KRITIK: Tonight at 8.30, Jermyn Street Theatre ✭✭✭✭✭

Julian Eaves rezensiert Noel Cowards Tonight at 8.30, das derzeit im Jermyn Street Theatre in London zu sehen ist.

Das Ensemble von Star Chamber. Foto: Robert Workman Tonight at 8.30

Jermyn Street Theatre,

22. April 2018

5 Sterne

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Wie glücklich wir sind, diesen Zyklus von neun Einakterstücken von Noel Coward (er schrieb ein zehntes, das hier jedoch nicht enthalten ist) von diesem unermüdlichen erstklassigen Fringe-Theater nahe dem West End, direkt bei Piccadilly, präsentiert zu bekommen. Dieses Kompendium an Einblicken in die Mitte der 1930er Jahre ist eines der selten gespielten Werke des Meisters, aber die Seltenheit der Aufführungen zeugt nicht von fehlender Qualität. Der künstlerische Leiter, der jugendliche und ungeheuer talentierte Tom Littler, zaubert mit einer hervorragenden Besetzung und einer prächtigen Inszenierung, alles zu einem Budgetpreis, reichlich Magie heraus. Es ist eine ziemliche Reise: Anfangs ein wenig langsam, aber sobald es Fahrt aufnimmt, ist es unaufhaltsam und trifft immer wieder ins Schwarze. Sie wären verrückt, es zu verpassen. An bestimmten Tagen kann man alle Stücke auf einmal sehen, was ein großes Vergnügen ist.

Es gibt drei Gruppen von je drei Stücken. Die Produzenten hier nennen den Auftakt „Secret Hearts“, das mit „Star Chamber“ beginnt – dem einen Stück, das üblicherweise aus Aufführungen herausfällt (anstelle dessen bekommen wir „Fumed Oak“). Es ist eine etwas amüsante Eröffnung, wenn man das theatralische Gezänk zu schätzen weiß, aber es wird durch die Einfügung clever geschriebener Episoden überlappender Dialoge etwas interessanter. Wenn es mehr ist, dann ist mir das größere Wesen entgangen. Wir haben hier eine starke Besetzung, aber dieses Stück ist nicht viel mehr als ein reizvoller Aufwärmer für sie. Merkwürdigerweise ist es jedoch das eine Stück, bei dem Boadicea Ricketts wirklich genug zu tun bekommt: Sie ist ein brillantes Nachwuchstalent am Beginn ihrer Karriere und ein großartiger Fund als die eitle, selbstverliebte Diva, die Meisterin der zerstörerischen Nonsequitur ist. Ich bin sicher, wir werden sie noch öfter sehen.

Jeremy Rose und Rosemary Ashe in Red Peppers. Foto: Robert Workman

Als nächstes folgt „Red Peppers“, eine veraltet erscheinende Darstellung fragwürdiger zweitklassiger Varieté-Künstler. Selbst Rosemary Ashe und Jeremy Rose (als Lily und George Pepper) können den Ton in den parodistischen Music-Hall-Stücken und dem zänkischen Geplänkel hinter der Bühne nicht ganz richtig treffen. Coward schrieb dieses Material als Fahrzeug für Stars wie ihn selbst und Gertrude Lawrence, als sie im selben Alter wie das Jahrhundert waren; in den Händen viel älterer Darsteller gewinnt es an Tiefe, wird zu einem Porträt von Enttäuschung und vergeudeten Leben, aber die Lieder sind voller Geist und Heiterkeit und sitzen merkwürdig in einem reiferen Milieu.

Nick Waring und Miranda Foster in Still Life. Foto: Robert Workman

Die erste „Trilogie“ endet mit der vielleicht bekanntesten Geschichte der Gruppe: „Still Life“ ist die dramatische Kurzgeschichte, die zu David Leans „Brief Encounter“ wurde, derzeit ebenfalls auf der Bühne gleich um die Ecke im Haymarket im Empire Cinema in Emma Rices radikaler Neugestaltung der Geschichte mit Kneehigh. Der Vergleich ist interessant. Anders als hier liefert Rice das Werk alles andere als „straight“, und der Effekt ist sofort elektrisierend. Im Gegensatz dazu spielen Miranda Foster und Nick Waring Laura und Alec ziemlich so, wie die Zeilen es sagen, und wir scheinen die Oberfläche von Cowards Welt nie ganz zu berühren.

Und dann passiert etwas Bemerkenswertes. Plötzlich, mitten in einem Gespräch über ihre Tassen Tee an einem Tisch im Bahnhofscafé, tauchen wir tief in das Herz ihrer Leben ein. Wie genau es geschieht, ist schwer zu sagen, aber plötzlich ist jedes Wort von innen heraus hell erleuchtet und alles, was sie sagen, ist unglaublich bedeutend. Die Schauspieler haben offensichtlich sehr sorgfältig gearbeitet, um an diesen Punkt zu gelangen, aber ab hier ist es nicht nur dieses Stück, sondern die ganze Veranstaltung, die in Richtung und Stimmung eine Wende nimmt. Alles beginnt seinen Platz zu finden. Der Zauber all dieser zusammenwirkenden Elemente beginnt zu geschehen. Und er geschieht weiter, durch die verbleibenden Stücke hindurch.

Ian Hallard und Sara Crowe in We Were Dancing. Foto: Robert Workman

Nach der ersten langen Pause (zwischen dem zweiten und dritten Stück in jedem Set gibt es nur 15-minütige Pausen und clevere musikalische Zwischenspiele zwischen dem ersten und zweiten Stück – Stefan Bednarczyks brillanter Witz ist hier ein Genuss) scheint die Produktion niemals einen Fehltritt zu machen. Die zweite Gruppe von Stücken (hier „Bedroom Farces“ genannt) beginnt mit der nahezu surrealen Darstellung leichter Komödie, „We Were Dancing“. Sara Crowe bewältigt die verworrenen Wendungen und Wendungen der Rolle der Louise mit der gleichen Brillanz und Leidenschaft, die wir von Amanda und all Cowards wirklich besten weiblichen Hauptdarstellern erwarten; Ian Hallard ist ein hervorragender mondgesichtiger Gegenspieler zu ihr als Parvenu Karl, während Waring hier als empörter Ehepartner Hubert mit einem königlichen Sprachfehler neu erschaffen wird, und Rosemary Ashe perfekt den richtigen Ton als seine zänkische Schwester Clara trifft. Die Szenen dieses Quartetts zusammen, intellektuelle und leidenschaftliche Gefechte, werden mit Shawscher Kontrolle und Energie ausgeführt, was dem verrückten Inhalt eine atemberaubende formale Schönheit verleiht.

Nicht zuletzt in der Verstärkung dieses Effekts sind die köstlichen Entwürfe von Louie Whitemore (die die Bühne immer wieder mit prachtvollen Zeitbildern füllt – und in diesem winzigen unterirdischen Raum kann man sich nur wundern, wo sie all die Kulissen unterbringen); die wunderschöne Auswahl an Kostümen (unzählige davon!) von der unfassbar begabten Emily Stuart; und die perfekte Beleuchtung von Tim Mascall. Außerdem beherrscht Tom Attwood die Klanglandschaft, lässt uns in und aus Radiosendungen, klassischen Konzerten und Umgebungsgeräuschen eintauchen und erhöht den epischen Umfang des Zyklus.

Miranda Foster, Nick Waring und Ian Hallard in Ways and Means. Foto: Robert Workman

Wenn „We Were Dancing“ allein den Preis der Eintrittskarte wert ist – und das ist es – dann folgen noch größere Herrlichkeiten. „Ways and Means“ ist ein weiteres außergewöhnlich konzipiertes und exquisit realisiertes arabeske Idee, entsprungen einer göttlich schelmischen Fantasie; Foster und Waring spielen hier ein völlig anderes Paar, finanziell überfordert und auf die dramatischover-exaggerate Weise zum Verbrechen getrieben, mit einem weiteren relativ neuen Talent, Ben Waring, der kurz als Stevens, der ehemalige Chauffeur, aufleuchtet. In diesen Stücken wie auch sonst gestattet sich Coward, Geld als externen Feind menschlichen Friedens zu betrachten: aber der weitere historische Hintergrund wird kaum erwähnt: Es gibt die ein oder andere beiläufige Erwähnung Mussolinis oder Hitlers, aber sie sind genauso schnell wieder weg, wie sie aufgetaucht sind. In Stücken, die so fest in der 'Realität' der Menschenleben verwurzelt sind, ist es schwierig zu wissen, was man daraus machen soll. Mit den 'Dreißigern', die hier aus so vielen verschiedenen Winkeln betrachtet werden, fühlt es sich merkwürdig an, nicht mehr von einer Gesellschaft jenseits der Salontüren zu erfahren.

Nick Waring, Sara Crowe, Ian Hallard, Miranda Foster in Shadow Play. Foto: Robert Workman

Machen Sie sich keine Sorgen. Dann, in dem unglaublichen „Shadow Play“, erhalten wir einen weiteren Volltreffer: operettenhaft fusioniert Coward Dialog und Handlung in einer Weise, die die konventionelle Weisheit besagt, dass dies erst mit Rodgers und Hammerstein 1943 geschah. Aber Cowards Musiktheater-Dramaturgie ist ohne Fehler. Er schiebt uns aus der „realen“ Welt und führt uns in eine fantastisch anmutende Episode Jahrzehnte vor den „Traumballetten“ der 40er und 50er Jahre, wir erwarten „Lady in the Dark“ und sogar „Follies“ auf eine Weise, die einfach unwahrscheinlich ist bezaubernd und aufregend. (Mindestens ein zeitgenössischer Musicalschöpfer spricht abfällig über Cowards Erfolge, aber ich wundere mich, ob er nicht mehr Gefallen fand, und vielleicht doch aus seinen Werken gelernt hat, als er zugibt?)

Jeremy Rose, Rosemary Ashe in Family Album. Foto: David Monteith-Hodge

Für den Start der letzten Runde von Stücken (hier „Nuclear Families“ genannt) bekommen wir das Kuriosum: „Family Album“ – ein Einblick in die vergangenen Tage der 1860er Jahre. Es beginnt mit einem weiteren Coup: einem hinreißenden Tableau eines mittvviktorianischen Beerdigungsszenen, ausgestattet mit den prächtigsten und opulentesten Trauergewändern. Der Dialog ist wunderbar steif und Coward krönt dies, indem er ihn in einige ausgezeichnete pastische Gilbert & Sullivan-Nummern kippt. Bezaubernd. Die „Absicht“ des Stücks stimmt immer noch mit dem Rest der Show überein, und es ist gut, Wiggins, als Außenstehender verheiratet in die Familie, hier mehr zu tun zu sehen.

Miranda Foster und Sara Crowe in Hands Across The Sea. Foto: David Monteith Hodge

Das vorletzte Stück, „Hands Across The Sea“, ist nicht so sehr ein Angriff auf die Oberschicht als ein dauerhaftes Mauling. Er hält sich nicht zurück. Besonders Ashe trifft ihren Belgravia-Battleaxe, die Hon. Clare Wedderburn, perfekt, mit hervorragender Zusammenarbeit von Foster als ebenso wunderbar grausame Lady Maureen Gilpin („Piggie“ für ihre Freunde), Bednarczyk ist in Bestform als der gewaltige Kommandant Peter Gilpin, RN, und Rose als ebenso schrecklicher Kamerad, Leutnant Commander Alastair Corbett, RN, mit Waring, der dasselbe für Major Gosling tut. Was für ein Haufen. In ihr verrücktes Establishment wandern die unglücklichen Mittelstand-Mr. und Mrs. Wadhurst aus Malaya (Hallard und Crowe), die buchstäblich in der Welt der eleganten Gesellschaft verstrickt werden.

Aber das Abschlusswerk ist vielleicht das Seltsamste. Wie eine gedämpfte Somerset-Maugham-Geschichte ist es eine sehr nüchterne und klare Untersuchung der Dinge, die schief laufen. Und dann noch schlimmer werden. Es gibt nur wenige Lacher. Die Luft scheint zu klären und wir sind uns selbst gegenüber sehr prüfend zurückgelassen. Trotz des Frohsinns gibt es wenig Amüsantes am Abkommen vom Kurs in Leben, um nicht zu bekommen, was man sich mehr als alles andere wünscht. Es ist kühl, distanziert, sparsam und unerbittlich und versetzt uns einen Klopfer, der uns mit mehr Gedanken im Kopf als erinnerten Witzen nach Hause schickt. Ist das, worum es im Leben geht? Coward verweilt keinen Moment länger als nötig, um diesen Gedanken in unseren Köpfen ankommen zu lassen. Der Rest ist dann, so scheint es, uns überlassen, um ihn auszusortieren.

Ein bemerkenswertes Paket, das der Neid vieler anderer Theater in der Stadt und dem Land sein wird. Genie.

Spielt am Jermyn Street Theatre bis 20. Mai 2018

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