REZENSION: Das Bildnis des Dorian Gray, St James Studio ✭✭✭✭✭

Foto: Evolution Photography Das Bildnis des Dorian Gray

St James Studio Theatre

17. Juni 2015

5 Sterne

Der 20. Juni 2015 ist der genaue Jahrestag der ersten Veröffentlichung der originalen, als Serie erschienenen Magazinversion von Oscar Wildes Roman Das Bildnis des Dorian Gray. Obwohl es mehrere Versuche gab, es zu einem Bühnen- und Filmarbeit umzuwandeln, gibt es keine anerkannte Version für eine Bühnenaufführung, und daher ist dieses neue Unternehmen sowohl zeitgemäß als auch nützlich. Der Umriss der Geschichte ist so vertraut, dass er hier keiner Wiederholung bedarf, aber trotzdem muss ich mit der Feststellung beginnen, dass die Hauptthemen weiterhin von zwingender Relevanz sind. Angesichts des Kults um Berühmtheiten, der sich immer weiter auf unsere Bildschirme und Schlagzeilen ausbreitet, könnte eine Studie über die Natur und die Folgen von Narzissmus nicht zeitgemäßer sein. Wenn die berühmten Aphorismen ins Blickfeld rücken, kann man nicht anders, als zu denken, dass „Genie währt länger als Schönheit“ heute eher eine offene Frage als eine Feststellung wäre und dass Wilde eine tiefere Wahrheit erkannte, als er wusste, als er erklärte, dass „nur oberflächliche Menschen die Welt nicht nach dem Äußeren beurteilen.“ Die glänzende verbale Geschicklichkeit und die Dunkelheit darunter demonstrieren die Wahrheit und Weisheit eines weiteren, früh auftauchenden Spruchs: „Kunst ist gleichzeitig Oberfläche und Symbol.“

Zuallererst muss dem Geschick der Adaption Tribut gezollt werden, mit der Merlin Holland, Wildes Enkel, und John O’Connor mit größter Sorgfalt vorgegangen sind. Sie sind gründlich zu den Originaltexten sowohl des Magazins als auch des (längeren) veröffentlichten Romans zurückgekehrt und haben mehrere wichtige Zeilen wiederhergestellt, die Wilde aus klugen Gründen aus dem endgültigen Standardtext ausgeschlossen hatte. Diese Zeilen machen die verschiedenen homoerotischen Themen des Stücks expliziter und insbesondere klären sie die Figur von Basil Hallward, der in hoffnungsloser und hilfloser Verehrung für Dorian Gray verloren ist, und machen Dorians bewusste Manipulation von Basil umso berechneter und schockierender. Es gibt viele andere geringfügige Anpassungen, die nützlich Aspekte der Figuren glätten oder ausfüllen, die im Original nur indirekt angedeutet sind.

Jede Adaption muss viel Erzählung, wie sie von Dorian berichtet wird, in Drama, Dialog und Charakter umsetzen. Eine große Anzahl interpretativer Entscheidungen muss hier getroffen werden, und größtenteils trifft das kreative Team und die Schauspieler die richtigen Entscheidungen. Beispielsweise wird Sibyl Vane (Helen Keeley) hier zu einer wesentlich substantielleren Figur als im Original entwickelt. Eine Entscheidung wurde getroffen, sie als gute Schauspielerin mit einem entscheidend schlechten Abend zu präsentieren, statt als schreckliche Schmierenkomödiantin, die nur Dorian auf ein Podest heben möchte. Das fügt seiner Ablehnung von ihr beträchtliche Stärke und Schwermut hinzu. Ebenso mit der Erstellung von Hettie, einem weiteren Opfer von Dorians faustischen Vorlieben, die in dem Roman nur beiläufig beschrieben wird.

Das Plotten ist der am wenigsten glaubwürdige und vielleicht auch unwichtigste Aspekt des Stücks: Wie in jedem Gothic-Roman wirkt insbesondere das Ende eigenartig abrupt, ein Effekt, der in dieser Adaption genau reproduziert wird. Aber dann war das Plotten immer der unwichtigste Teil von Wildes Kunst in seinen Komödien und insgesamt hält diese Adaption den Vergleich mit den großen Stücken, die seinen Ruf ausmachen, gut stand. Es ist in der Tat ein Prototyp. Eine zentrale Theatralik ist im Original eingebettet: der Dialog ist bereits ein Stück von Wildes Theaterarbeiten – und in der Tat wurde ein Teil davon später in Lady Windermeres Fächer wiederverwendet. Außerdem beziehen sich viele Szenen eigentlich auf oder basieren im damaligen Theater. Schließlich schreit das ganze wechselseitige Tauziehen zwischen Bild und Sujet, Held und Bild, äußerer Schönheit und innerer Verdorbenheit der Seele nach Darstellung und Darbietung über die gedruckte Seite hinaus. Wir öffnen mit einem überladenen Hinweis auf ein viktorianisches Künstleratelier: einige große, schiefe, leere goldene Bilderrahmen, Künstlerutensilien, eine Chaiselongue und ein Pflanzgefäß, eine Streuung von Stühlen, und im Hintergrund die einschmeichelnden Linien eines Chopin-Nocturnes. Basil Hallward (Rupert Mason) setzt die letzten Handgriffe an seinem Porträt von Dorian Gray (Guy Warren-Thomas), bevor sie von Lord Henry Wotton (Gwynfor Jones) unterbrochen und unterminiert werden. Neben den Hauptrollen trägt jeder der Schauspieler (außer Warren-Thomas) eine Fülle wohl definierter Rollen bei, die Bühne bevölkernd mit den wissenden Dienern, überheblichen Herzoginnen und geschäftstüchtigen Händlern, die Teil des sozialen Gefüges der großen Komödien sind. In diesem sinnlichsten aller Bücher ist es entscheidend, dass es viel gibt, was das Auge fesselt, und daher gebührt dem kreativen Team große Anerkennung dafür, dass das Bühnenbild gut ausgestattet ist und eine wunderbare Parade von Kostümen der Epoche in herrlichen Farben und Texturen an uns vorüberzieht. Sogar eine Nebenfigur wie die Ehefrau von Lord Henry sieht tatsächlich so aus, als wäre ihr wallendes Kleid „in einem Sturm entworfen und in einem Sturm angezogen“. Viel Gedanken wurden darauf verwendet, die sinnliche Vorstellungskraft des Publikums anzusprechen, und insbesondere der Regisseur hat Wege gefunden, die Verweise auf das Buch Gegen die Natur von Huysmans und das Gelbe Buch, beides wichtige Inspirationen für Wilde, einzufügen und Dorians Liebesbeziehung zu Stoffen und Düften, wie sie im elften Kapitel des Romans erzählt wird, darzustellen.

Es wäre unangebracht, ein Mitglied dieser Besetzung für Lob hervorzuheben - es gibt mannigfaltige Formen von Exzellenz zu sehen; aber es sei genug gesagt, dass Warren-Thomas nicht auf den Lorbeeren seines Aussehens ruht - er zeichnet den Weg zur gnadenlosen Grausamkeit mit viel Zögern und menschlichen Details aus. Mason macht Hallward zu einer viel sympathischeren und gequälteren Figur als gewöhnlich, und Keeley schafft es, eine echte, abgerundete Figur aus Sibyl zu formen. Unvermeidlich gibt es viele Szenen- und Kostümwechsel, aber diese werden geschickt durchgeführt, ohne unsere Konzentration zu unterbrechen. Tatsächlich ist eine flüssige, flexible Bewegung ein feines Merkmal der gesamten Produktion, und eines, das in einem so beengten und überladenen Raum schwer zu bewältigen ist.

In gewisser Weise ist die schwierigste Rolle zu realisieren die des Lord Henry, der die meisten der edelsteinartigen Aphorismen geben muss, während er sie in naturalistischem Sprechen einbettet. Der Schlüssel zu einer großartigen Aufführung und Produktion besteht darin, den Rhythmus in Wilde zu finden. Wie schafft man einen plausiblen Fluss, wenn die Aphorismen einem im Weg stehen und Zeit und Raum für die Lieferung und Anerkennung verlangen? Manchmal scheint es, als habe Wilde seinen Schauspielern ein Tablett voller Marmelade und Clotted Cream zugeteilt, aber keine Scones. Gwynfor Jones navigiert diese Herausforderung sehr feinfühlig, mit viel Bühnenbewegung und sorgfältig abgestuften und variierten Beschleunigungen und Pausen, ähnlich wie eine Opernsängerin   eine Arie umrahmt. Dies ist eine Vorlesung in rhetorischer Darbietung.

Leider hat diese feine Adaption nur eine sehr kurze Laufzeit – ich hoffe sehr, dass ein weiteres Theater überredet werden kann, uns zu ermöglichen, dieses Stück mit dieser Besetzung noch einmal und bald zu erleben....Es verdient es, für seine eigenen Qualitäten gesehen zu werden, für die frischen Einsichten, die es in ein Werk bringt, das wir nur zu gut zu kennen glauben, und für das, was es uns über Wilde erzählt. Es zeigt auf beispielhafte Weise die drängende, instabile und letztlich tragische Kombination von Talenten und Bestrebungen, die Wildes einzigartige Persönlichkeit ausmachen. Wie üblich erkannte er die Wahrheit vor allen Kritikern: ‚Basil Hallward ist, was ich zu sein glaube: Lord Henry ist, was die Welt von mir hält: Dorian ist, wie ich sein möchte – in anderen Zeiten, vielleicht.’