REZENSION: Die zwei Welten von Charlie F, Richmond Theatre ✭✭✭✭

Die zwei Welten des Charlie F

Richmond Theatre, jetzt auf UK-Tour

19. März 2014

4 Sterne

Es gibt viele Stücke über Krieg: über sein Für und Wider, seine Mechanismen, seine Details und seine Folgen. Manche Stücke bewältigen das Thema überzeugender als andere, und Black Watch war zuletzt das Werk, das einem das Leben als Soldat in einer Elitetruppe wirklich unter die Haut gehen liess.

Derzeit ist im Richmond Theatre Stephen Raynes Inszenierung von Die zwei Welten des Charlie F zu sehen, ein neues Stück von Owen Sheers, das seine Inspiration aus den realen Erfahrungen von Soldatinnen und Soldaten schöpft, die in Afghanistan im Einsatz waren.

Es ist kein Stück über Krieg. Es ist ein Stück über Soldatinnen und Soldaten – über die Menschen, die aus unterschiedlichsten Gründen für ihr Land unterschreiben, in die Ferne gehen, Krieg führen und danach mit Erinnerungen, Erlebnissen und in manchen Fällen mit lebensverändernden Verletzungen weiterleben müssen.

Es ist fesselnd, aussergewöhnlich und klug; umso mehr, wenn man weiss, dass mehr als die Hälfte des Ensembles keine Schauspieler sind, sondern zurückgekehrte Soldaten, die ihre eigenen Erfahrungen erneut durchleben, ihr eigenes Leben teilen, ihre vernarbten Wunden offenlegen – in dem Bestreben zu erhellen, zu informieren und (ja) zu unterhalten: Menschen, die nie in Kriegsgebieten gedient haben, bekommen so eine Vorstellung davon, wie das Leben aussieht, wenn die Uniform endgültig ausgezogen ist.

Sentimentalität gibt es hier keine, keine rührselige Bitte um Mitgefühl. Im Gegenteil. In mancher Hinsicht ist die Brutalität dieser Ehrlichkeit schwer auszuhalten; als Ganzes jedoch ist das Stück ein grossartiges Zeugnis für die Stärke und den Humor des ganz normalen menschlichen Geistes.

Das Stück beginnt kompromisslos: Ein verwundeter Soldat schreit vor Schmerz, Verwirrung und Angst – überzeugt, er sei vom Feind gefangen genommen worden, obwohl er in Wirklichkeit im Lazarett eines Feldlagers liegt. Die Szene ist angespannt, gewaltsam und unglaublich bewegend, besonders wenn sie in einen Moment einige Monate später übergeht und man dem Soldaten begegnet – auf dem Weg der Genesung, das Bein für immer verloren. Das ist der titelgebende Charlie F, hier mit wunderbarer Selbstverständlichkeit gespielt von Cassidy Little. Man würde nie vermuten, dass er kein klassisch ausgebildeter Schauspieler ist.

Das Publikum begleitet Charleys Weg – von der Unterschrift bis zur Versöhnung mit dem neuen Leben, mit dem er nach dem Verlust seines Beins im Gefecht zurechtkommen muss (und das er zu umarmen versucht). Es ist eine unbequeme, konfrontierende Reise, doch sie ist voller Humor, Lebensgeist und Hoffnung. Dazu kommen grosse, wuchtige Wellen von Wut und Entsetzen – aber niemals klingt etwas falsch, und nie kippt es in Melodram oder Farce.

Es gibt hier viele aussergewöhnliche Szenen und Leistungen. Einige werden mir für immer im Gedächtnis bleiben.

Stewart Hill spielt Major Thomas mit Präzision und eisiger Ruhe – der perfekte Anführer, der perfekte Ehemann, der sich nach seiner weit entfernten Familie sehnt. Dann erfährt man, dass ihm im wirklichen Leben durch einen Kampfeinsatz ein Teil des Gehirns geschädigt wurde und er die „exekutive“ Funktion verloren hat, im Grunde die Fähigkeit, zielgerichtet und produktiv zu denken – und doch steht er da und liefert eine punktgenaue Leistung von erschütternder Intensität.

Als Rifleman Leroy Jenkins ist der doppelt amputierte Dan Shaw eine Offenbarung. Die Szene, in der er den Verlust seiner Beine und seinen Weg zurück zur medizinischen Versorgung schildert, ist einer der eindringlichsten Momente, die ich je im Theater erlebt habe. Und er überzeugt in der ganzen Bandbreite: Sein Moment mit Charley, in dem sie ihre Stümpfe vergleichen, ist zugleich wirklich komisch und grell konfrontierend.

Zwei der ausgebildeten Schauspieler, Owen Oldroyd und Tom Colley, sorgen für einen weiteren, schneidend starken Augenblick, wenn Colley sich bis auf seine „Blast Shorts“ auszieht (speziell dafür entworfen, die Männlichkeit zu schützen) und Oldroyd – methodisch und ohne jede Regung – demonstriert, welche Verletzungen ein Soldat erwarten kann, wenn er auf eine IED tritt, indem er mögliche Verletzungen an Colleys Körper markiert. Am Ende der Demonstration wirkt Colleys Körper wie ein Gemälde von Pro Hart: überall Spritzer und Markierungen. Colleys stummes Gemisch aus Angst und Akzeptanz, zusammen mit Oldroyds fester, sicherer Bestimmtheit, macht die Szene wahrhaft verheerend.

Hervorragend sind auch Gareth Crabbe, Tomos Eames und Darren Swift, und Colley ist durchgehend beeindruckend – seine Ausführungen zu „Pink Mist“ waren zugleich beängstigend und verführerisch. Durch diese starken Leistungen – und all die anderen – gewinnt man ein klares Bild davon, was soldatisches Dasein bedeutet.

Und die Frauen im Ensemble leisten Sensationelles: Alle übernehmen eine Vielzahl von Rollen – präzise und mit grosser Klasse. Schwache Glieder gibt es keine, aber Miriam Cooper und Teri Ann Bobb-Baxter fand ich besonders beeindruckend.

Wichtig – und ein echtes Kompliment an das Können der ausgebildeten Schauspieler – ist, wie nahtlos alle zusammenarbeiten: Es ist nahezu unmöglich, sicher zu sein, wer im wirklichen Leben gekämpft hat und wer „nur“ spielt. Oldroyd glänzt besonders in diesem Gefühl von Zusammenhalt, das für das Gelingen des Abends so entscheidend ist.

Viel zu leicht nimmt man die Arbeit von Soldatinnen und Soldaten an der Front als selbstverständlich hin – diese Darbietungen zeigen glasklar, warum das kurzsichtig und egoistisch ist.

Rayne führt mit sicherer Hand Regie, und das Ganze ist zugleich unbequem und unwiderstehlich: packend und stellenweise geradezu beschwingt. Anthony Lambles schlichtes Bühnenbild ist sehr wirkungsvoll, und Lily Phillips’ Choreografie ergänzt und verstärkt die Arbeit perfekt.

Jason Carr steuert wunderbare Musik bei. Schlichte, fast naive Melodien werden mühelos in dieses ausgesprochen „männliche“ Theaterwerk eingewebt und helfen, Spannung abzubauen, ein Gefühl von Gemeinschaft zu stiften und in manchen Fällen – etwa im „Medication“-Song – den innewohnenden Schrecken des Textmoments zu konterkarieren. Wirklich unheimlich schön aber war seine Komposition über das „Wiedererleben“, die zwei der zentralen Themen des Stücks auf den Punkt bringt: wie ehemalige Soldaten die erlittenen Erfahrungen erneut durchleben – und wie sie lernen müssen, ohne Uniform weiterzuleben. Magisch.

Oft werde ich gefragt, warum ich so viel Theater sehe – als wäre das ein Zeichen von Verrücktheit. Vielleicht ist es das, aber die Antwort ist einfach: Weil man ab und zu auf etwas wie dieses neue Stück trifft – etwas, das den Wert, die Kraft und die Relevanz des Theaters beweist und den Blick auf die Welt erweitert.

Wieder einmal ist das etwas, das das National Theatre zeigen sollte. Dringendes, wichtiges neues Schreiben und begabte Darstellerinnen und Darsteller. Die Frage, die man stellen sollte, lautet: Warum unterstützt das National diesen echten Leckerbissen nicht?