KRITIK: The Sum Of Us, Above The Stag Theatre ✭✭✭✭

The Sum Of Us

Above the Stag

11/09/15

4 Sterne

Ein Teil der Mission von Above the Stag ist es, uns an bemerkenswerte Stücke mit schwulen Themen zu erinnern, die nicht immer die Aufmerksamkeit bekommen haben, die sie verdient hätten, oder deren anhaltende Aktualität und universeller Wert einer Wiederholung bedürfen. The Sum of Us von David Stevens fällt sehr stark in beide dieser Kategorien und erhält nun eine willkommene neue Inszenierung zum Start der Herbstsaison.

Dieses Stück ist sowohl bekannt als auch nicht so bekannt. In diesem Land ist es weitaus bekannter in seiner Filmversion von 1994 mit Russell Crowe und Jack Thompson, als in der früheren und in mancher Hinsicht sehr unterschiedlichen Bühnenversion. Der Film gibt die Handlung erheblich breiter wieder in einer Weise, die das Stück nicht erreichen kann, und enthält einige sehr gute Darstellungen, die weitere Aufführungen außerhalb Australiens eher verhindert haben; daher ist dies eine seltene und faszinierende Gelegenheit, ein Werk zu überprüfen, das nicht nur einen bedeutsamen Moment für das australische Schwulentheater, sondern auch für das australische Theater insgesamt in den frühen 90ern darstellte.

Die Handlung spielt sich im offenen Wohnbereich einer Wohnung ab, die im Stil der frühen 90er eingerichtet ist. Ich kann nicht für die Genauigkeit der australischen Details bürgen, aber das allgemeine Gefühl der Zeit schien aus dem richtigen 'Erinnerungszimmer' zu stammen. Es ist das Zuhause des Witwers Harry (Stephen Connery-Brown) und seines Sohnes Jeff (Tim McFarland). 1992 hätte ein Publikum zweifellos ein antagonistischeres Szenario des gegenseitigen Unverständnisses zwischen einem heterosexuellen Vater und einem schwulen Sohn erwartet, aber David Stevens widersetzte sich entwaffnend und beeindruckend einfachen Annahmen und schrieb ein Stück über eine Beziehung tiefer Empathie und gegenseitiger Unterstützung. Harry ist nicht nur mit der Sexualität seines zwanzigjährigen Sohnes einverstanden, sondern geht so weit, dass er ihm diverse Magazine kauft, um sicherzustellen, dass Jeff über die Gefahren von Aids/HIV informiert ist, und seine Verabredungen und One-Night-Stands teils auf aufdringliche Weise zu Hause willkommen zu heißen.

Das Stück gliedert sich grob in drei Abschnitte. Im ersten Abschnitt ist der Ton weitgehend komisch und erforscht die 'ungewöhnliche Kombination' aus den Missgeschicken eines unerwarteten häuslichen Lebens. Im zweiten Abschnitt werden weitere Charaktere eingeführt. Sowohl Vater als auch Sohn treffen sich mit anderen, wobei Harry Möglichkeiten über eine Partnervermittlung erkundet und Jeff in örtlichen Kneipen und Clubs Leute trifft. Wir erleben ihre beiderseits unglücklichen Erfahrungen mit Joyce (Annabel Pemberton) und Greg (Rory Hawkins), obwohl das Material weiterhin eher für Humor als für Pathos gespielt wird. Im letzten Abschnitt wird der Ton viel düsterer, obwohl das Ende einige bescheidene Erwartungen eines positiven Ausgangs für zumindest zwei der vier Charaktere bietet.

Man kann sich vorstellen, warum und wie dieses Stück vor über zwanzig Jahren einen solchen Einfluss hatte. Das Stück bietet eine stolze und selbstsichere Aussage, dass schwule Leben Männer und Frauen betreffen, die genauso tief in Familien verwickelt sind wie alle anderen auch; und dass diese Familien ebenso liebevoll und unterstützend wie aufsplittet oder dysfunktional sind. Dieses Thema war damals notwendig und wichtig und ist es, wenn vielleicht auch in geringerem Umfang, immer noch heute. In den 90ern gab es Geschichten von Männern, die ihre Eltern zu diesem Stück mitnahmen, um sich zu outen, und ich könnte mir vorstellen, dass das auch heute noch zutrifft, besonders auf einer Tour weg von den Metropolen.

Das Stück enthält durchgehend sehr feine, reiche, authentische Dialogpassagen, die ein breites emotionales Spektrum abdecken – abwechselnd poetisch, naturalistisch, trocken witzig und aufrichtig liebevoll. Die Dialoge zwischen Vater und Sohn haben die Leichtigkeit, den Fluss und den Charme, den man von diesem erfahrenen Drehbuchautor erwarten würde. Es gibt mehrere Monologe, die über das Stück verteilt sind, in denen die Schauspieler den Realismus verlassen, und diese haben eine filmische, malerische Qualität im Schreiben und in der Visualisierung, die sehr beeindruckend ist. Sie unterstreichen die Stimmung der Erzählung und füllen die Hintergrundgeschichte der Charaktere sehr bewegend – vor allem, vielleicht, das abstrakte Porträt einer trauernden Frau in einem Zug als Symbol für die ‘Tränen der Dinge’.

Die drängendste Frage, die das Stück für den Kritiker aufwirft, ist, ob die schiere Menge an Gutmütigkeit auf der Bühne das dramatische Tempo und die Spannung hemmt. Während es besonders in den späteren Abschnitten echte, dunkler werdende Traurigkeit gibt, gibt es nicht viel Handlung, und man muss sich manchmal fragen, ob dies ein weiterer Fall ist, in dem der Himmel langweilig ist, und der Teufel das Monopol auf die besten Melodien hat. Wenn Greg das Haus in der ersten Hälfte vorzeitig verlässt, beklagt er sich auf dem Weg hinaus, dass die Atmosphäre zu sicher ‘häuslich’ sei und nicht sexy oder lebendig genug. Sollte das auch unsere Position sein? Als Jeff Harry ‘den besten Papa’ nannte, gab es ein kollektives, mitfühlendes Seufzen aus dem Publikum, aber war dies wirklich dramatisch verdient oder nur Teil des allgemeinen Wohlfühltones?

Alles in allem übersteigt das Stück weiterhin diese Bedenken. Die gut gemeinte Empathie zwischen den Generationen hat auch ihre raueren Seiten. Zum Beispiel fühlen wir Jeffs Verlegenheit über die Einmischung seines Vaters in seinen romantischen Raum scharf, selbst durch die Komödie hindurch, und wir erfahren, dass Harrys Verständnis jetzt nicht immer so war. Es gibt einen außergewöhnlichen Moment gegen Ende, als wir die Geschichte von Harrys älterer Mutter und ihrer langjährigen lesbischen Partnerin hören und wie hart umkämpft auf ihre Kosten sein derzeit positives Engagement ist.

Das Durchbrechen der vierten Wand ist ein wichtiger Teil des Ansatzes des Autors in diesem Stück, funktioniert aber heute weniger gut als bei der ersten Produktion. Es gibt besonders am Anfang das Gefühl, dass diese Strategie hier teilweise verwendet wird, um ein ursprüngliches Publikum zu gewinnen, das vielleicht skeptisch oder feindselig ist, was heutzutage kaum noch notwendig ist. An diesem Punkt wirkt das Stück wirklich veraltet und es ist bedauerlich, dass David Stevens diesen Aspekt nicht überarbeitet hat. Vielleicht hätte er stattdessen mehr mit den Zeitsequenzen spielen sollen, angesichts der Stärken des monologischen Schreibens, um unterschiedliche Stimmungen zu erzeugen und heraufzubeschwören, die den relativen Mangel an Handlungsentwicklung ausgleichen würden.

Die beiden zentralen Darstellungen sind wunderschön detailliert, technisch einwandfrei und sehr berührend in der Umsetzung. Die beiden Hauptdarsteller sind eine glaubwürdige Vater-Sohn-Kombination und jeder von ihnen ist sehr erfolgreich darin, eine breite Palette an Emotionen zu vermitteln, einschließlich Frustration und Unverständnis, sowie beständiger Liebe.

Die beiden kleineren Rollen bieten weniger Gelegenheiten, um nuancierte Charaktere zu etablieren, aber dennoch nehmen die beiden Schauspieler ihre besten Momente gut wahr. Pemberton hat die einzige unsympathische Rolle, und wenn überhaupt, spielte sie die harten Kanten, die in einem Stück, in dem warme Empathie die Norm ist, vorhanden sein müssen, nicht genug aus. Sie muss auch einen mächtigen Punkt machen, der über ihre homophobe Reaktion auf Jeff hinausgeht – nämlich, dass wenn Harry ihr nicht die Wahrheit über sein Familienleben mitteilt, wie kann sie ihm dann selbst in anderen Dingen vertrauen? Ebenso findet Hawkins die physische und verbale Unbeholfenheit, die nötig ist, um die Schwierigkeiten einzufangen, auf die ein Außenstehender beim Eintritt in eine gemütlich etablierte häusliche Umgebung trifft, trotz all ihrer unerwarteten Anmut.

Kreative Werte sind im Allgemeinen stark mit besonderem Lob an den Designer David Shields für eine wunderbare Transformation des Bühnenbildes in der finalen Szene, die zu Recht Applaus bekam, und an Regisseur Gene David Kirk, der seine Erfahrung vom Jermyn Street Theatre nutzte, um den eingeschränkten physischen Raum bei Above the Stag optimal zu nutzen.

Dies ist ein bemerkenswerter Beginn der neuen Saison und wurde von einem ausverkauften Publikum sehr geschätzt.

THE SUM OF US LÄUFT BEI ABOVE THE STAG BIS ZUM 4. OKTOBER 2015