stadt, Almeida Theatre ✭✭✭✭✭

Foto: Marc Brenner Unsere kleine Stadt Almeida Theatre 21. Oktober 2014 5 Sterne

Thornton Wilder gewann drei Pulitzer-Preise. Die Auszeichnung, die er 1938 erhielt, war für Unsere kleine Stadt, die im selben Jahr am Broadway uraufgeführt wurde. Wie ungewöhnlich, konfrontierend, vielleicht sogar verstörend muss diese erste Inszenierung für Theaterbesucher gewesen sein - kein Bühnenbild, minimale Requisiten, Mimen alltäglicher Aktivitäten, ein Erzähler, der direkt mit ihnen sprach und die vierte Wand durchbrach, Einblicke in Erzählfäden und kleine Vignetten, die bestimmte Charaktere zeichnen. Es muss berauschend, faszinierend, inspirierend gewesen sein. Frisch.

Stilvoll und gekonnt inszeniert, kann Unsere kleine Stadt immer noch all diese Dinge sein - und mehr. Wie David Cromers meisterhafte Wiederbelebung des Stücks, das nun nach erfolgreichen Spielzeiten rund um den Globus im Almeida Theatre aufgeführt wird, mühelos beweist.

Cromer ist ein Genie. Alles hier - absolut alles - funktioniert. Perfekt. Erhaben. Vollkommen. Es gibt nichts, über das man sich beschweren oder streiten könnte.

Zumindest, wenn Sie nicht wählbar sind, Präsident der Vereinigten Staaten von Amerika zu werden. Denn wie das Programm andeutet, angesichts des Logos/Icons für diese Inszenierung, versucht Cromer, Wilders Stück universeller zu gestalten, indem er die Schauspieler Akzente nutzen lässt, die im Vereinigten Königreich vertraut sind. Das ist vielleicht umstritten, da Wilder als so amerikanisch wie Blaubeerkuchen gilt, und in Wahrheit enthält das Skript Rhythmen und spezifische Wörter oder Ausdrücke, die den Dialog in New Hampshire verankern, wo die Stadt im Zentrum der Handlung, Grover's Corners, liegt. Man kann also verstehen, warum Amerikaner sich möglicherweise über den Gebrauch von Akzenten bei einer Inszenierung dieses großen „amerikanischen“ Stücks geeigent fühlen könnten.

Aber weit davon entfernt, die Kraft und Wirkung von Wilders Werk zu schmälern, zahlen sich Cromers Entscheidungen in Bezug auf Akzente wirklich aus. Die klaren Klassentrennungen, die Nicht-Amerikanern oft entgehen, sind kristallklar, wenn englische Akzente im Spiel sind. Ebenso erhält der „Unsere“ Teil des Titels des Stücks echte Bedeutung. Diese Produktion handelt nicht von einem altmodischen, malerischen Ort in den Agrargebieten Amerikas – nein, es ist ein Stück über uns, über unsere Städte, unsere Menschen, unser Leben. Die lokalen Akzente steigern die Universalität des Werks.

Aber eigentlich trägt Cromers gesamtes Konzept hier dazu bei. Stephen Dobays Bühnenbild und Alison Siples Kostüme verbinden sich zu einer gewöhnlichen Landschaft, einer Palette von Wiedererkennung und Vertrautheit. Zwei Abschnitte der ersten Reihe werden fast zu den symbolischen Lattenzäunen oder Durchgangsstraßen der Stadt, was einen Teil des dort sitzenden Publikums unwohl fühlen lässt, aber die Inklusivität der Herangehensweise an den Text unterstreicht. Heather Gilberts Beleuchtung ist einfach magisch; der allmähliche Lichtwechsel evoziert den beabsichtigten Zeitverlauf und die Tageszeit. Die Lichter selbst - gemacht, um wie gewöhnliche Haushaltslichter auszusehen - tragen zum Gefühl von Häuslichkeit und Intimität bei. Und indem das Saallicht eingeschaltet bleibt, wird sichergestellt, dass das Publikum immer daran denkt, aufmerksam zu verfolgen, was geschieht, im Bewusstsein dessen, dass sie gesehen werden können, eines von Wilders Themen darüber, wie Leben geführt werden (oder auch nicht).

Und wenn es im dritten Akt kommt, ist der spektakuläre Designtrick atemberaubend. Einfach atemberaubend.

Es ist auch dieser Akt, in dem amerikanische Akzente in einer Rückblickszene verwendet werden, eine weitere geniale Regieentscheidung, die die Geschichte der Stadt mit dem Erzähler in Einklang bringt und gleichzeitig eine weitere Möglichkeit findet, die Universalität der Themen zu reflektieren und das Publikum daran zu erinnern, woher das Stück stammt.

Wilders Stück ist an der Oberfläche trügerisch einfach, aber diese Einfachheit ist nur das Deckblatt – die Schätze darunter sind zahlreich und fesselnd. Im Grunde ist dieses Stück eine Betrachtung darüber, was es bedeutet, ein Mensch zu sein, und über die Dinge, die Menschen routinemäßig tun, durch Druck von Gleichaltrigen oder Eltern oder weil sie denken, dass sie das Leben verstanden haben, um ihre Leben zu verkleinern. Es ist so konfrontierend wie es verführerisch ist.

Wenn es heute geschrieben würde, würde es einen weiteren Pulitzer-Preis gewinnen. Kein Zweifel. Es ist so frisch, bedeutend und dringend wie 1938. Cromer versteht das vollkommen und sorgt dafür, dass das Publikum es ebenfalls versteht.

Neben seinen Regieaufgaben spielt Cromer den Bühnenmanager, Wilders Erzähler, der mit dem Publikum in Dialog tritt und die Aktionen der Bewohner beobachtet. In einer nicht herablassenden, schulmeisterlichen Art und Weise ist Cromer erstaunlich gut, ob er nun eine der kleinen Figuren in der Erzählung spielt (der Sodapop-Verkäufer, der Hochzeitszelebrant zum Beispiel) oder Informationen an das Publikum weitergibt oder es zum Mitmachen anspornt. Er benutzt seinen amerikanischen Akzent – und rahmt so die Arbeit als amerikanisches Werk, ohne die Universalität der Themen und Charaktere zu beeinträchtigen. Er ist so stilvoll, so unfassbar, intelligent perfekt, so wechselhaft und einfühlsam. Es ist eine großartige Leistung.

Aber das ist bei weitem nicht die einzige hier. Jede einzelne Person, die erscheint, ist perfekt besetzt und bereichert und erfreut mit ihrer Anwesenheit. Jede einzelne Person. Selbst die, die keine Zeilen haben. Ich kann mich nicht an einen fehlerloser besetzten Ensemble-Cast erinnern. Mein Hut ziehe ich vor jedem Einzelnen von ihnen. Das ist Ensemble-Schauspielkunst vom Feinsten. Warmherzig, einladend, schmerzhaft ehrlich, vollkommen vertraut.

Es gibt einige herausragende Leistungen, die besondere Erwähnung verdienen. Christopher Staines ist hervorragend als Simon Stimson, der alkoholkranke Chorleiter, der Gegenstand endlosen Dorfklatsches ist, aber dem niemand zu helfen bereit ist. Ergreifend und urkomisch, Staines‘ Leistung hier ist pure Freude. Jeder, der jemals in einem Chor gesungen hat, wird die meisterhafte Art und Weise, wie Staines die endlose Qual des Mannes darstellt, der die verschiedenen Teile an den Chor lehrt, völlig nachvollziehen können; es ist sehr, sehr lustig. Und kontert, mit elektrisierender Brutalität, die Momente, in denen Stimson in der Fuge seiner eigenen Verzweiflung und Zynik verloren ist.

Annette McLaughlins brutal ehrliche Darstellung der nichtssagenden Dorfklatschtante, Mrs. Soames, ist besonders saftig und freudig. Daniel Kendricks zuverlässiger Milchmann, Howie, und Rhashan Stones öffentlich bewunderter, aber privat abscheulicher Dr. Gibbs sind köstlich, perfekte Leckerbissen.

Anna Francolini liefert die Leistung ihres Lebens ab als Mrs. Gibbs, die Frau des Stadtarztes, die ihren Tag damit verbringt, die Bedürfnisse ihrer Familie zu befriedigen, aber ihre eigenen Träume träumt wissend, dass sie immer unerfüllbar bleiben werden. Ihr Sinn für mütterliche Angst ist perfekt abgestimmt, ebenso der Gedanke an ein völlig verschwendetes Leben mit einem undankbaren und anmaßenden Ehemann. Sie ist wirklich wunderbar im dritten Akt; sparsam, präzise, vielschichtig. Der frühzeitige Tod ihrer Figur behindert Francolinis wunderschön abgestimmte Darbietung nicht.

Die gesamte Webb-Familie ist perfekt gezeichnet: Kate Dickies erschöpften Mutter; Laura Elswworthys kluge, aufgeweckte Schülerin (des Lebens wie sich herausstellt), Emily; Arthur Byrnes tragischen Wally; und Richard Lumsdens hervorragend gewöhnlicher Vater. Sie haben eine Vitalität als Familieneinheit, die bemerkenswert ist. Zwei Szenen sind besonders wunderbar: wenn Mr. Webb seinem Schwiegersohn in spe Weisheit vermittelt (urkomisch und tiefgründig); und die Gelegenheit von Emilys 12. Geburtstag (warm, aufregend und letztlich verheerend).

Allerdings kommt die Aufführung des Abends von David Walmsley als George Gibbs. Ich weiß nicht, wie alt Walmsley ist, aber er ist kein Teenager, dennoch überzeugt er in Akt Eins völlig als einer, dieser Art von mürrischem, verlorenem Teenager, mit dem so viele Eltern vertraut sind. Jede Sekunde, die er auf der Bühne steht, ist Walmsley völlig engagiert, völlig überzeugend und absolut großartig. In Akt Zwei sind seine unangenehmen Interaktionen mit Elswworthys Emily unvergesslich – von der scheinbar komplizierten Aufgabe, ihre Bücher zu tragen, bis zu dem frech-unbeholfenen Moment, als er ihr seine Liebe gesteht. Zärtlich, wahrhaftig und zeitlos, Walmsley ist in jeder Hinsicht außergewöhnlich. Sein Fortschritt vom übellaunigen Jungen zum erwachsenen, engagierten Ehemann und Vater ist sicher und völlig echt. Und seine fast lautlose, erschütternde Darstellung der zermürbenden Angst im dritten Akt krönt diesen recht shakespearehaften Auftritt.

Dies ist eine phänomenal effektive und ambitionierte Wiederbelebung eines Meisterwerks. Es stellt den Glauben an die Kraft und Magie des Theaters wieder her und zeigt auf sehr klare Weise, wie die Besetzung von Schauspielern, die wirklich spielen können, der Schlüssel zu erfolgreichem Theater ist. Es erhebt Ihr Herz und Ihren Geist, obwohl man dabei möglicherweise einige Tränen vergießen muss. Kraftvoll. Fesselnd. Unvergesslich. Warmherzig. Eine Unsere kleine Stadt für unsere Zeit.