KRITIK: Die Schuhmacher Ferien, Swan Theatre ✭✭✭✭

Die Compagnie von The Shoemaker's Holiday. Foto: Pete Le May The Shoemaker's Holiday

Swan Theatre

28. Februar 2015

4 Sterne

Gregory Doran weiß wirklich, was er tut, wenn es um das Repertoire geht. Als die Idee „Kein Shakespeare im Swan“, während das gesamte Shakespeare-Repertoire auf der RST-Bühne gezeigt wird, erstmals angekündigt wurde, schien dies eine interessante Idee zu sein: das Werk Shakespeares in den Kontext zu stellen, indem die Werke seiner Zeitgenossen ständig daneben gezeigt werden. Aber im Laufe der Zeit wird klar, dass es nicht nur interessant, sondern inspiriert ist.

Die Werke von Shakespeares Zeitgenossen zu sehen, hilft uns, das Leben und die Dringlichkeit zu verstehen, die Shakespeares Werk zugrunde liegen, die Themen und Probleme, über die er schrieb oder gegen die er sich wandte, den öffentlichen Appetit zu der Zeit, als er schrieb. All dies hilft uns zu verstehen, warum Shakespeare der herausragende Dramatiker seiner Zeit war, wahrscheinlich zu jeder Zeit, und ermöglicht uns, seinen Humor, seine Popularität und Zeitgenossenschaft zu erfassen.

Thomas Dekkers festliche Komödie, The Shoemaker's Holiday, die jetzt im Swan Theatre gezeigt wird, ist in dieser Hinsicht ein Paradebeispiel. Es wird allgemein als Erwiderung auf Shakespeares Henry V betrachtet, spielt ungefähr zur gleichen Zeit, mit gewöhnlichen Männern, die zwangsweise gegen Frankreich in den Krieg geschickt werden, einer zentralen Falstaff-ähnlichen Figur und einem König, der sehr anders ist (melodisch, klug, schelmisch) als derjenige, den Shakespeare noch einmal in die Bresche schicken würde. Es mit Kenntnis von Henry V zu sehen, verbessert es sofort; man erwartet, dass, wenn Dorans Produktion von Henry V später in diesem Jahr in der RST eröffnet, diejenigen, die Philip Breens Produktion von The Shoemaker's Holiday gesehen haben, es umso mehr schätzen werden.

Breen schöpft jede komische Möglichkeit aus dem Stück. Die Repertoiregesellschaft, die in dem dramatischen und mitreißenden Oppenheimer so gut war, erweist sich auch in der derben Komödie als ebenso geschickt. Es gibt schlaue Einwürfe, bösartige Beleidigungen, schmutzige Doppeldeutigkeiten, lärmende Gags, alberne Akzentroutinen, Furzwitze, Griffigkeitsfröhlichkeit, physikalische Komödie, Kostümkomödie, Gagssicht, Clownerie - Sie nennen es, es kann in Breens durchsichtiger, schnelllebiger und äußerst unterhaltsamer Produktion gefunden werden.

Wie alle guten Komödien hat sie eine alberne, aber komplizierte Handlung. Ralph, ein Schumacher, hat kürzlich Jane geheiratet. Er wird zum Militärdienst gezwungen, und sein Meister, Simon Eyre, versucht, den Colonel zu bestechen, damit Ralph bei seiner Frau bleibt. Aber der Colonel lässt sich nicht bestechen und Ralph zieht in den Krieg. Dies trotz der Tatsache, dass der Colonel selbst seine Position in der Armee verlässt, um einen Weg zu finden, um seine eigene Liebe, Rose, zu umwerben. Roses Vater und sein eigener Vater sind der Heirat aus verschiedenen Gründen (Geld und Status) abgeneigt, also gibt der Colonel (Rowland) vor, Niederländer zu sein und nimmt eine Stelle als Schumacher bei Eyre an.

Ein Aristokrat, Hammon, sieht Jane und umwirbt sie und teilt ihr mit, dass ihr Ehemann im Krieg in Frankreich getötet wurde. Sie ist von der Nachricht erschüttert und obwohl sie Hampelns Hand zunächst ablehnt, gibt sie nach und stimmt zu, ihn zu heiraten. Sie will nicht arm und allein gelassen werden. Aber Ralph ist nicht tot; verwundet, schwer, kehrt er aus dem Krieg zurück. Bei einer Hochzeit, die stattfinden soll, und einer Hochzeit, die zu vermeiden ist, gibt es viel für die Schuster zu tun. Fügen Sie einen Trick mit einem Schiff und lustig akzentuierte Ausländer hinzu, was dazu führt, dass Simon Eyre zum Bürgermeister erhoben wird, und Sie haben die allgemeine Idee.

Eine Menge alberner Unsinn. Aber großartig, viel Spaß.

Max Jones' Kostüme sind üppig und farbenfroh und verschönern und reflektieren perfekt die Machenschaften der Erzählung. Hammons Outfits sind zum Lachkrampf lustig und etablieren ihn mühelos als eingebildeten Pfau. Simon Eyres Outfits verstärken seine vulgäre und kampflustige Geschwätzigkeit, und die seiner Frau spiegeln ihre raffgierigen, Fischweib-Gemütlichkeiten wider. Der luschige Glamour der Königskostüme bereitet seinen Charakter perfekt vor und macht seinen letzten Moment umso erschütternder.

Das Bühnenbild ist schlicht, aber es gibt gewaltige Set-Pieces: der Boden bemalt, um reiches, grün-blaues Marmor zu ähneln; das große, runde Buntglasfenster, hoch über der Bühne; die unerwartete Nutzung einer Falltür. All dies ermöglicht ein einfaches, effektives Bühnenbild und erlaubt größtmögliche Bewegungsfreiheit.

Gibt es eine kleine Beanstandung am Bühnenbild, so ist es, dass zu viel der Handlung durch stationäre, beobachtende Körper blockiert wird. Es ist einfach genug, die Plattformen am Ende der Bühne zu nutzen, um Leute von der Bühne zu bringen, die nichts zu sagen haben, aber deren Anwesenheit die Handlung für einen Großteil des Publikums blockiert. Und wer auch immer Hammons Kostüm anzieht, sollte mehr Sorgfalt verwenden: Ein deutlich sichtbares Etikett neigt dazu, die erstaunliche Wirkung seines Hochzeitskostüms abzuschwächen.

Dennoch sind dies kleine Probleme, insbesondere angesichts der Qualität der Schauspielerei und der großartigen Art und Weise, wie fast die gesamte Gruppe den lange zuvor komponierten Text von Dekker meistert und verständlich macht.

Zentral zu den Herrlichkeiten hier und in lärmendem, vollmundigem und bellizisten Modus ist David Troughton hervorragend als Simon Eyre. Gesegnet mit einer reichen und resonanten klassischen Stimme alter Schule, genießt Troughton jedes Wort, spuckt Phrasen und Sätze in die Luft, sorgt dafür, dass sie fruchtig, perfekt abgewogen und immer treffsicher sind. Er kann trivial oder bedeutend, lasziv oder gütig, frivol oder wirklich berührend sein; aber er ist immer unwiderstehlich. Seine mitreißende Rede an den König im letzten Akt ist kraftvoll und bewegend; der Moment, in dem er die Möglichkeit bestaunt, dass einer seiner Schuster ein Lebensmittelhändler werden könnte, fasst die Lebenslust seines Charakters zusammen: seine Aussprache des Wortes „Pflaume“ war atemberaubend.

Sein köstliches, völlig fesselndes Spiel bei der Ansicht hier lässt einen wünschen, verzweifelt, dass er Falstaff in den jüngsten Doran-Versionen von Henry IV gespielt hätte statt Antony Sher. Troughton wäre der wahre Deal gewesen: Doran muss vorsichtig sein bei der Besetzung von Sher, sonst könnte er seine Amtszeit als RSC-AD in ein Nepotismus-Wirbel begraben.

Vivien Parry bot als Mrs. Eyre ein hervorragendes komödiantisches Genie. Schrecklich und unwiderstehlich, war sie ein kraftvolles Kontrastprogramm zu Troughton. Ihr Timing war ebenso außergewöhnlich wie ihre vokale Dynamik. Perfektion in einer Art Madame Thernadier – ihr aufgelöstes, grell-elisabethanisches Erscheinungsbild, als das Geld ihr zufällt, war sensationell.

Als Firk, der freche, lärmige, aber letztendlich gutherzige Schuster (eine Art archetypischer Gewerkschafter), war Joel MacCormack ganz wunderbar. Sein Sprachverständnis war meisterhaft, und er konnte Belligeranz genauso leicht spielen wie komische Anstachelung. Geschickt positionierte er Firk als den fast Sohn von Troughtons Eyre: ähnlich, beeinflusst, aber sehr eigen und exzentrisch. Eine gewinnende und vollständige Darbietung.

Jack Holden war strahlend als der Anti-Henry V. Der König erscheint erst ganz am Ende des Stückes und er hat zwei Zwecke: die Plotfragen zu lösen, indem er Rowley begnadigt und ihn verheiratet; und die überraschende Wendung zu liefern. Holden, ein schlauer, cleverer Darsteller, zieht beides perfekt ab. In einer Besetzung von großen, größeren als das Leben-Charakteren entscheidet er sich für das Underplay und etabliert sich damit sofort als abgetrennt vom Rest der Besetzung. Wenn man Tüdeligkeit spielt, bringt das selten solch Belohnungen, wie Holden sie hier erreicht. Es ist interessant, diesen Dekker-Monarchen die Worte vorwegnehmen zu hören, die WS Gilbert ein paar hundert Jahre später für Sir Joseph Porter schreiben würde - Liebe nivelliert alle Klassen.

Wegen der Indisponiertheit von Michael Hodgson trat Holden auch als der wilde, mit heftigem Akzent versehene Seemann auf, der Eyres Schicksal verändert. Holden kanalisiert hier seinen inneren Monty Python zu großem komischem Effekt. Gleiches gilt für Josh O'Connor als der schicke Rowley, der sich, als holländischer Schuster, unter Eyres Männer versteckt, als er gegen Frankreich kämpfen sollte. Sein lustiger holländischer Akzent sorgt für viele Momente echten, überraschenden komischen Vergnügens.

O'Connor ist durch den Matinee-Idol-Stab geschlagen worden und ist ganz der gutaussehende Hauptdarsteller. Was Thomasin Rands Aufgabe als Rose umso einfacher macht. Schön und temperamentvoll, macht Rand eine feine Rose, obwohl ihre Stimme nicht so warm und verführerisch ist, wie man es sich wünschen würde. Ihre Kleider sind sensationell und sie trägt sie gut, mit einem lebhaften Stil, der fesselt.

Als Ralph ist Daniel Boyd hervorragend: sanft, fürsorglich und bescheiden trägt er die Lasten, denen er begegnet, mit Anmut und Geschick. Der Moment, als er erkennt, dass der Schuh, den er zur Vorbereitung einer Hochzeit kopieren soll, seiner eigenen Frau gehört, schimmert vor Schmerz. Als seine Frau Jane ist Hedydd Dylan wirklich reizend und zeigt klar die verworrenen Gefühle dieser Kriegswitwe und des Pfauenbeute.

Jamie Wilkes ist sensationell als der Pfau, Hammon. Absurderweise extravagant, mit einer Aussprache, die der Königin keine Schande bereiten würde, hat Wilkes die Komödie seines Charakters vollständig im Griff. Die Szene, in der er versucht, Jane zu gewinnen, ist das komische Highlight des Abends; dicht gefolgt von seinen Kostümen und deren Auftritten. Er weiß genau, wie man ein Outfit für präzisen komischen Effekt wirbelt.

Der laufende Furzwitz wurde geschickt von Laura Cubitt (Cicely Bumtrinket) gehandhabt und es gab temperamentvolle und ausgezeichnete Arbeit von Sandy Foster (einer schwatzhaften Sybil), Andrew Langtrees hervorragendem Dodge und Tom McCall (der als Hodge einspringt).

Tatsächlich ist das gesamte Ensemble in hervorragender Form. Die musikalischen und Tanznummern sind besonders wunderbar, mit Jason Carrs originaler Musik, die besonders effektiv ist. Ayse Tashkiran ist verantwortlich für die Bewegung, die perfekt funktioniert.

Breens Arbeit hier ist erstklassig: ein vergnüglicher, herzlicher Lachzeit im Theater. All dies machte die letzten Zeilen des Königs, umso unerwarteter und erschütternder:

Wenn all unser Sport und Bankettieren beendet ist,

müssen Kriege die Unrechte korrigieren, die die Franzosen begonnen haben.

Der Beweis, wenn ein Beweis benötigt wird, dass Dorans Vision für das Repertoire bei der RSC solide ist.

The Shoemaker's Holiday läuft bis zum 7. März 2015. Besuchen Sie die RSC-Website.