REZENSION: Titus Andronicus, Globe Theatre ✭✭✭✭

Flora Spencer-Longhurst und William Houston in Titus Andronicus im Shakespeare's Globe, London. Fotografie: Tristram Kenton Titus Andronicus,

Globe Theatre

10. Juli 2014

Titus Andronicus, eines von Shakespeares frühen beliebten Erfolgen, wird heutzutage selten aufgeführt. Die jüngste Produktion war Michael Fentimans beim RSC Anfang letzten Jahres, über die ich teilweise dachte:

„Dies ist ein kurioses Stück, voller Rache und Mord und Vergewaltigung und Verrat - es lässt das Blutbad, das Hamlet beendet, wie ein Freudenfest wirken. Viele Charaktere sind größtenteils unsympathisch, obwohl dies die Konzentration und Empathie für diejenigen unterstützt, die es sind. Es hat alle Merkmale der hohen Tragödie und sollte sicher als solche gespielt werden können; gleichermaßen könnte es jedoch auch als reichlich absurde, düstere Komödie gespielt werden. Vielleicht würde es mehr als alles andere von einer Grand Guignol Behandlung profitieren... Fentiman versucht, beides zu haben (Hohe Tragödie und schwarze Komödie), mit dem Ergebnis, dass es keine Kohärenz im Gesamtbild und der Ausführung der Produktion gibt. Klügere Köpfe könnten dies zumindest teilweise darauf zurückführen, dass dies eines der „Zusammenarbeitsstücke“ ist (das heißt, nicht ganz das Werk des Barden), aber es ist wahrscheinlicher, dass ein sicherer, klügerer Regisseur einen Weg gefunden hätte, um eine aufregende Kohärenz zu erreichen.”

Ich kann nicht behaupten, dass jedes Stück, das sie inszeniert, aufregend oder kohärent ist, aber Lucy Baileys bemerkenswerte Wiederbelebung ihrer Produktion von 2006 (beide im Globe Theatre) ist es herausragend.

William Dudleys einfaches schwarzes Bühnenbild, kryptenartig unter dem schwarzen Velarium, das er über der Bühne und den Zuschauern aufgebaut hat (um eine Art Pantheon-Effekt zu schaffen; es gibt auch einen Oculus) und ergänzt durch Rampen, die die Handlung auf den Boden des Globe bringen, wo kleine Türme auf Wagen durch die Zuschauer geschoben werden. Das Design verwandelt den Raum, elektrisiert ihn und macht ihn gleichzeitig spielerisch. Die Angst, das Kichern, die Verwunderung und der Ärger der Zuschauer, wenn sie geschubst und gebumst und in Flüssigkeiten unterschiedlicher Viskosität und Abscheulichkeit getränkt werden, verbessern das Stück erheblich.

Im Gegensatz zu vielen Produktionen im Globe wird alles am Design durch die Kostüme (die Klassik und Moderne hervorragend ausbalancieren) und die wunderbare Musik von Django Bates verstärkt. Stimmung wird leicht durch die klangliche und visuelle Kohärenz hergestellt, und wenn das Blut zu fließen beginnt, weiß man, dass Bailey sich zu Recht für die Grand Guignol Karte entschieden hat.

Die Art des Spiels erinnerte mich an eine Mischung aus Ich, Claudius und Game of Thrones; übertrieben, aber durchtränkt von Blut, Verrat, Rache, Lust und Ehre, mit reichlich gezeichneten Charakteren, die mit voller Kraft gespielt werden, aber mit einer Ehrlichkeit und einem roten Faden, der für ganze, verständliche Charaktere sorgt. Es ist abwechselnd urkomisch und erschreckend – aber es gibt eine Konsistenz im Ansatz, die ins Schwarze trifft. Bailey findet den Moment, in dem jeder Charakter bricht/ändert und nutzt ihn als Übergang zwischen Ehre und Rache, Vernunft und Wahnsinn, Lust und Verzweiflung – und nicht immer in dieser Reihenfolge.

Es gibt viele Momente, die schwer zu beobachten sind, aber das ist der Punkt. Der grauenerregende Pfahlmord an Tamaras Hebamme ist absolut schrecklich, und Titus‘ erstickende Umarmung seiner brutal verstümmelten Tochter ist ebenso erschreckend. Titus‘ Selbsthandamputation wird ebenso meisterlich durchgeführt wie das Kehlenabschneiden von Demetrius und Chiron. Und die berühmte Kuchenessenszene, in der Tamara mit einem Fest ihrer zerkleinerten Söhne bedient wird, ist wirklich gruselig lustig.

Baileys größte Leistung jedoch ist die Klarheit der Erzählung. Der Vers wird prägnant, sauber und mit großer Intensität des Gefühls geliefert, wo nötig. Einige der Passagen sind schön, einige lyrisch, einige wild, aber es gibt nie einen Zweifel, was vor sich geht.

Es gibt auch ausgezeichnete Schauspielkunst. Matthew Needham ist inspiriert als Saturninus und spielt ihn als eine Art Caligula-Figur, abgehoben, absurd, aber bösartig, feige und grausam. Er ist intensiv amüsant und beiläufig gewalttätig; ein Vergnügen zu hören und zu sehen. Dyfan Dwyfor, der die Rolle wiederholt, die er in Stratford Upon Avon spielte, Lucius, ist sogar besser als dort. Ein wahrer Krieger, ein loyaler Sohn und Bruder, eine aufrichtige und ehrliche Person, Dwyfors Lucius ist in jeder Hinsicht genau richtig. Als amtierender und zukünftiger Kaiser sind beide glorreich.

Anfangs ist William Houstons Titus etwas unergründlich, aber im Verlauf des Stückes macht die frühe Arbeit vollkommen Sinn. Dies ist ein Titus, der loyal beginnt und voll von Ehre und Pflicht ist. Er tötet Tamaras ältesten Sohn nicht aus Bosheit, sondern weil das von ihm erwartet wird und ohne einen Kaiser, der ihn anders befiehlt, ist er nicht bereit, seine Pflicht zu kompromittieren. Der fatale Fehler, der diesen Titus in einen King Lear-ähnlichen Abstieg in Verzweiflung und Wahnsinn führt, ist nicht die Ermordung des erstgeborenen eroberten Feindes, sondern seine (wiederum von Ehre getriebene) Entscheidung, den sadistischen Saturninus als Kaiser vor dem beliebten und vernünftigen Bassianus (einem liebenswerten Steffan Donnelly) zu bestimmen, trotz der Tatsache, dass Bassianus seine einzige Tochter Lavinia liebt.

Trotz der Ausschweifungen von Saturninus, seiner Forderung nach Lavinias Hand und dann seiner Ehe mit Tamara, hält Titus fest an seiner Pflicht – sogar bis zu dem Punkt, einen seiner eigenen Söhne zu ermorden, um Saturninus‘ Herrschaft durchzusetzen. Und dann, nachdem Lavinia vergewaltigt wurde und ihre Hände amputiert wurden, beginnt er den Verstand zu verlieren, überwältigt von Trauer und Schrecken - und Rache. Durch all dies ist Houston großartig, wenn nötig wütend und brüllend, feurig und majestätisch, aber auch sanft, väterlich und völlig verzweifelt. Sein weitaufgerissener, schräger Auftritt als Chef ist ein bemerkenswerter Moment; genauso wie sein väterlicher Mord an Lavinia, sie sanft wiegend zu dem Freispruch, den nur der Tod bringen kann.

In Houstons Händen und Stimme, und mit dieser Besetzung und Baileys Regie, sieht, klingt und fühlt sich Titus Andronicus wie einer der wirklich großen Shakespeare-Rollen an, gleichauf mit Lear, Macbeth und Richards II und III. Offenbarend.

Es ist nicht alles düster. David Shaw-Parker ist wirklich urkomisch als Bacchus, ein lebhafter Trunkenbold, fruchtig und ganz unerwartet. Needham erscheint wieder als ein Szeneklauender, sehr lustiger Vogelkaufmann, dessen plötzlicher schrecklicher Tod umso abscheulicher ist wegen der Freude, die er gebracht hat.

Es gibt ausgezeichnete „typisch edle Römer“-Arbeit von Ian Gelder (Titus’ Bruder Marcus) und Shaw-Parker, der auch als der Tribün, Emilius, doppelt. Flora Spencer-Longhurst ist ziemlich berührend als die missbrauchte Opfer der Söhne von Tamora – die Szene, in der sie die Namen ihrer Angreifer im Sand ausbuchstabiert ist wirklich angespannt und nervenaufreibend.

Indira Varma schafft es nicht wirklich, die Qual einer bedrängten Mutter, die verzweifelt um das Leben ihres Sohnes fleht, darzustellen, aber danach, wenn sie in der rachsüchtigen Königinnenrolle ist, ist sie erstaunlich wirkungsvoll. Ihre lustvollen Szenen mit ihrem maurischen Liebhaber Aaron sind wunderbar ausschweifend und ihr Sinn für Doppelzüngigkeit intensiv. Sie befasst sich mit dem Verdau von ihrem Nachwuchs mit Genuss und Abscheu. Ihre Stimme ist etwas zu dünn, wirklich, aber sie kaschiert das ziemlich gut.

Als Aaron ist Obi Abili ausgezeichnet. Kristallklar, mit einer schönen Stimme voll von Nuancen und Schattierungen, ist er ein köstlicher und bösartiger Schurke. Seine Szene mit seinem neugeborenen Kind (von Tamora) ist perfekt gemacht und er hat einen lasziven, unbeständigen und Frankie Howerd-ähnlichen Bezug zum Publikum.

Der Rest der Besetzung ist großartig – Soldaten, Söhne, Krieger, Mörder alle. Nicholas Karimi und Samuel Edward-Cook haben viel Spaß als die wilden, dummen und grausamen Söhne von Tamora. Bryonie Pritchard ist ausgezeichnet als die Krankenschwester und sie macht ihren erschreckenden Mord schmerzlich und verletzend donnern.

Terry King liefert scharfes, kluges Schwertkampf das brutal und glaubwürdig ist.

Das Publikum wird in eine andere Zeit versetzt – und fühlt, auf eine Weise, die nicht immer natürlich kommt, wenn man im Publikum beim Globe ist, ein echtes Gefühl des Wunders und der Einbindung bei der Produktion, bei der sie dabei sind und zuschauen.

Es ist großartige Arbeit und leicht die beste Produktion, die Bailey geleitet hat. Kein Wunder, dass sie eine Wiederkehr hatte. Es ist eine großartige Produktion eines Shakespeare-Texts, der nicht sehr bekannt ist, aber wenn er oft genug auf diese Weise gemacht wird, sollte er zu einem der beliebtesten werden.

✭✭✭✭