KRITIK: Der Widerspenstigen Zähmung, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭✭

Der Widerspenstigen Zähmung

New Wimbledon Studio

27. Mai 2015

5 Sterne

TICKETS BUCHEN Ein heruntergekommener, frecher Obdachloser mit einer Bierdose saß vor dem Eingang des New Wimbledon Studios, als ich zur Pressenacht dieser neuen Produktion von Der Widerspenstigen Zähmung ankam. Ich dachte nicht weiter darüber nach, bis derselbe Mann im Theater vor dem Öffnung des Vorhangs auftauchte und lautstark mit dem Bühnenmanager interagierte, ein paar Stühle umstieß und einigen Zuschauern kleinere Unannehmlichkeiten bereitete. Dann ging mir ein Licht auf: Das Stück hatte schon begonnen und wir befanden uns nicht in einem Polizeieinsatz, sondern in einer brillant improvisierten Version von „Die Induktion“, dem Rahmen für das Spiel-im-Spiel, das diese frühe Shakespeare-Komödie darstellt. Als Christopher Sly, der Trunkenbold, der unterhalten werden sollte, gab Christopher Neels uns den ersten von vielen neuen und aufschlussreichen Einblicken in das, was in jüngerer Produktionsgeschichte mehr ein ‚Problemstück‘ geworden ist, im Gegensatz zu einem von Shakespeares leichteren und luftigen frühen Werken. Dieses Stück hat eine dunkle Vergangenheit. Aus den frühen 1590er Jahren stammend, gibt es zwei Versionen, deren Beziehung zueinander und Shakespeares genaue Beitrag zur jeweiligen Version bleibt Gegenstand wissenschaftlicher Debatten. Der Text ist im wörtlichen Sinne ‚schmutzig‘, da er möglicherweise von einem der ‚schlechten Quartos‘ stammt, die aus Soufflierkopien abgeleitet und vor dem Erstdruck veröffentlicht wurden. Darüber hinaus hat es auch eine schmutzige kritische Aufnahme erfahren, nicht zuletzt von George Bernard Shaw, der es als „eine niederträchtige Beleidigung der Weiblichkeit und Männlichkeit von Anfang bis Ende“ beschrieb. In den letzten Jahren wurde es auch aus feministischen Perspektiven kritisiert, die die dauerhafte Konfrontation zwischen Petruchio und Katerina als ohne Ironie oder Klammergeräte voll darzustellen als unmöglich ansehen. Meiner Meinung nach können diese Argumente, ebenso wie die parallelen zu Antisemitismus in Der Kaufmann von Venedig, übertrieben werden und in gewisser Weise ihr Ziel verfehlen. Wir sollten zuerst erkennen, dass die Tatsache, dass Shakespeare die Zähmung als ein Spiel-im-Spiel gestaltet hat, bedeutet, dass er selbst ein Klammergerät darum gelegt hat, es mit buchstäblichem Ernst zu nehmen, und zweitens, dass letztlich die Entscheidungen des Regisseurs und der Gruppe unsere Reaktionen auf diesen Text bestimmen werden – es kann ironisch, farsenhaft oder historisch (d. h. als Ausdruck frühmoderner Vorstellungen von sozialer Hierarchie und nachlapsarischem Mann und Frau) gespielt werden. Es gibt viele Möglichkeiten, und wir sollten uns mit dem Urteil bis zum Schlussvorhang zurückhalten. Arrows and Traps und der Regisseur Ross McGregor bringen uns eine geschlechterinvertierte Version des Stücks als Teil einer faszinierenden Saison, die dem Thema „Liebe zur Zeit des Krieges“ gewidmet ist. Aufgrund dieser innovativen und lebhaften Produktion werden ihre Fassungen von Titus Andronicus und Ende gut, alles gut unbedingt sehenswert sein, später im Sommer. Wir befinden uns auf einem einfachen, flexiblen Bühnenbild, das sowohl für Straßenszenen als auch für Innenräume gut funktioniert, wobei kaum Zeit für Szenenwechsel verloren geht. Es ist zeitlich gesehen ein langer Abend, aber er wirkt nicht so in puncto Tempo, da die Episoden in beeindruckendem Tempo und Sparsamkeit an uns vorbeiziehen, während den wenigen Besinnungs- und Ruhe-Reden volles Gewicht gegeben wird. Mit Ausnahme der Hauptrollen spielt jeder Schauspieler mehrere Rollen und hier zeigt sich der Vorteil der Zusammenarbeit mit einer festen Kerntruppe, deren Mitglieder sich alle gut kennen und sich in flexibler Ensemblearbeit wohlfühlen. Es gibt Energie, Einfallsreichtum und Dynamik im Fortschreiten der Aktion und ein starkes visuelles Gespür, um effektive Tableaus zu schaffen. Das bedeutet, dass es nicht darauf ankommt, dass das Budget begrenzt ist: Zum Beispiel ist der Chor der schüchternen Köche und Diener während der Bankettszene so amüsant choreografiert, dass man vergisst, dass nur die minimalsten Requisiten zu sehen sind. Dies ist Shakespeare, bei dem die Werte und der Fokus an den richtigen Stellen liegen, nämlich in einem forensischen Neudenken des Textes, mit einem Auge dafür, wie diese Vision am besten mit Tempo und Witz der Darbietung und kontinuierlich fesselnder Bühnenbewegung kommuniziert werden kann. Es gibt auch einige charmante musikalische Zwischenspiele, die sich natürlich aus dem Stück ergeben, in bester Tradition des Musicals, um die Stimmung an verschiedenen Stellen der Handlung zusammenzufassen. Was lernen wir also aus der Geschlechterinversion im Stück? Was fügt es unserem Verständnis hinzu? Erstens werden die Ränder der Konfrontationen in gewisser Weise abgeschwächt, sie wirken irgendwie humorvoller und weniger grausam. Das Gerangel der Freier ist noch immer bissig, mit besonderer Hervorhebung auf die hervorragende Arbeit von Jean Apps als Gremia; die Mütter drängen und drohen genauso effektiv, wie es die Väter tun würden - hier sticht eine beeindruckend handtaschenschwingende Vincentia (Bridget Mastrocola) hervor. Bianco (Samuel Morgan-Grahame) wird als verwöhnter Muttersohn neu interpretiert und Trania (Gemma Salter), die Lucentia (Remy Moyes) in weiten Teilen der Handlung imitiert, brilliert mit flüchtiger, komischer Erfindung. Aber das Stück steht oder fällt mit dem Zusammenspiel zwischen Petruchia (Elizabeth Appleby) und Cajetano (Alexander McMorran). Ich hatte das Gefühl, dass McMorran zu Beginn noch schwieriger und unvernünftiger hätte agieren können – die Reise, die von dort zu seiner feinen, würdevollen und überzeugenden Darbietung der finalen ‚Unterwerfungs‘-Rede zurückgelegt wird, muss eine lange sein, egal ob man ihn als Opfer sieht oder nicht. Aber Applebys heitere und unbeschwerte Darstellung von Petruchia war eine komplette komische Freude. Ihre ständige Weigerung, sich mit Kajetanos Sichtweise und Wünschen auseinanderzusetzen, hatte etwas von Jennifer Saunders in voller Ab Fab-Manier an sich. Und als sie dann einen alternativen komischen Kosmos durch weite Teile des Stücks bewohnte, war ihre endgültige Liebeserklärung umso berührender – und sicherlich das erste Mal, dass es mich jemals berührte. Dies führt mich zu meiner zweiten Beobachtung zum inversen Konzept des Stücks – nämlich dass der Witz und die wettbewerbsfähige Bravour der Dialoge in gewisser Weise über das Geschlecht hinausgehen und mit einer Art entschlossener militärischer Präzision gespielt werden müssen, um die Zuschauer im Sinne einer vorfreudigen Erwartung dessen, was als nächstes passieren könnte, mit dem Witz und der Aktion mitzunehmen. Ich vermute, es ist eine andere Version von Noel Cowards Bemerkung, dass Komödie am lustigsten ist, wenn sie todernst gespielt wird…..

Das Problem, das ich immer schon in der Vergangenheit mit diesem Stück hatte, ist die schiere Unbarmherzigkeit des ‚Zähmung‘-Prozesses, der in bisherigen Produktionen, die ich gesehen habe, eher langweilig als grausam oder lustig herüberkam. Aus diesem Grund fühlte ich mich in den letzten Jahren mehr zu den charmanten, urbanen und verführerischen Reizen von Cole Porters Version hingezogen als zu Shakespeares Original. Das Beste, was ich dieser feinen Produktion zuschreiben kann, ist, dass sie mich wohlwollender über das Originalstück denken ließ und viele meiner Bedenken zu dem Material beruhigt hat. Versäumen Sie es nicht, solange Sie noch können.

Der Widerspenstigen Zähmung läuft bis 20. Juni 2015 im New Wimbledon Theatre Studio.