REZENSION: Der Weiße Teufel, RSC, Swan Theatre ✭

Foto: Keith Pattison Der Weiße Teufel 16. August 2014 1 Stern

Vor ein paar Wochen machte die RSC den beispiellosen Schritt, zumindest in meinem Fall, ihrem Publikum über die bevorstehende Maria Aberg-Produktion von John Websters Der Weiße Teufel (jetzt im Schwan-Theater) zu schreiben und zu warnen:

"Websters brillantes, satirisches und gewalttätiges Stück hat das Publikum historisch herausgefordert mit seiner grafischen Darstellung einer Reihe von Morden, und während wir im Proberaum an der Inszenierung arbeiten, wird klar, dass unsere Produktion keine Ausnahme sein wird...

In Maria Aberg haben wir eine Regisseurin engagiert, die das Stück mit starkem Wunsch angeht, diesen 400 Jahre alten Text mit modernen Zuschauern zu verbinden...dies umfasst die Inszenierung des Stücks in einem modernen Umfeld, das das Potenzial hat, die Gewaltszenen für das Publikum unmittelbarer zu machen.

In Anbetracht dessen wollte ich Ihnen schreiben, um darauf hinzuweisen, dass unsere Produktion Szenen von gewalttätiger und sexueller Natur enthalten wird, die manche Zuschauer schockieren könnten. Es wurde kein neues Material zum Text hinzugefügt, es ist einfach so, dass durch die Verlegung des Stücks in ein zeitgenössisches Umfeld Websters zwangsläufig gewalttätiges und leidenschaftliches Stück so unmittelbar und herausfordernd erscheint wie für das erste Publikum 1612."

Um den Barden falsch zu zitieren: mir scheint, die RSC warnt zu sehr.

Oder genauer gesagt: mir scheint, die RSC warnt vor dem Falschen.

Diese moderne, gebleichte, saubere und von Multimedia-Bildschirmen dominierte Aberg-Version von Webster ertrinkt nicht im Blut, weist keine überwältigende Gewalt (sexuell oder anderweitig) auf und ist unfassbar unverständlich anstatt konfrontierend. Ja, es gibt eine Strangulation (und anderswo eine Nackendrehung), die schwer zu sehen ist, aber nichts Schlimmeres als Szenen in anderen aktuellen Produktionen auf RSC-Bühnen.

Bei jedem Aktbeginn schreitet Kirsty Bushell (in der Rolle der fleischlichen Ehebrecherin Vittoria) an die Vorderseite der Bühne und sucht gezielt Augenkontakt mit bestimmten Zuschauern, den sie nur so lange hält, dass es unangenehm wird. Sie ist kaum bekleidet: BH, matronenhafte Unterhosen (die ein Schuljunge sich vorstellen könnte, eine Nonne könnte sie tragen), Haare in einer Perückenkappe, barfuß. Verwundbar. Aber stählern. Langsam kleidet sie sich an, das Publikum in intime Komplizenschaft verwickelnd. Wenn die Perücke aufgesetzt wird, beginnt die "Aktion", die vierte Wand ist durchbrochen und irreparabel. Im zweiten Akt nimmt sie sich Zeit, einen mit Kunstblut gefüllten medizinischen Beutel in ihre Unterhose zu stecken, verschworenerweise signalisierend, dass sie "dort unten" irgendwann im zweiten Akt bluten wird. Dabei blickt sie ungerührt in die Augen der "Warum ich?"-Besucher.

Beunruhigend und faszinierend.

Aber der Effekt ist jedes Mal flüchtig, da die Aufführung in laute, pumpende Musik versinkt, Video-Projektionen, die sich auf Blut oder Aspekte des weiblichen Körpers konzentrieren, seltsam ruckartige "Tänze" der Truppe, ein überwältigendes Euro-Trash-Nachtclub-Gefühl von der Bühne und das Gefühl, es könnte eine Fantasieepisode von Fußballerfrauen sein. Es gibt eine Reizüberflutung, die desorientierend und, ehrlich gesagt, bizarr ist.

Am meisten leidet darunter die Erzählung. Motivationen, die Subtilität von Aktion und Reaktion, die Tiefe der Korruption, die geschichteten Motive für Rache und Mord: alles wird in der Verfolgung des Gedankens vernebelt, dass ein zeitgenössisches Umfeld Unmittelbarkeit und Herausforderung sicherstellen wird.

Eine weitere entscheidende Regieentscheidung, das Geschlecht von Vittorias Bruder zu wechseln, ist katastrophal unsinnig. Es gibt kein Problem mit großartigen Schauspielerinnen, die männliche Charaktere spielen; aber es muss einen sehr guten Grund geben, um die Geschlechtszuweisung eines Charakters zu ändern, den der Autor erschaffen hat. Aberg hat in diesem Bereich bereits Erfahrungen: ihre Produktion von König Johann mit einem weiblichen Bastard. Es war damals nicht effektiv und es ist hier katastrophal.

Ein wesentlicher Bestandteil von Websters Stück ist das Gefühl, dass die männlichen Charaktere Vittoria und Isabella, die Frau von Vittorias Liebhaber (hier gespielt von Faye Castelow), benutzen und missbrauchen, kontrollieren, "schützen" und letztendlich abschlachten. Vereinfachend repräsentiert Isabella die patriarchalische Vorstellung der "guten Ehefrau" und Vittoria die "schlechte Ehefrau". Die Hinzufügung einer weiteren zentralen weiblichen Figur tut nichts, um das Stück und seine Punkte zu beleuchten. Noch scheint sie etwas Nützliches über Misogynie zu sagen.

Castelows geklippte, langweilige, weitgehend monotone Darbietung setzt einen weiteren Nagel in den Sarg des Konzepts. Wenn Sie sich entscheiden, Flaminio zu einer Frau zu machen, muss sie eine bemerkenswerte sein; ein starker, furchtloser, berechnender Rivale zu den Männern im Stück, die auf traditioneller, patriarchaler oder religiöser Macht schwimmen, aber auch eine sehr andere Frau als ihre Schwester. Castelow entscheidet sich für eine zurückhaltende, fast androgynen Ambiguität. Das Ergebnis ist in jeder Hinsicht praktisch sinnlos und raubt dem Stück viel von seiner Macht.

Für ein Stück, dessen jeder Weg auf Lust und Verrat gebaut ist, fehlt dieser Produktion durchweg jegliches Gefühl von Fleischlichkeit oder leidenschaftlicher Wärme. Es wird viel ermüdend gesprochen, aber es gibt nicht viel Aktion oder Interaktion. Und keine Spannung oder Unmittelbarkeit.

Es ist, als würde man einen zensierten Propagandafilm ansehen: Man hat eine klare Vorstellung davon, was zu erwarten ist, aber es wird auf eine Weise präsentiert, die diese Erwartungen verblüfft. Die männlichen Schauspieler sind durchweg unterfordert und enttäuschend. Liz Crowthers Cornelia ist schmerzhaft und David Rintoul verleiht Monticelso die ganze Finesse und Nuance eines kreuz-tragenden Daleks.

Bushell ist die Beste einer enttäuschenden Besetzung, aber sie bekommt nie die Chance, so zu glänzen, wie sie es sollte, wegen der Tore, die Aberg für diese sportmetapherreiche Produktion gewählt hat.

Es ist verwirrend. Die letzte Produktion, die Aberg für die RSC leitete, war ein schlichtweg herrliches Wie es euch gefällt. Wenn das Können und der Einblick, die sie dort beim Erzählen einer alten Geschichte in frischer, packender Weise gezeigt hat, hier zur Anwendung gekommen wären.