REZENSION: Thérèse Raquin, Finborough Theatre ✭✭✭✭

Ben Lewis, Tara Hugo, Matt Wilman und Julie Atherton in Thérèse Raquin am Finborough Theatre, London. Foto: Darren Bell Thérèse Raquin am Finborough Theatre – mit Transfer ans Park Theatre

30. März 2014

4 Sterne

Émile Zolas erotisch aufgeladener und schwer schwebender literarischer Klassiker Thérèse Raquin wirkt zunächst wie ein eher unwahrscheinlicher Stoff für ein Musical. Aber das könnte man auch von der Geschichte um Sweeney Todd sagen – oder von der Vorgeschichte zu Der Zauberer von Oz – oder von einem Wälzer von Victor Hugo. Die Wahrheit ist: Findet man die richtige Form und – entscheidend – einen Komponisten, der den Ton des Originals trifft, kann im Grunde alles zum Musical werden.

Derzeit läuft am Finborough Theatre eine „radikale Adaption“ von Zolas Werk von Nona Shepphard, mit Musik von Craig Adams. Es ist ein Meisterwerk.

Obwohl Zola ein Verfechter des Naturalismus in Literatur und Theater war, ist der Ansatz hier nicht vollständig naturalistisch – was nicht heißt, dass die Darstellungen nicht nach Wahrheit und unmittelbarer, im Moment entstehender Ehrlichkeit streben. Die Handlung des Romans wird klug gekürzt und verdichtet, und ein dreiköpfiger Frauenchor wird eingesetzt, um in Raquins unausgesprochene Gedanken zu blicken. Wie ein griechischer Chor beobachtet, kommentiert und vermerkt das Ensemble das Geschehen, die Gedanken und die Situationen der vier Hauptfiguren. Viele Male singen die Figuren direkt ins Publikum, doch das dient letztlich nur dazu, die Wirkung der Passagen zu verstärken, in denen die Figuren miteinander singen.

Es gibt viele ausgesprochen wirkungsvolle Einfälle: Es beginnt mit etwas Französisch und geht dann in Englisch über; die Eröffnungssequenz betont sowohl die nüchterne, medizinische Sezierung des Geschehens als auch den intensiven Fokus auf innere Emotionen und Psychologie; das Anfangstableau etabliert sofort den düsteren Ton des Abends und erzeugt zugleich geschickt einen falschen Eindruck bei allen, die die Handlung nicht kennen; Madames Pelz wird elegant zu ihrer geliebten Katze umgedeutet und entwickelt ein Eigenleben; Thérèse gibt gefühlt eine Ewigkeit keinen Laut von sich – doch wenn sie es schließlich tut, ist es ein verzweifelter, wilder, tierischer, orgasmischer Schrei der Befreiung, der keinerlei Zweifel daran lässt, was im Dunkel passiert.

Die Musik ist komplex und anspruchsvoll, aber vollkommen betörend. James Simpson leistet Hervorragendes darin, die Partitur am Klavier zum Leben zu erwecken – doch trotz seiner beeindruckenden Technik kann man sich kaum dagegen wehren, sich nach einer Instrumentierung zu sehnen, die zumindest Streicher, Schlagwerk und Holzbläser umfasst. Das ist eine Partitur, die mit einem begabten Orchestrator aufblühen und wachsen würde.

Mehr Strawinsky als Sondheim, mehr Guettel als Gershwin, mehr Rutherford als Rodgers, mehr Berlioz als Berlin: Diese Musik ist nichts für alle, die Musicals wollen, die sie auf dem Heimweg in der Tube vor sich hin summen können. Und sie ist auch nichts für jene, die große Show-Nummern mit Stepptanz und Glitzer erwarten.

Nein. Der Zweck der Partitur ist hier ganz darauf ausgerichtet, Handlung und Figuren auszuleuchten, Stimmung, Spannung und Erotik aufzubauen, die zentralen Charaktere voranzutreiben und ihnen Atem und Leben zu geben. Und das gelingt bemerkenswert geschickt – ob in den Sequenzen der Highly Respectable Orgy (mit Dominosteinen, Tee und Klatsch), oder in Sweet Perfume of Violets (Laurents Abstieg in den Wahnsinn zwischen den Körpern in der Leichenhalle), oder in If I Had Known (Thérèse und Laurent in ihrem letzten Klagelied) oder in einer ganzen Reihe weiterer außergewöhnlicher musikalischer Momente.

Hilfreich ist, dass das begabte Ensemble die Partitur bewältigt und vermittelt – mit Leidenschaft, großem Klang und einem ausgezeichneten Gespür für Intonation sowie für unerwartete Harmonien und Modulationen. Ihnen zuzuhören ist ein Vergnügen, auch wenn die Musik nicht immer vergnüglich ist.

Julie Atherton ist eine starke Darstellerin, aber ich habe sie noch nie so gut gesehen – so vollständig von einer Rolle verzehrt – wie hier als Thérèse. Die brütende Intensität, die sie ins erste Drittel des Abends bringt, in dem sie keinen Ton spricht, ist bemerkenswert, und ihr Gefühl des Eingesperrtseins und tiefen Unglücks ist greifbar. Ihre Begierde nach Laurent, ihr Ekel vor Camille, ihre Angst vor und Gereiztheit gegenüber Madame – all das vermittelt sie gleichzeitig mit drängender Selbstverständlichkeit. Der Ausdruck in ihrem Gesicht, als sie Laurent zum ersten Mal erblickt, sagt einem exakt, was passieren wird. Der Kontrast zwischen ihrer Qual vor der Vereinigung mit Laurent und ihrem alles verschlingenden Glück danach ist faszinierend. Sie setzt hier keinen Schritt falsch und singt mit einer Klarheit und einer Spannweite, die wirklich elektrisiert.

Ben Lewis’ körperlich beeindruckender und stimmlich großartiger Laurent entspricht Athertons Intensität und Hingabe an das Stück. Auch er ist eine Zeit lang still und finster – und seine Einführung über Camille gibt ihm Raum, eine reichhaltige Charakterzeichnung aufzubauen. Seine Szenen mit Atherton sind magisch, aber ebenso sein Solo, wenn er in der Leichenhalle nach Camilles Körper sucht. Der Einsatz ist durchgehend vollständig: für die Gewalt, den Sex, das Verfolgtwerden von Camille, den Absturz in zügellose Hingabe und dann das letzte, entscheidende Duett, das ihre Affäre beendet. Lewis ist ein herausragender Leading Man, und hier wird er – dramatisch wie stimmlich – bis an seine Grenzen geführt und geht als Sieger hervor.

Als der unerträgliche Waschlappen und weinerliche Tyrann Camille ist Jeremy Legat genüsslich widerwärtig. Zimperlich und snobistisch bringt er Leben in diese sonst so ermüdende Figur – sogar einen Hauch Empathie. Er singt gut und ist besonders eindrucksvoll in seinen Auftritten nach dem Ertrinken: Geistererscheinungen schockierend oder „echt“ wirken zu lassen, ist schwierig, aber Legat gelingt es hier. Und seine wunderbare Beziehung zu seiner Mutter, Madame, ist schön ausgearbeitet und vollkommen glaubhaft.

Tara Hugo hat keinerlei Probleme damit, die Extreme zu spielen, aus denen Madame besteht: ihre starre Förmlichkeit; ihre unbeugsame Verehrung für Camille; ihre Überlegenheit und Herablassung gegenüber allen außer Camille; ihre Liebe zu ihrer Katze; ihr vergnügtes Klatschen mit ihrer Domino-Runde; ihre Verzweiflung über Camilles Verlust; ihre Lähmung, als sie die Wahrheit erfährt; das Gift in ihren Augen, wenn sie jene unheilvoll anstarrt, die ihr Glück gestohlen haben. Sie spielt die Rolle mit Genuss, Stil und großartigem Können. Stimmlich allerdings ist sie den extremen Anforderungen der Partie nicht ganz gewachsen, und obwohl das die Produktion nicht untergräbt, lässt es die Rolle auch nicht so aufblühen, wie sie es könnte.

Das Finborough ist ein winziger Raum, aber Laura Corderys kluges und einfallsreiches Bühnenbild verschwendet keinen Zentimeter und ist bemerkenswert effektiv darin, Epoche, Ort und jenes Gefühl intensiver emotionaler Konzentration herzustellen, in dem Zolas Werk gedeiht. (Ich liebte die Fensterscheibe, die zum Ständer eines Künstlers wurde.) Auch Neil Frasers Licht ist hervorragend und bereichert das Erlebnis ungemein.

Nona Shepphards Leistung ist wirklich erstaunlich: Das ist eine sensationelle Uraufführung eines neuen Werks. Warum es nicht am National läuft, gehört zu den Rätseln des Lebens.