KRITIK: Der Besuch, Lyceum Theatre ✭✭✭✭✭

Der Besuch am Broadway. Foto: Joan Marcus Der Besuch

Lyceum Theatre

12. April 2015

5 Sterne

Zunächst bemerken Sie den Sarg nicht wirklich. Das makellose Gepäck ist hoch darauf gestapelt, sodass es anfangs nur wie ein sehr teures Stück Reisekoffer aussieht. Aber dann wird Ihre Aufmerksamkeit absichtlich anderswohin gelenkt. Zu dem großen Mann mit Sonnenbrille und den beiden anderen Männern, deren Gesichter mit einem undurchsichtigen weißen Kreis bemalt sind; sie tragen gelbe Handschuhe und Schuhe und sind tadellos in traditionellen Cutaways gekleidet. Und natürlich die Besucherin. Makellos gekleidet in Weiß, ein langer pelzbesetzter Mantel mit passendem Pelzhut, der ihre stilvolle Ausstrahlung betont. Sie könnten eine Hochzeit besuchen.

Sie betreten die Bühne von hinten rechts in einem feierlichen Zug. Die Bühne ist wunderschön gestaltet. Einst stand hier ein großes Haus, aber es ist jetzt verfallen. Der Wald dringt in die zerbrechlichen Stützen ein, Baumwurzeln, Blätter und Zweige sind überall und betonen den Verfall und die unaufhaltsamen Kräfte der Zeit und der Natur. Die Bewohner von Brachen, einem Ort irgendwo in Europa, verblassen alle, die Farbe und das Leben sind aus ihren Wangen, ihrer Kleidung und ihren Empfindungen verschwunden. Die Besucherin ist lebendig. Lebendig in leuchtenden Farben.

Dann sehen Sie, dass es definitiv ein Sarg ist. Ein Sarg.

Und für 90 Minuten ekstatisches Geschichtenerzählen werden Sie an einen Ort transportiert, wo Liebe, Tod und Konsequenz zusammen tanzen und wo der Sieg der wahren Liebe vielleicht nicht das ist, was Sie zuerst denken.

Das ist John Doyles außergewöhnliche Inszenierung des letzten Musicals des illustren Teams John Kander und Fred Ebb, Der Besuch, jetzt in der Vorschau im Lyceum Theatre am Broadway, mit der unermüdlichen und inspirierenden Chita Rivera in der Hauptrolle. Mit einem Buch von Terrence McNally, gehört dies zu den besten Musicals von Kander & Ebb. Sicherlich ist es das beste, wichtigste Musical, das derzeit am Broadway gespielt wird - und das will etwas heißen, angesichts der aktuellen Konkurrenz.

Dies ist keineswegs ein typisches Musical. Es spielt mit der Form auf ungewöhnliche, provokative und erfinderische Weise. Ich kann mich nicht erinnern, wann das letzte Mal die Elf-Uhr-Nummer in einem Musical die Hauptrolle nicht singen beinhaltet - aber genau das passiert hier: Das Stück erreicht seinen unvergesslichen, herzzerreißenden Höhepunkt, als Chita Rivera, die titelgebende Besucherin, mit ihrem jüngeren Ich (der elfenhafte Michelle Veintimilla) in einem Moment von roher, intensiver Selbsterkenntnis tanzt. Es ist genauso kraftvoll wie zart. Unaussprechlich schön.

Doyle nutzt die Inszenierung, um Themen zu betonen, die in Musik und Text prominent sind. Die Vergangenheit ist ein konstanter Charakter in der Aktion. Der titelgebende Besuch erfolgt aufgrund der Vergangenheit und bestimmt die Zukunft. Die jüngeren, geisterhaften Bilder der Hauptfiguren, Claire (Rivera) und Anton (Roger Rees und John Riddle als heutige und frühere Versionen) sind immer präsent, entweder um Erinnerungen zum Leben zu erwecken oder um ein ständiges Echo der Vergangenheit und ihrer Konsequenzen zu bieten.

Ebenso bleiben die Stadtbewohner, wenn sie nicht im unmittelbaren Geschehen beteiligt sind, im Schatten, beobachten, überlegen, urteilen. Sie repräsentieren die Gesellschaft und geteilte Kulturen, das Prisma von 'Respektabilität' und 'Tradition'. Die Aktionen auf der Bühne, ob in der Gegenwart oder Vergangenheit, beeinflussen sie, formen sie; und durch ihre bloße Anwesenheit formen und beeinflussen sie Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

Jedes Mal, wenn Claire ins Geschehen eingreift, ist sie Teil einer formalen Prozession. Das Muster ist unerbittlich und starr. Oberflächlich betrachtet stellt Claire die Vergangenheit dar, die die Gegenwart einholt; aber die Wahrheit ist faszinierender. Sie und ihr fast militärischer Gefolge verkörpern Gerechtigkeit. Wie alle Formen der Gerechtigkeit bringt Claire's mit ihr hallende Konsequenzen. Sie mag in Weiß gekleidet sein, aber der Zweck ihres Besuchs ist es, die wahren Farben anderer zu offenbaren.

Die Geschichte ist sowohl einfach als auch komplex. Claire und Anton waren verzweifelt verliebt, als sie jünger waren, aber Anton entschied sich, Matilde zu heiraten und die Sicherheit ihres Familiengeschäfts zu gewinnen. Claire, aus Gründen, die sich im Laufe des Stücks offenbaren, verlässt die Stadt und baut ein neues Leben auf. Sie heiratet oft und „verwitwet gut“, wird zur reichsten Frau der Welt.

Während sich Claires Vermögen verbessert, geht es der Stadt, in der sie geboren wurde, stetig bergab. Die Industrie erlischt, die Armut wird tief verwurzelt. Dann, eines Tages, erhält der Bürgermeister die Nachricht, dass Claire nach Brachen zurückkehrt und er und die anderen Stadtbewohner hoffen, sie zu überzeugen, sich von einem Teil ihres Vermögens zu trennen, um der Stadt die Wiederherstellung zu ermöglichen. Zur Freude der Dorfbewohner bietet Claire Brachen 10 Milliarden Dollar an.

Aber sie hat einen spezifischen Preis im Sinn. Und ob die Stadt bereit ist, ihn zu zahlen, ist zentral für die sich entfaltende Erzählung. Genauer auf die Handlung einzugehen, wäre, die wahren - und oft überraschenden oder verblüffenden - Wendungen in McNallys Buch zu leugnen. Je weniger man also über Der Besuch weiß, desto größer wird das erste Erlebnis, es zu sehen.

Chita Rivera ist als Claire unvergesslich; ein strahlender Star der Broadway-Bühne in ungemindertem Glanz, Rivera ist fehlerlos. Sie sieht erstaunlich aus, jede Zoll die unfassbar reiche Witwe. Ihr Auftreten und ihre Haltung sind hypnotisierend; wenn sie auf der Bühne ist oder auf die Bühne kommt, ist man gezwungen, sie zu beobachten. Während sie langsam aber sicher die Wahrheiten und Schmerzen enthüllt, die ihre Natur geprägt und ihren Besuch erzwungen haben, ist Rivera eine Studie in zielgerichteter Rache und Vergeltung, die sie als Claire Schulter an Schulter mit Medea oder Elektra stellt.

Ebenfalls ist Riveras Claire ganz Frau, mit einer klaren Erinnerung an ihre längst vergangene Verehrung für Anton und die Resonanzen der Stadt, in der sie geboren wurde. Sie ist auch witzig und kann eine scharfsinnige Beobachtung, Drohung oder Analyse mit unfehlbarer Genauigkeit abliefern. Ihr stählerner Wille, ihr wissendes Lächeln, ihr anmutiger Gang, ihr ansteckendes Lächeln, ihre raubtierhafte Intelligenz - das sind nur einige der leuchtenden Facetten des Diamanten, den Rivera als Claire erschafft.

Mit 82 Jahren ist es keine Überraschung, dass Rivera nicht mehr so singen und tanzen kann, wie sie es einmal tat, aber sie kann immer noch beides besser als viele. Ihre Arbeit in "Du, Du, Du", "Winter", "Liebe und Liebe allein" und "Wieder im Wald" ist außergewöhnlich, fesselnd und sinnlich. Ihre Verbindung zu Rees ist unmissverständlich tiefgehend - wenn Romeo und Julia überlebt hätten, wären sie hier wie Rees und Rivera. Sie ist in jeder Hinsicht engagiert in Charakter und Musical, Rivera ist stets eine Freude.

Roger Rees hält kontinuierlich ihr Engagement mit seinem Gegenspieler aufrecht. Sein Anton ist ein launischer Charakter, zerrissen zwischen der Welt, die er zurückgelassen hat, und der, die er geschaffen hat, aber immer auf der Suche nach einer Möglichkeit, aus allem das Beste zu machen. Sowohl verfolgt als auch opportunistisch macht Rees Anton zu einem fast Shakespeare'schen Kandidaten für Erlösung. Seine Stimme ist reich und wahrhaftig, und angemessen abgenutzt, wenn die Bedeutung der ihm gestellten Aufgabe in ihm verankert ist. Es ist richtig, dass das Publikum zwei Extreme von Rees' Bandbreite in der Darbietung von "Ich kenne Claire" und "Angst" sieht und hört. Es ist in jeder Hinsicht eine kraftvolle Leistung.

Als Frederich Kuhn, der Lehrer, ist Jason Danieley völlig unkenntlich, außer wenn er singt, und dann verrät ihn seine prächtige Stimme. Er ist völlig in den Charakter eingetaucht, zerrissen von dem moralischen Dilemma, dem er sich stellen muss. Dies ist am offensichtlichsten in seinem Solo "Der Einzige", aber auch durchgehend bemerkbar.

Mary Beth Peil, als Antons langjährige Ehefrau Matilde, gibt eine Meisterklasse in der Darstellung von Schmerz und Verbitterung. Mit sehr wenigen Worten malt sie ein sehr klares Bild von der Art von Frau, die sie ist, und in ihren Schweigen ist sie besonders aussagekräftig. Wenn sie im Schatten sitzt oder steht, still und wachsam, ihre Augen von Ort zu Ort schnellend, beurteilend, kalkulierend, intrigierend, ist sie faszinierend. Sie merken, dass Sie die Produktion noch einmal sehen möchten, nur um sich ganz auf Peils bemerkenswerte Arbeit zu konzentrieren.

Ebenso hervorragend, in jeder Hinsicht, sind John Riddle und Michelle Veintimilla, die die jungen Versionen von Claire und Anton zur Zeit ihrer großen leidenschaftlichen Romanze spielen. Beide legen großen Wert darauf, Aspekte ihrer älteren Selbst (und umgekehrt) zu imitieren und die Einsätze, zumindest für Claire, klar darzustellen. Das Gefühl von träger, dauerhafter, aber überwältigender Leidenschaft ist fast greifbar. Sie singen und tanzen mit der Leichtigkeit und dem Engagement von zwei, die zu einem verschmelzen, anmutig, mit vollständiger Überzeugung.

Es gibt keine schwachen Glieder in der Besetzung von sechzehn. David Garrison, Matthew Deming, Chris Newcomer und Elena Shaddow sind besonders vorbildlich, geben detaillierte, nuancierte Darbietungen, die durchgängig fesselnd und provokativ sind.

Musikalisch ist der Score endlos faszinierend. Mehr im Bereich von Kiss Of The Spiderwoman als Chicago, erschafft Kander einen spezifischen Klang für die Stadt und die Epochen von Brachen und nutzt verschiedene Arten von Liedern, um verschiedene Charakter- oder Handlungsentwicklungen zu verdeutlichen. "Gelbe Schuhe", vielleicht die offensichtlichste Kander-Melodie des Scores, ist freudig und einprägsam, aber sie brodelt über einer ernsthaften Handlungsentwicklung. Viele der Nummern verstärken die Stimmung, erklären Handlungspunkte, entwickeln Charaktere - aber einige sind einfach wunderschön. "Eine Autofahrt" und "Wieder im Wald" sind außergewöhnliche musikalische Momente in einem Score, der mit Juwelen besetzt ist.

Man vermutet, dass der Score, wäre er von Sondheim komponiert, dem Komponisten schnell Lob zuteilwerden würde. Dass man denken könnte, ein Kander-Score könnte von Sondheim komponiert worden sein, sagt mehr über Kanders Bandbreite und Bereitschaft aus, neue Formen auszuprobieren, als alles andere. Sein Einsatz von zwei Chören hier ist für ihn Neuland, aber außergewöhnlich effektiv. Tatsächlich ist die Show nie besser, als wenn das Ensemble mit voller Kraft singt, um Harmonie und Melodie zu beleben, während sehr klar der Strom von unterirdischen Emotionen und Reaktionen kommuniziert wird.

Dies ist ein großartiger Kander-Score, einer seiner besten. Wer sonst hat versucht, eine Musical-Rachetragödie zu machen und dabei so erfolgreich zu sein?

Ebb's Texte sind scharf und gewitzt, manchmal selbstzufrieden, manchmal fließend, manchmal romantisch, manchmal beunruhigend - immer genau treffend. Keine Minute wird verschwendet. Die verheerende Geschichte wird in einem rasanten Tempo erzählt, der Druck lässt nie nach, die Enthüllungen und Wendungen kommen dicht und schnell, da Claires Frist zur Annahme ihres Angebots unerbittlich näher rückt. Die Uhr tickt und spiegelt sich in Dialog, Text und Score wider. Ebenso wandelt und akzeptiert sich.

Scott Pask, sicherlich der beschäftigste Bühnenbildner am Broadway, liefert eine perfekte Kulisse für die Geschichte - ein Blick auf die ausgedörrte Pracht sagt Ihnen mehr als Dialogseiten über den Zustand von Brachen jetzt und welche Erinnerungen Claire daran hätte. Japhy Weideman bringt, wenn nötig, Licht in jeden Winkel des Raums und erzeugt wichtige Stimmungswechsel mit Farbtönen, die Teil des Scores zu sein scheinen. Ann Hould-Wards Kostüme sind einfach perfekt.

Doyle und Choreografin Graciela Daniele stellen sicher, dass die Bühnenbilder immer bezaubernd sind. Daniele hat keine großen Nummern zu inszenieren, aber sie schafft es, diejenigen, die Tanzen erfordern, mit stilvollen und ganz angemessenen Bewegungen zu füllen. Die balletthaften, verführerischen Wirbel des jungen Anton und Claire und die "Gelbe Schuhe"-Routine sind Welten entfernt, aber überschwänglich genau richtig.

David Louds musikalische Leitung war beispielhaft. Die Musik wird mit Elan und Inbrunst gespielt, und er stellt sicher, dass der Gesang makellos und die Artikulation kristallklar ist. Das zehnköpfige Orchester deckt viele Instrumente ab und die klangliche Vielfalt war willkommen; wenn man kein größeres Orchester haben kann, dann ist eines wie dieses ein exzellenter Kompromiss.

Stellen Sie sich keinen Fehler vor: Dies ist keine Musicalkomödie. Es ist etwas ganz anderes. Wenn Sie es annehmen und sich davon überwältigen lassen, werden Sie reich belohnt werden. Dies ist in jeder Hinsicht erstklassig und, wichtiger für das Leben der Musicalform, eine belebende - aber erschütternde - neue Richtung.

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