BEWERTUNG: The Rivals, Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

Die Rivalen

Arcola Theatre

16. Oktober 2014

5 Sterne

Rezensent - Tim Hochstrasser

Inszenierungen von Sheridans zwei großen Stücken, Die Rivalen und Die Schule der Frauen, scheinen heutzutage seltener zu sein, was sehr bedauerlich ist, da jedes Stück eine wunderbare Bandbreite an Gelegenheiten für hochwertiges Bühnenspiel aller Art bietet, mit Rollen, die gleichermaßen Gewicht und Witz für Männer und Frauen haben. Wenn alle Stücke von Wilde, sogar seine weniger bekannten, regelmäßig aufgeführt werden, ist es verwunderlich, dass diese beiden Meisterwerke, die in ihren stilisierten Herausforderungen so ähnlich sind, viel weniger sichtbar sind. Es ist daher sehr erfreulich, die Gelegenheit zu haben, eine sehr feine neue Version von Sheridans erstem großen Erfolg zu würdigen, die noch ein paar Tage im Arcola Theatre in Dalston läuft. Versäumen Sie es nicht, solange es noch möglich ist….

Die Rivalen ist kein perfektes Stück. Es fiel bei seiner ursprünglichen Produktion im Jahr 1775 durch, und selbst nach erheblichen Kürzungen und Überarbeitungen kann die zweite Hälfte in die Länge gezogen wirken. Ein Großteil der Handlung ist bis zu diesem Punkt entfaltet, und die Aufmerksamkeit des Publikums kann schweifen, wenn der Text nicht mit Tempo und viel einfallsreicher Bühnenbewegung und Geschäftigkeit aufgeführt wird. Produktionen können auch leicht zu gemütlich werden, wenn sie es als Kostümdrama behandeln, das eine Star-Bühne für die Schauspieler bietet, die Mrs. Malaprop, Sir Anthony Absolute und die beiden Paare spielen, deren Bewegungen um, weg und letztendlich aufeinander zu das Hauptgeschäft bilden. Doch es sollte ein nervenaufreibendes Spiel sein, das sich nur schließlich und widerwillig in einen Rhythmus der Partnervermittlung einfügt.

Ständige Ausbrüche von Wut, sexueller Frustration, Diskriminierung von Stadt gegen Land und Engländer gegen Iren, sowie Feindseligkeiten von Sohn gegen Vater, Diener gegen Meister und Herrin ziehen sich wie ein Leitfaden durch jede Szene; und verschiedene Kategorien von geschlechtsspezifischer Eitelkeit, sowohl misogyn als auch misanthrop, sind die Wurzel vieler der humorvollen Elemente, von denen einige immer noch verstörend grausam und verspottend sind. Es war die Grobheit des Stücks, nicht seine Verfeinerung als Komödie der Manieren, die seine ursprüngliche, etwas skandalöse Rezeption dominierte; jede Produktion muss diese Eigenschaften einfangen, wenn wir das Stück neu betrachten sollen.

Es ist sehr dem Verdienst der Besetzung und des kreativen Teams zuzuschreiben, dass sie den Mut haben, auf Aktualisierungen des Stücks zugunsten von Neuheiten zu verzichten und stattdessen tief in den Text einzudringen, um neue und überzeugende Antworten zu finden.

Regisseurin Selina Cadell schreibt im Programmheft, dass 'Schauspieler heute sehr daran gewöhnt sind, Stimmung auf den Inhalt zu projizieren, wobei ihre Beziehung zur Sprache viel weniger sicher ist. Die Herausforderung für den Schauspieler in der Komödie der Restauration besteht daher darin, herauszufinden, wie die Figur durch die Sprache und nur die Sprache existiert.' Anstatt eines falschen Naturalismus, nehmen sie die Herausforderung an, in der Künstlichkeit die Natur zu finden, als ob es bereits Wilde's 'triviale Komödie für ernsthafte Leute' wäre. Die Schauspieler spielen ihre Rollen todernst und der Humor ist dadurch natürlich umso größer. Darüber hinaus finden sie genau das richtige Tempo für den Text, indem sie die Lieferung von Sheridans meisterhaft gestalteten Reden nicht übereilt. Die langen Sätze zu reiten, mit ihrer Ansammlung von ausgleichenden und qualifizierenden Nebensätzen, erfordert Geschicklichkeit ähnlich wie bei einem Surfer auf der Welle eines brechenden Sturms… wenn man zu weit zurückhält, verliert man das Publikum; wird die Abfolge geplaudert, versäumt man die Pointe.

Jeder Darsteller war hier vorbildlich darin, sich Zeit zu nehmen, wenn nötig, und das Tempo zu erhöhen, wenn Dynamik und physische Interaktion der Szene dies erforderten. Indem sie der Sprache auf der Seite vertrauen und sorgfältig durch sie die Figur entwickeln, waren die Gewinne in den finalen Szenen umso größer, wenn der Plot-Trieb nachlässt: Solch detailreiche Aufführungen bringen in diesem Stadium einen eigenen Humor. Jeder Schauspieler erkannte, dass in einer Zeit, in der Berührung und menschlicher Kontakt eingeschränkt und formal waren, die Sprache im vollen Spektrum von feinem Witz bis zu kühner Derbheit das Spektrum der Emotionen, Frustrationen und Eifersüchte ausspielen musste, die in einem modernen Stück durch Körpersprache ausgedrückt würden. Es ist und war völlig akzeptabel, die 'vierte Wand' häufig zu durchbrechen und uns daran zu erinnern, dass wir uns in einem Stück befanden, so wie das Publikum des achtzehnten Jahrhunderts diese Erfahrung sah, aber damit das funktioniert, muss die Sprache mit äußerstem Respekt behandelt und mit vollem Leben gespielt werden. Es war ein seltenes Vergnügen, den Text mit solcher Sicherheit und schierer dreidimensionaler Freude an seinen imaginativen Möglichkeiten gehört zu haben.

Es gibt keine schwachen Glieder in dieser fein abgestimmten Besetzung und es ist unausweichlich ungerecht, bestimmte Aufführungen hervorzuheben. Aber für ihr technisches Können, uns über einen vertrauten Text neu nachdenken zu lassen, muss ich Iain Batchelors Jack Absolute und Nicholas Le Prevosts Aufführung als seinen Vater loben. Indem er Wut androhte, sie aber nicht lieferte, bis zu dem Punkt, an dem man es nicht erwartet, gab Le Prevost eine Meisterklasse im komischen Timing; und Batchelor füllte jeden Aspekt seiner facettenreichen Rolle als Captain Jack und Fähnrich Beverley mit charmanter Erfindung aus.

Gemma Jones schäumte und wirbelte effektiv als Mrs. Malaprop, ein Puschelball aus grauer Seide und rosa Tüll, und verdient Anerkennung dafür, NICHT übermäßig auf ihren kreativen Sprachgebrauch hinzuweisen. 'Die Ananas der Höflichkeit' fand ihren Platz als Höhepunkt eines wunderbaren Abschnitts, nicht als isolierter Witz.

Jenny Rainsford gab sich elegant als Lydia mit mehr Biss und Kampfgeist in dieser Rolle als gewöhnlich, und Justine Mitchell war ein Vorbild stiller, aber präzise zurückhaltender Zurückhaltung als die viel geplagte Julia. Adam Jackson-Smith spielte Faulkland, als wäre er John Cleese, was uns einen nützlichen Bezugspunkt für die mühsam selbstsabotierenden Skrupel der Figur gab.

Die Standardrollen des Iren und des neu in der Stadt befindlichen Landwirts sind im Schreiben weniger gut entwickelt, wurden aber gut umgesetzt. Alle Diener nutzten ihre Momente der Intervention und des Kommentars mit Schwung.

Wenn ich einen Einwand hätte, dann läge er bei der Inszenierung. Das Arcola ist ein ungünstig geformter Raum und erfordert sehr sorgfältige Handhabung, wenn die Szenen leicht ineinander fließen sollen (wie es in der jüngsten Produktion von Carousel sehr gut gemacht wurde). Hier gab es ein wenig zu viel Geschäft zwischen den Szenen, sei es beim Bewegen der Kulisse (z.B. ein unnötiger Ausschnitt einer Urne, die angehoben und abgesenkt wurde, um eine Außenszene anzuzeigen) oder bei Musikintermezzos oder laufenden Gags. In einem Stück, das so lang ist wie dieses und bei dem die Lieferung der Sprache so richtig war, war es schade, dass die Szenen nicht nahtloser fließen konnten, besonders in der strukturell schwächeren zweiten Hälfte. Auch wenn es in Bath spielt, brauchen wir Bath nicht in der Tat, oder zumindest nicht in großem Umfang zu sehen.

Abgesehen von diesem Punkt ist diese Inszenierung eine denkwürdige und zum Nachdenken anregende Version eines alten Favoriten und eines der lustigsten Theaterabende, die derzeit in der Stadt angeboten werden. Sie müssen nicht meiner 'Entgleisung der Epitaphe' zustimmen, verpassen Sie es einfach nicht….