REZENSION: Tickle - Das Musical, King's Head Theatre ✭✭✭

Julian Eaves rezensiert Tickle, ein neues Musical aus der Welt des wettbewerbsmässigen Ausdauer-Kitzelns, das derzeit im King’s Head Theatre in London zu sehen ist.

Das Ensemble von Tickle – das Musical. Tickle

16. Oktober 2019

King's Head Theatre

3 Sterne

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Chris Burgess ist ein kluger und begabter Songwriter, der zugleich zu den bedeutendsten Vertretern des Revue-Schreibens in diesem Land zählt – und das bringt ihn in eine sehr exklusive Gruppe.  Die Revue ist eine notorisch „schwierige“ Form, deren Gelingen wesentlich davon abhängt, ob man einzelne, jeweils klar charakterisierte Momente entwickeln kann, die zwar um ein übergeordnetes „Thema“ herum aneinandergereiht sind, zugleich aber so in sich geschlossen bleiben, dass sie auch für sich genommen verständlich sind – ohne Bezug auf den Rest des Ganzen.

Ben Brooker und James McDowell in Tickle – das Musical.

Genau diese Fähigkeit, dieses Talent für die Revue macht ihn allerdings nicht gerade zum idealen Autor für „Book Musicals“.  Dennoch hat er mehrere handlungsbasierte, narrativ strukturierte Musical-Komödien geschrieben – und ich habe sie gesehen – und keine davon hat mich von der Meinung abgebracht, dass dieser großartige Revue-Autor beim Musicalschreiben durchaus problematisch ist.  Und auch dieses jüngste Angebot von Lambco Productions, ein kleines Kammermusical über das schrullige Milieu des „Competitive Endurance Tickling“, bildet – leider – keine Ausnahme.

Lose – und deutlich einfacher – angelehnt an den Überraschungserfolg des neuseeländischen Independent-Films „Tickled“ (2016), verzichtet dieser 75-minütige Ausflug auf das dokumentarische Format des Films und auf dessen wesentlich dunklere, thrillerhafte Momente. Stattdessen erzählt er die Geschichte dessen, was zwei attraktiven jungen Männern widerfährt, die irgendwie in die unvorstellbare – und bislang völlig unsichtbare – Welt hineingezogen werden, in der man versucht, andere attraktive junge Männer zum Lachen zu bringen: nicht mit Witzen, sondern indem man ihre Körper mit den Fingern oder mit Federn bearbeitet.  Die homoerotischen Assoziationen werden von den Organisatoren naturgemäß obsessiv bestritten, die sich – und den heißen, heterosexuellen Jungs, die sie anwerben – einreden wollen, das sei alles vollkommen harmlos.  Es ist eine merkwürdige Geschichte, die – zunächst – bemerkenswert wörtlich und schnörkellos-dramatisch erzählt wird, was dann für ziemlich ruckartige Übergänge sorgt, wenn die schillernderen Figuren auf den Plan treten.

Richard Watkins und Amy Sutton.

So kommt es, dass wir nach der attraktiven, wenn auch ein bisschen zu sehr „Sondheim trifft Urinetown“-artigen Eröffnungsnummer „Drab Town“ die Tonlage wechseln und ein schlichtweg wunderschön integriertes Duett für die beiden Hauptrollen bekommen: „Beautiful“. Das ist wirklich ein hervorragender Song und zeigt Burgess von seiner allerbesten Seite.  Würde er ausschließlich – oder zumindest überwiegend – Songs dieser Qualität schreiben oder veröffentlichen, wäre er international berühmt.  Dann stolpern wir in das ganz anders geartete, quasi parlandohafte, verkrampfte „It’s Not Gay“ – und landen bei der einen großen Schwäche, die Burgess als Songwriter hat: übermäßig dichte Texte.  Selbst in der trockenen, intimen Akustik des winzigen King’s Head Pub Theatre, ohne Verstärker-Resonanz und mit der umsichtig bemessenen Keyboard-Begleitung von Musical Director David Eaton, hat diese talentierte Besetzung regelmäßig einen harten Kampf vor sich, um die Silbenlawinen zu bewältigen, die Burgess ihr in den Mund legt.  Natürlich zeigt schon Sondheim (und ich bin sicher, Burgess schaut oft dorthin), dass man rasende Passagen schreiben kann – vorausgesetzt, man geht äußerst sorgfältig damit um, welche Konsonanten und Vokale man verwendet und wie man sie setzt, und vor allem: wie viel Exposition man ihnen aufbürdet.  Die besten Pattersongs sind erzählerisch redundant – Schaustücke sprachlicher Virtuosität.  Hier ist das nicht der Fall.  Wir müssen angestrengt zuhören, aus Sorge, sonst Plotpunkte zu verpassen.

James McDowell und Ben Brooker.

Ben Brooker als der schwule Callum und James McDowell als Objekt seiner Zuneigung, der heterosexuelle Chris, sind sich dessen nur allzu bewusst – man sieht sie immer wieder nach Luft schnappen, wenn sie die kniffligsten Stellen von Burgess’ Texten herunterrattern.  Ebenso Amy Sutton als die Schurkin Davina Diamond.  Hut ab vor allen dreien, dass sie sich da so beherzt hineinknien, aber es ist ein zäher Aufstieg.  Richard Watkins’ Drag-Act Tina Tickle kommt insgesamt besser weg: Für ihre herrlich campige Persona gibt es glitzerigere, melodiegetriebenere „Showtunes“ – darunter auch die Leitung der wirklich ziemlich mitreißenden Schlussnummer „What Would Julie Andrews Do?“  Doch Watkins’ ganz persönliches Golgatha liegt in der gefährlichen Höhe, die er regelmäßig erklimmen soll, ohne – ganz – die nötige Lage dafür im stimmlichen Umfang zu haben.

Ehrlich: Warum setzen Autorinnen und Autoren bei einem brandneuen Stück, mit dem sie machen können, was sie wollen, ihre Besetzung solchen Schwierigkeiten aus?  Das passiert ständig.  Ich kann mir offen gesagt kaum vorstellen, dass der MD und der angenehm klug und sensibel arbeitende Regisseur Robert McWhir nicht mehr als einmal höflich Umschreibungen vorgeschlagen haben, um den jeweiligen Stärken der vorhandenen Besetzung entgegenzukommen.  Vielleicht liege ich falsch – ich weiß das nicht als Tatsache –, aber ich halte es für sehr unwahrscheinlich, dass niemand die Fallstricke der Partitur bemerkt hat, oder – falls doch – dass sie nichts dazu gesagt hätten.

Wie dem auch sei: Die Show ist sehr schön ausgeleuchtet – vom Produzenten – und bekommt zumindest im verspätet glamourösen Finale ein paar ansprechende Bewegungen von Choreograf Sam Spencer-Lane.  Das Design ist minimal – man bespielt ein drapiertes Bühnenbild vom Stück, das früher am Abend lief –, doch die Kostüme sind zeitgenössisch und beinhalten am Ende eine Menge Federn.  Ich habe einen Freund mitgenommen, der von Musicals nichts versteht, und ihm hat es gefallen.  Wer geübtere, kritischere Augen hat, wird manches womöglich weniger leicht akzeptieren.

Bis 26. Oktober 2019 im King’s Head Theatre