KRITIK: Der Bahnhofsvorsteher, Tristan Bates Theatre ✭✭✭

Der Bahnhofsvorsteher

Tristan Bates Theatre

11. November 2015

3 Sterne

Musicals erfordern von Natur aus eine gewisse Bereitschaft, den Unglauben auszusetzen; das Singen anstelle des Sprechens sichert dies bis zu einem gewissen Grad. Daher haben Workshops oder szenische Lesungen neuer Musicals oft einen Vorsprung - die Leute erwarten Zugeständnisse und machen sie. Aber es gibt auch eine Kehrseite davon: Die Musik kann beispielsweise zu hart bewertet werden, da es keine orchestralen Orchestrierungen oder Unterstützung gibt oder nicht alle Stimmen so ideal sind, wie sie in einer vollständigen Produktion sein könnten. Wenn man nicht in der Lage ist, in Gedanken zu orchestrieren, kann dies ein großes Problem sein; sich besseres Singen vorzustellen, ist normalerweise kein Problem.

Diese Probleme können vom Buch betont oder überschattet werden. Wenn das Buch eine bekannte oder erwartete Größe ist, erhält die Partitur inhärente Unterstützung; wenn das Buch neu oder unerwartet ist, kann die Partitur von der Aufmerksamkeit überlagert werden, die das Buch oder seine Texte erhalten. Adaptionen bekannter Werke können diese Probleme verschärfen: Wenn die Adaption nicht dem Geist oder der Form des Originals folgt, kann das Geheimnis „warum die Änderung?“ alles andere überwältigen.

Diese Überlegungen rücken in den Vordergrund, wenn man an Bronagh Lagans Inszenierung von Der Bahnhofsvorsteher denkt, die jetzt im Tristan Bates Theatre als Teil der wichtigen jährlichen Aria Entertainment-Saison „Page To Stage“ spielt, die die Entwicklung und Verfeinerung des neuen Musiktheaters fördern soll. Mit einer Partitur und Texten von Tim Connor und einem Buch von Susannah Pearse ist dies eine sehr lockere Adaption des berühmten deutschen Stücks „Der jüngste Tag“ von Ödön von Horváth.

In seiner Originalform ist das Stück ein Psychothriller, der auf unterdrückten Emotionen, gedämpften Gefühlen, entfesselten Leidenschaften und Schuld mit einem großen S basiert. Ein pedantischer Bahnhofsvorsteher, dessen verbitterte Frau sich von ihm distanziert, wird von den sinnlichen Liebkosungen einer jungen, attraktiven Frau kurzzeitig von seinen Pflichten abgelenkt. Während der Ablenkung versäumt er es, einen Passagierzug an seinem Bahnhof zu stoppen, was zu einem Unfall führt, bei dem Menschenleben verloren gehen. Das Paar lügt darüber, was passiert ist, aber die Frau des Bahnhofsvorstehers hat das Geschehen mitbekommen und spricht es aus. Es folgt eine Flut von Trauer, Vorwürfen, Entschuldigungen, Akzeptanz und einem weiteren Unfalltod. Die Dorfbewohner lassen ihre Sympathien wie ein Drachen im Wind schwanken. Während der Bahnhofsvorsteher entscheidet, dass Selbstmord die angemessene Reaktion ist, greift seine Frau ein.

Das Stück wird von den Gedanken, Handlungen und dem Verhalten der Frau des Bahnhofsvorstehers getrieben. Was sie dazu veranlasst, zu sagen und zu tun, was sie tut, wie sie sich verändert und anpasst, wie sie das Verhalten anderer beeinflusst, ist der wahre Puls des Stücks. Der germanische Sinn für Präzision ist ebenfalls spürbar, ebenso wie Vorstellungen von Klasse und die Annahme, dass Leidenschaft zurückgehalten und kontrolliert ist.

Die musikalische Version übernimmt etwas davon, aber der Fokus liegt nie wirklich auf der Frau oder ihren Handlungen. Stattdessen wird das Prisma so verschoben, dass es schärfer den Bahnhofsvorsteher selbst widerspiegelt. Weiterhin wird die Handlung in das ländliche England, das Lake District, verlegt, ein Ort, an dem Fahrplantreue oder unterdrückte Sexualität (der Art, die hier im Spiel ist) keine offensichtlichen Merkmale wären. Während die Lokalisierung des Schauplatzes den Zugang zu Charaktertypen und einiger groben Komik verbessert, geht ein unverhältnismäßiger Teil der stimmungsvollen Unterströmungen des Originals verloren.

Teilweise ist dieser Verlust auf Regie und Besetzung zurückzuführen. Lagans Regie ist bestenfalls sachlich und schlimmstenfalls einfallslos und übertrieben. Selbst wenn man die hier verfügbaren begrenzten Ressourcen berücksichtigt, gibt es nicht viel an der Produktion, die Aufmerksamkeit erfordert.

Die drei zentralen Charaktere benötigen ziemlich spezifische Darstellungen, damit das Musical quasi erklingt. Der Bahnhofsvorsteher, bewundert und auf einem Sockel, wie die Dorfbewohner meinen, ist ein John-Proctor-Typ - ein charismatischer, männlicher Mann, der sich mit jedem anfreunden und jedermanns Vertrauen gewinnen kann. Seine Frau ist eine Art Bäckersfrau, verloren und suchend, prinzipientreu und schmerzgeplagt. Und Anna, die junge Frau aus dem Dorf, die Menschen mit einem unpassenden Kuss umbringt, ist hübsch, beliebt und verzweifelt auf der Suche nach einem Ausweg, ähnelt irgendwie einer Rapunzel-Figur. Werden diese drei Rollen perfekt besetzt, ergibt das Stück einen Sinn.

Hier wird keine dieser Rollen ganz richtig gespielt, obwohl jeder seine Momente hat und alle singen können. Jessica Shermans gelegentliche, aber nicht beständige nahezu Operntöne stellten ihre Catherine in scharfem Kontrast zu Nigel Richards' Station Master mit mehr Broadway-Tenor, aber das war keine schlechte Sache. Separat servierten sie musikalisch sowie erzählerisch das Werk gut. Emily Bulls Anna könnte mit einer gewinnenderen Soubrette auskommen; eigenwillige Stimmtöne würden die Kraft, die verführerische Versuchung, die der Charakter darstellt, heller erblühen lassen.

Natürlich hätten diese Darsteller vergleichsweise wenig geprobt und Connors Partitur ist technisch sehr anspruchsvoll. Aber die harte Arbeit, die sie leisten, macht deutlich, dass, wenn Julian Ovenden, Jenna Russell und Anna O'Byrne (um nur einige der Offensichtlichen zu nennen) auf diesem Material losgelassen würden, etwas Spektakuläres das Ergebnis sein könnte.

Connors Partitur schuldet Sondheim viel, doch, das gesagt, begibt sie sich in sehr interessante Bahnen. Komplex und fein, belohnen die Melodien und Harmonien aufmerksame Zuhörer, aber es besteht keine Gefahr für eine „mitssummelbare Melodie“ die meiste Zeit, obwohl einzelne Nummern und Gesangslinien recht bezaubernd und sofort angenehm sind.

Der Song, der den zweiten Akt eröffnet, ist fehlkonzipiert und muss ersetzt werden. Mitten in einem Kampf um Integrität, Wahrheit und Konsequenzen ist ein armer entfernter Verwandter des Einsamen Ziegenhirten nicht nur störend, sondern unbegreiflich. Ebenso sollte das regelrechte Liebeskind von „Being Alive“, das den ersten Akt abschließt, umgearbeitet werden; etwas näher an der Stimmung von „Climb Every Mountain“ könnte überzeugender sein.

Gesanglich war der Rest der Besetzung hervorragend in den größeren Ensemble-Nummern und einige der individuellen Arbeiten waren solide. Annie Wensak, als die Margo Leadbetter des Dorfes, die Himbeermarmelade herstellende, urteilende Elitistin Mrs Deakin, brachte einige geschickt gesetzte komödiantische Nuancen (dringend notwendig angesichts der Dunkelheit der Erzählung), aber es fehlte an Kohärenz.

Dennoch ist der Punkt dieser Inszenierung, ein Musical als ein Werk im Fortschritt zu präsentieren, und dementsprechend besteht kein Zweifel, dass es gelingt: trotz offensichtlicher Mängel und eines Bedarfs an dramaturgischer Verfeinerung hat Der Bahnhofsvorsteher eindeutig Potenzial. Die Gerüchte über den Tod des neuen britischen Musicals sind stark übertrieben.

Kudos an Aria Entertainment für die harte Arbeit, um sicherzustellen, dass die Gerüchte übertrieben bleiben. From Page To Stage läuft bis zum 21. November und ist für alle, die sich für Musiktheater interessieren, lohnenswert.

Der Bahnhofsvorsteher läuft bis Sonntag, den 15. November 2015 im Tristan Bates Theatre