REZENSION: Thérèse Raquin, Finborough Theatre ✭✭✭✭

Ben Lewis, Tara Hugo, Matt Wilman und Julie Atherton in Thérèse Raquin im Finborough Theatre, London. Bild: Darren Bell Thérèse Raquin Finborough Theatre, Übertragung zum Park Theatre

30. März 2014

4 Sterne

Émile Zolas erotisch geladenes und träges literarisches Meisterwerk, Thérèse Raquin, scheint ein unwahrscheinlicher Stoff für ein Musical zu sein. Aber dann könnte man das über die Geschichte von Sweeney Todd oder die Hintergrundgeschichte zum Zauberer von Oz oder ein Werk von Victor Hugo sagen. Die Wahrheit ist, dass, wenn man die richtige Form findet und, was entscheidend ist, einen Komponisten, der mit dem Werk in Einklang steht, alles zu einem Musical werden kann.

Jetzt im Finborough Theatre zu sehen ist eine "radikale Adaption" von Zolas Werk von Nona Shepphard, mit Musik von Craig Adams. Es ist ein Meisterwerk.

Obwohl Zola ein Befürworter des Naturalismus in Literatur und Theater war, ist der Ansatz hier nicht ganz der des Naturalismus, was nicht bedeutet, dass die Darbietungen nicht nach Wahrheit und momentaner Ehrlichkeit suchen. Die Handlung des Romans ist weise gekürzt und kondensiert, und ein Frauenchor wird verwendet, um die unveröffentlichten Gedanken von Raquin zu ergründen. Wie ein griechischer Chor beobachtet, kommentiert und notiert das Ensemble hier die Handlung, die Gedanken und die Situationen der vier Hauptfiguren. Viele Male singen die Charaktere direkt zum Publikum, aber das dient lediglich dazu, den Effekt der Abschnitte zu verstärken, in denen die Charaktere einander singen.

Es gibt viele extrem wirkungsvolle Momente: Es beginnt mit etwas Französisch und wandelt sich dann in Englisch; die Eröffnungssequenz hebt die objektive medizinische Zergliederung dessen hervor, was passiert, sowie den intensiven Fokus auf innere Emotionen und Psychologie; das Eröffnungsbild schafft sofort den düsteren Ton des Stücks und erschafft gleichzeitig einen falschen Eindruck für diejenigen, die die Handlung nicht kennen; Madames Pelz wird geschickt in ihre geliebte Katze verwandelt und nimmt ein Eigenleben an; Thérèse äußert keinen Ton für eine gefühlte Ewigkeit, aber wenn sie es tut, ist es ein verzweifelter, wilder, animalischer, orgasmischer Schrei der Befreiung, der keinen Zweifel daran lässt, was im Dunkeln geschieht.

Die Musik ist komplex und schwierig, aber absolut betörend. James Simpson leistet bemerkenswerte Arbeit, indem er die Partitur am Klavier zum Leben erweckt, doch trotz seiner erstaunlichen Klavierfähigkeiten kann man sich ein Arrangement, das zumindest Streicher, Schlagzeug und Holzbläser umfasst, nicht herbeisehnen. Dies ist eine Partitur, die mit einem begabten Orchestrator aufblühen und wachsen würde.

Mehr Stravinsky als Sondheim, mehr Guettel als Gershwin, mehr Rutherford als Rodgers, mehr Berlioz als Berlin, die Musik hier ist nicht für die, die Musicals wollen, die man auf der Heimfahrt in der U-Bahn mitsummen kann. Auch ist sie nicht für diejenigen, die große Produktionen mit Tanz und Pracht wünschen.

Nein. Der Zweck der Partitur hier ist ganz darauf ausgerichtet, die Handlung und die Charaktere zu erhellen, Stimmung, Spannung und Erotik aufzubauen, die Hauptcharaktere voranzutreiben und zu beleben. Und das tut sie auf bemerkenswert geschickte Weise, sei es durch die "Hoch respektablen Orgie"-Sequenzen (mit Domino, Tee und Klatsch) oder "Süßer Duft der Veilchen" (Laurents Abstieg in den Wahnsinn unter den Leichen im Leichenschauhaus) oder "Hätte ich es gewusst" (Thérèse und Laurent in ihrem letzten Lamento) oder eine beliebige Anzahl bemerkenswerter musikalischer Momente.

Es hilft, dass das begabte Ensemble die Partitur bewältigen und liefern kann - mit Leidenschaft, großartigem Ton und einem exzellenten Ohr für Tonhöhe und unerwartete Harmonien und Modulationen. Sie sind eine Freude, auch wenn die Musik nicht immer freudig ist.

Julie Atherton ist eine starke Darstellerin, aber ich habe sie noch nie so gut gesehen, so vollständig in einer Rolle aufgegangen, wie hier als Thérèse. Die brütende Intensität, die sie in das erste Drittel des Stücks bringt, in dem sie keinen Laut spricht, ist bemerkenswert, und ihr Gefühl des Eingesperrtseins und der verzweifelten Unglücklichkeit ist greifbar. Ihre Lust auf Laurent, ihr Ekel vor Camille, ihre Angst vor und Irritation mit Madame – all das vermittelt sie gleichzeitig mit drängender Leichtigkeit. Der Ausdruck auf ihrem Gesicht, als sie Laurent zum ersten Mal sieht, sagt genau, was geschehen wird. Der Kontrast zwischen ihrem Kummer vor ihrer Vereinigung mit Laurent und ihrem alles verzehrenden Glück danach ist fesselnd. Sie macht hier keinen Fehltritt und singt mit einer Klarheit und Bandbreite an Ausdrücken, die wirklich aufregend sind.

Ben Lewis’ körperlich hervorragender und stimmlich prächtiger Laurent passt zu Athertons Intensität und Hingabe an das Stück. Auch er ist für einige Zeit stumm und finster dreinblickend, und seine Einführung durch Camille gibt ihm Zeit, eine reiche Charakterisierung zu schaffen. Seine Szenen mit Atherton sind magisch, doch auch sein Solo, wenn er im Leichenschauhaus nach Camilles Leiche sucht, ist es. Es gibt durchgängig volle Hingabe: an die Gewalt, den Sex, das Spukhafte von Camille, den Rückfall in zügellose Zügellosigkeit und dann das abschließende entschlossene Duett, das ihre Affäre beendet. Lewis ist ein herausragender Hauptdarsteller und wird hier bis an die Grenzen getrieben, dramatisch und stimmlich, und er geht triumphierend daraus hervor.

Als der unerträglich wimmernde Schwächling und Kirchenfrieden, der Camille ist, ist Jeremy Legat köstlich abscheulich. Prätentiös und snobistisch gelingt es ihm, dieser ermüdendsten der Figuren Leben einzuhauchen, sogar einen Hauch von Empathie. Er singt gut und ist besonders beeindruckend in seinen Auftritten nach dem Ertrinken: Es ist schwierig, geisterhafte Erscheinungen schockierend oder real zu machen, aber Legat bringt es hier fertig. Und seine wundervolle Beziehung zu seiner Mutter, Madame, ist schön detailliert und völlig glaubwürdig.

Tara Hugo hat keine Schwierigkeiten, die Extreme zu spielen, die Madame ausmachen: ihre strenge Förmlichkeit; ihre unnachgiebige Verehrung für Camille; ihre Überheblichkeit und Herablassung gegenüber allen außer Camille; ihre Liebe zu ihrer Katze; ihr fröhliches Klatschen mit ihrer Domino-Gruppe; ihr Entsetzen über den Verlust von Camille; ihre Lähmung, als sie die Wahrheit erfährt; das Gift in ihren Augen, während sie diejenigen tückisch anstarrt, die ihr ihr Glück gestohlen haben. Sie spielt die Rolle mit Hingabe, Stil und großartigem Geschick. Doch stimmlich ist sie nicht den extremen Anforderungen der Rolle gewachsen, und obwohl das die Show nicht beeinträchtigt, lässt es die Rolle auch nicht so großartig erstrahlen, wie sie könnte.

Das Finborough ist ein winziger Raum, aber das clevere und einfallsreiche Bühnenbild von Laura Cordery verschwendet keinen Platz und ist bemerkenswert effektiv, um die Epoche, den Ort und das Gefühl intensiver emotionaler Konzentration zu etablieren, in dem Zolas Werk gedeiht. (Ich liebte die Fensterscheibe, die zu einem Künstlerstand wurde.) Neil Frasers Beleuchtung ist ebenfalls hervorragend und trägt unermesslich zur Erfahrung bei.

Nona Shepphards Leistung hier ist wirklich erstaunlich: Dies ist eine sensationelle Premiere eines neuen Werks. Warum es nicht im National Theatre gespielt wird, ist eines der Rätsel des Lebens.