REZENSION: Die Leiden des Satans, Tristan Bates Theatre ✭✭✭✭

Die Company von 'The Sorrows Of Satan' 'The Sorrows Of Satan'

Tristan Bates Theatre

21. Februar 2017

4 Sterne

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Dieses köstliche neue Musical ist das geistreichste, eleganteste und außergewöhnlichste neue Stück, das derzeit angeboten wird.  Eingebettet in das reizvolle Tristan Bates Theatre für einen beispiellosen sechs-wöchigen Lauf, ist Adam Lensons intelligente Inszenierung von Luke Batemans und Michael Conleys bemerkenswertem Vier-Personen-Stück eine wunderbare Unterhaltung, die alle Arten von Publikum bezaubern und erfreuen soll.  Auch die musikalische Inszenierung stammt von Regisseur Lenson.

Die Autoren haben den Bestsellerroman von Marie Corelli aus dem späten 19. Jahrhundert, nach dem das Musical benannt ist, in die aufregenderen 1920er-Jahre versetzt und ihre warnende Geschichte über literarische Ambitionen in das glamouröse West End voller neuer Musical-Komödien transponiert, in die Welt von Ivor Novello, Noel Coward, H M Tennant und C B Cochrane.  Bateman steht ihnen im Schreiben unvergesslicher Melodien problemlos gleich: Drei Tage nach der Premiere singe ich sie noch immer – und das kann ich von keinem anderen neuen Score, den ich kürzlich gehört habe, behaupten.  Als Theaterkomponist geht Bateman einen langen Weg.  Corelli, von Oscar Wilde bewundert, hat ein gutes Gespür für schön konstruierte Einzeiler und Aphorismen, und Conley hat das Beste von ihnen aus ihrem Buch herausgeholt und kunstvoll in sein einfallsreiches Skript eingewoben.  Der Dialog ist wunderschön gut getimt und erzeugt einen ordentlichen Feuersturm von Gelächter.  Als Texter ist er ein passender Vergleich mit den Besten von Cole Porter oder E Y Harburg: Es gibt einen großartigen Befehl und Kontrolle der Sprache in seinen sorgfältig gestalteten Texten: ‚Tartarus‘ ist ein besonders bemerkenswerter Erfolg, der genauso verzaubert, wie er ein Lächeln hervorruft.  Aufgrund dieser Partitur bezweifle ich, dass irgendein Publikum Bateman und Conley nicht an die Spitze des neuen Musicaltheater-Schreibtalents in diesem Land stellen wird.

Dale Rapley als Lucio

Diese Produktion ist gesegnet mit Interpreten, die erfreulicherweise mit ihrem Stil im Einklang stehen.  In dieser komischen Nacherzählung der Faust-Story wird Satan in der leibhaftigen Form von Prinz Lucio Rimanez dargestellt und von Dale Rapley mit urbaner Lässigkeit gespielt.  Sein Ziel, der verzweifelte erfolglose Autor von Musical-Komödien, Geoffrey Tempest, wird ansprechend von Simon Willmont dargestellt.  Das bequeme Liebesinteresse, ein Trio von ansprechend kontrastreichen Rollen, die gemeinsam als ‚Die Frau‘ identifiziert werden, wird von Claire-Marie Hall gespielt, die großen Spaß an ihren Rollenwechseln hat.  Und schließlich kommt die Musik aus dem großen Onstage-Salonflügel, gespielt von Rimanez‘ höllischem Sidekick, Amiel, prächtig ausgeführt von Stefan Bednarczyk.  Dieses Quartett von Schönheiten ist in der Tat damit betraut, so ziemlich eine Revue-artige ‚Lesung‘ von Tempests neuestem (schrecklichen) Werk zu machen, das irgendwie die Aufmerksamkeit unseres Gastgebers, Prinz Lucio, auf sich gezogen hat, der allmählich Tempests unspielbaren Kram durch Werke von weit größerer künstlerischer und dramatischer Bedeutung ersetzt.

Simon Willmont, Claire-Marie Hall und Stefan Bednarczyk

Conley hat auch das wunderbare expressionistische, fast monochrome Box-Set der Wohnung des Rimanez-Haushalts entworfen: Ich rate, aber der Blick aus dem Fenster lässt mich an Belgravia denken.  Tatsächlich ist das gesamte Produktionsdesign (Associate, Craig Nom Chong) in einer strengen Palette aus Schwarz, Grau, Weiß und Krokusorange gehalten, mit Feinheiten der hübschen Kostüme bereitgestellt von S Newman & Son.  Sam Waddington – dieses aufstrebende Theatergenie – beleuchtet alles mit seiner gewohnten Brillanz und Ökonomie und ist besonders geschickt darin, die verschiedenen ‚Schichten‘ des Skripts zu öffnen.

In diesen eleganten, wenn auch düster schönen Umgebungen nimmt das gelesene Skript das Thema – würden Sie es glauben? – der Schwierigkeiten rund um eine Produktion eines Stückes namens, ‚The Sorrows of Satan‘ an.  Tatsächlich haben wir, wenn ich alle Schichten richtig verstanden habe, ein Stück über ein Stück über ein Stück.  Wir haben eine Geschichte, in der alle Charaktere existieren, um andere Charaktere zu spielen und – in sich selbst – lediglich Projektionen von Archetypen aus einem alten und oft nacherzählten Mythos sind.  Daher, trotz seines pastichehaften Erscheinungsbildes, liegt der Arbeit ein deutlich postmodernes Empfinden zugrunde, das sie wie ein Ding des Augenblicks erscheinen lässt und ihr eine erheblich zeitgenössischere Bedeutung verleiht, als zunächst ersichtlich ist.  Sie übt eine intellektuelle Faszination aus und nimmt zugleich eine direkter dramatische Anziehungskraft.  Nichtsdestotrotz sind dies immer noch Menschen, über die wir mehr erfahren möchten, und es gibt einen Punkt – manchmal schwer zu lokalisieren, aber dennoch einen Punkt – an dem wir von ihnen aktiv auf einer erhöhten, lyrischen Ebene hören möchten.  Man möchte nicht zu kühl und distanziert sein in einer Geschichte, die schließlich von menschlichen Leidenschaften und den Schwierigkeiten handelt, die wir alle beim Verhandeln erleben.  Möglich, dass das Skript manchmal von wichtigen Handlungsmomenten abweicht, die effektiver sein könnten, wenn sie überzeugender präsentiert würden: zum Beispiel könnte die Entscheidung von Tempest, seine Seele dem Teufel zu verkaufen, überzeugender wirken, wenn sie mit mehr Aufbau und weniger offhand gestaltet würde – es ist ein axiomatischer Moment.

Claire Marie Hall

Es wurde jedoch bewusst entschieden, den Beginn des Stücks auf eine Weise zu präsentieren, die das Publikum zu objektiven Beobachtern der sich auf der Bühne entfaltenen Gespräche macht.  Später wird die Handlung sehr viel energischer und dynamischer, und wir werden sicherlich viel tiefer in ihre Welt hineingezogen als zu Beginn.  Argumentativ könnte das letztere eine angenehmere Position für das Publikum sein, als die erste, und ich würde nicht ausschließen, dass es im Laufe der Aufführung einige Anpassungen geben könnte.  Was die Platzierung und den Effekt von Musiknummern betrifft, wenn die einzelnen Charaktere wertvolle Momente erhalten, um in Liedern ihre Situationen zu offenbaren und zu erkunden, sind wir – das Publikum – gern dabei.  Wenn sie jedoch das (absichtlich) schreckliche Zeug singen müssen, das der Charakter Tempest für sie zusammengeschustert hat – bevor Seine Hoheit so hilfreich einschreitet und ein unendlich besseres Angebot macht – sind wir weniger erfreut.  Tatsächlich gibt es mindestens drei Momente im ersten Akt, die ein Solo verlangen, das die Charaktere offenbart oder die Handlung von diesen interessanten Charakteren entwickelt.  Ich würde nicht überrascht sein zu erfahren, dass es in der Entwicklung des Werks solche Songs gab.  Jetzt, da das Stück auf den Beinen ist und vor dem Publikum steht, denke ich, dass es vielleicht möglich ist, dass sie – oder etwas Ähnliches – zurückkehren könnten.

Drei Jahre in der Entstehung, für dieses Unternehmen müssen wir dem großartigen Regisseur und Förderer neuer Musicals, Lenson, danken, der die Autoren dazu gebracht hat, das Werk überhaupt erst zu beginnen.  Nachdem er eine großartige Arbeitsbeziehung mit ihnen in ihrem vorherigen Projekt, ‚Personality‘, aufgebaut hatte, fragte Adam, ob sie etwas Kleineres entwickeln könnten, das leichter in die vollständige Produktion zu bringen sein könnte.  Das Ergebnis ist dieses Stück.  Anfänglich als Zwei-Personen-Stück gedacht, wurde es erlaubt, etwas größer zu werden, bleibt jedoch ein ordentlich fokussierter Erfolg, bei dem wir in einer klaustrophobischen Erfahrung stecken, die uns ständig auffordert zu erwägen, wer die Charaktere wirklich sind und wer wir selbst sind.  Die finanzielle Unterstützung für den sorgfältigen Entwicklungsprozess wird von Executive Producer Alfie Taylor-Gaunt und Joel Fisher, seinem Partner bei FTG Productions, geleistet, die das Wachstum dieses Projekts von seiner Entstehung an vorangetrieben haben.  Ich habe sie alle bei einer Vorstellung des Großteils des ersten Akts dieses Stücks vor mehr als einem Jahr im St James’s Studio getroffen.  Und jetzt führen sie weiterhin mit diesem bahnbrechenden Unternehmen im Tristan Bates einen abenteuerlichen neuen Weg.

Das Theater gehört zum Actors’ Centre, gleich neben Seven Dials in Covent Garden.  Der kreative Programmleiter des Centrums, Michael John, ist bestrebt, die Nutzung des Theaters zu erweitern, und jetzt, gemeinsam mit Theaterproduzent Matthew Keeler, öffnen sie den Veranstaltungsort für wesentlich längere Läufe als das üblicherweise schnell wechselnde Programm.  Sechs-Wochen-Läufe werden ausprobiert, mit dem Ziel, neuen Arbeiten die Möglichkeit zu geben, ein Publikum zu finden und aufzubauen: als Ziel ist dies ehrgeizig, aber wenn die Qualität der ersten Produktion ein Zeichen ist, dann gründet es auf höchstem künstlerischen und professionellen Niveau.  Mit dem Apollo, Shaftesbury Avenue, führend mit seinem Menü an kurzen und mittellangen Läufen, The Other Palace, das seine Türen für dasselbe öffnet, das Arts Theatre und Trafalgar Studios, die kontinuierlich schnelle Wendungen in neuen Produktionen bieten, und einer völlig neuen West End-Theaterentwicklung von Cameron Macintosh, die ernsthaft geprüft wird, scheint die Branche einen Aufschwung zu erleben.

Wie es jetzt ist, ist ‚The Sorrows of Satan‘ eine prächtige Unterhaltung, bei der wir großartiges neues Talent ‚in vitro‘ sehen können.  Es wird faszinierend sein zu sehen, welche Art von Publikum sie für dieses Werk anziehen.  Für mich jedenfalls singe ich noch immer den ‚diabolo in musica‘ Walzer, der Tempest in der ersten Hälfte so fasziniert, und das überragend brillante ‚Tartarus‘!  Ich werde zurück sein, um sie, und den Rest dieser wunderbaren Partitur, wieder richtig im Theater zu hören – in der Kulisse dieser großartigen neuen Musical-Komödie – mit einem satanischen Dreh.

Bis 25. März 2017

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