KRITIK: Dinge, die ich sicher weiß, Lyric Hammersmith ✭✭✭✭✭

Die Besetzung von Things I Know To Be True. Foto: Manuel Harlan Things I Know To Be True Lyric Hammersmith, danach auf Tour

16. September 2016

5 Sterne Tickets für Things I Know To Be True buchen Es hat keinen Sinn, meine Worte bezüglich dieser Produktion zu beschönigen, und deshalb werde ich genau dies vermeiden.  Es ist überwältigend.  Einfach überwältigend.  Selten verlasse ich das Auditorium mit Tränen in den Augen, unfähig meine Gefühle in Worte zu fassen.  Das liegt nicht nur am Höhepunkt des Stücks, sondern, ehrlich gesagt, an der Konstruktion und Durchführung als Ganzes. Wenn mir eine Produktion keine „Ausrede“ bietet, sondern mich trotz meiner Versuchung zur Notiznahme in den Bann zieht, weiß ich, dass ich etwas wirklich Besonderes sehe.  Und Things I Know To Be True ist jedenfalls das.  Besonders.

Things I Know To Be True ist eine Koproduktion zwischen Frantic Assembly und der State Theatre Company of South Australia, und die künstlerischen Leiter beider Unternehmen (Scott Graham und Geordie Brookman) führen gemeinsam Regie.  Die Produktion feierte Anfang dieses Jahres in Adelaide Premiere, wo das Stück spielt, und obwohl die Produktion den Kontinent gewechselt und die Besetzung sich verändert hat, bleibt die Kulisse dieselbe.  Obwohl eine britische Besetzung für diesen Teil der Aufführung genutzt wurde, bleiben alle geografischen Verweise erhalten.  Es wurde entschieden, dass die Darsteller britische Akzente nutzen, was dazu führt, dass die Verortung verwischt wird und dadurch die Universalität der Themen hervorgehoben wird, was sie unmittelbarer und persönlicher für ein heimisches Publikum macht.

Im Laufe des Abends erleben wir, wie sich ein Jahr im Haus der Familie Price entfaltet, und welch turbulentes Jahr es sich herausstellt, da die elterlichen Erwartungen an ihre Kinder nicht erfüllt werden und jedes der Kinder nacheinander die Entscheidung treffen muss, eigene Wege zu gehen und die damit verbundenen Konsequenzen zu ertragen.  Die Produktion beginnt mit einer leeren Bühne, alle Theatralik wird offengelegt.  Alles, was sie füllt, sind eine Vielzahl von Hängeleuchten, die fehlerlos genutzt werden, um die Geschichte zu bereichern (Bühnenbild und Belichtung sind auffällig von Geoff Cobham gestaltet).  Allmählich, im Laufe der Produktion, baut die Gesellschaft nach und nach den Hinterhof auf, während die Familie ihre gewählten Wege verhandelt.  Während die Reisen jedes der Kinder nebenher sitzend überdramatisch erscheinen mögen – eine ist untröstlich, eine verlässt ihren Mann, einer hadert mit seiner Identität und ein anderer ist in illegale Aktivitäten verstrickt – macht die Hingabe der Gesellschaft diese völlig glaubwürdig.

Die Besetzung ist unglaublich stark, nutzt jeden subtilen Moment von Humor oder Pathos, meisterhaft von Andrew Bovell geschrieben.  Während sie sich durch Momente direkter Ansprache, erhöhte physische Metaphern und natürlichere Aktionen bewegen, werden die Komödie – und Tragödie – des Stücks perfekt von dem selbstbewussten, charismatischen und versierten Ansatz des Ensembles getragen.  Kein Moment wird übertrieben – Tempo ist der Schlüsselspieler – und weniger glückliche Momente sind nicht überflüssig, sondern charaktergetrieben.  Rosie, die Jüngste der Kinder, wird wunderbar von Kirsty Oswald verkörpert, und während ihre Reise als die weniger dramatische der Geschwister angesehen werden könnte, bietet sie gewissermaßen das Rückgrat des Stücks, entweder als Teilnehmerin oder Beobachterin.  Ihre Momente der direkten Ansprache sind perfekt abgestimmt und unglaublich liebenswert.  Jeder Charakter hat der Reihe nach die Gelegenheit, sich mit dem Publikum zu verbinden, wenn wir uns ihren wichtigen Entscheidungen nähern, und während sie das tun, werden wir weiter und weiter hineingezogen.  Fran ist als matriarchische Figur in der Familie eine Kraft, mit der man rechnen muss, und ihre Notlage, auffallend von Imogen Stubbs eingefangen, ist schmerzlich anzusehen, während wir sehen, wie eine Mutter darum kämpft, offen mit ihren Kindern zu kommunizieren.  Es ist wirklich eine herausragende Leistung.  Ihr pensionierter Ehemann, Bob (Ewan Stewart), bietet in jeder Hinsicht den perfekten Sparringspartner durch Licht und Dunkelheit, während ihnen eine Hiobsbotschaft nach der anderen enthüllt wird.

Die Körperlichkeit ist wunderschön mit der Handlung verwoben, den Szenenwechseln, den Dialogen der Charaktere, ihren Träumen, ihren Bestrebungen.  Sie besitzen eine lyrische, traumhafte Qualität, die die tiefsten Wünsche der Charaktere ausdrückt – und sie erweisen sich als wunderschön emotional.  Zu sehen, wie Charaktere von körperlosen Händen gestreichelt werden, während sie sich an eine frühere Begegnung mit einem Liebhaber erinnern, sie über Kopfhöhe gehoben und getragen werden, während ihre Gefühle und Sehnsüchte an die Oberfläche kommen, fühlt sich integrativ in Momenten an, in denen Worte nicht mehr ausreichen.  Doch, wie bei einem großen Teil der Produktion, werden diese Momente der körperlichen Arbeit in vielfältiger Weise genutzt und mit Humor übersät: von glatten, gleitenden Möbel-Szenenwechseln bis hin zu etwas abstrakten Reaktionen der Kinder, die ihren Eltern zuhören, wie einer von ihnen gezeugt wurde.

Dies ist teilweise das, was die Produktion so erfolgreich macht.  Mit einer Thematik, die so leicht von Sentimentalität durchdrungen sein könnte, ist sie brillant konstruiert und weicht kontinuierlich diesem potenziellen Ergebnis aus.  Andrew Bovell vermeidet gekonnt diese allzu leichte Versuchung und selbst in den tiefsten Momenten der Nüchternheit und Emotion ist der Humor nie weit entfernt, was das gesamte Erlebnis umso berührender macht, und die Besetzung glänzt kollektiv in ihrem Engagement für die Handlung.  Der Rhythmus und der Inhalt des Dialogs geben uns ein so starkes Gefühl von Ensemble und letztendlich Familie, das die emotionale Achterbahnfahrt umso aufregender macht.  Die tragische Unvermeidlichkeit in Szenen wie Pips (Natalie Casey) oder Marks (exzellent dargestellt von Matthew Barker) Konflikt mit ihrer Mutter ist umso eindringlicher.

Familien sind kompliziert und chaotisch, trotzdem können Familiendramen, wenn sie richtig eingefangen werden, ungemein bewegend sein.  Unabhängig von unserem Hintergrund haben wir alle emotionale Ansichten über „Familie“, und diese Verbindungen gehen gewöhnlich tief.  Brookman und Graham haben Bovells ohnehin schon essentielle Geschichte auf eine Weise zum Leben erweckt, dass die Darbietungen der Schauspieler wirklich glänzen.  Ich fordere Sie heraus, nicht berührt zu sein.  Dies ist kurz gesagt eine brennende Produktion mit universeller Anziehungskraft.  Alles, was ich sagen kann, ist; gehen Sie!  Sie werden nicht enttäuscht sein.

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