REZENSION: The One Day Of The Year, Finborough Theatre ✭✭✭✭✭

Fiona Press, Mark Little und Paul Haley. Foto: Mark Douet The One Day Of The a Year

Finborough Theatre

21. Mai

5 Sterne

Der Morgen bricht an. Der Vater ist gereizt, zieht sich an und befiehlt seiner geduldigen, bodenständigen Frau, seine Medaillen zu holen. Er hat einen Morgengottesdienst zu besuchen. Sie macht sich auf den Weg, um sie zu finden. Vater schreit seinen schlafenden Sohn an. Steh auf, wir müssen zum Gottesdienst los. Der Sohn, schuldbewusst aber trotzig, schreit, dass er nicht mitgeht. Vater stürmt ins Zimmer des Sohnes. Der Junge gibt nicht nach, steht in Hemd und Unterwäsche auf seinem Bett und hält stand. Kein Morgengottesdienst für ihn. Der Vater denkt darüber nach, realisiert, dass dieser Kampf nicht gewonnen werden kann, nimmt die Medaillen von seiner Frau, lässt sich von ihr einkleiden und geht los. Nichts wird ihn daran hindern, seinen Tag zu genießen.

Der Sohn fühlt...etwas. Vielleicht unbeschreiblich, aber dennoch etwas. Der Kriegskamerad des Vaters kommt ins Haus, bereit, den Morgengottesdienst und den Marsch auf dem gemieteten Fernseher mit der Mutter anzusehen. Der Sohn stellt das Radio an. Er mag nicht zum Morgengottesdienst gehen, aber er wird ihn anhören. Warum? Gewohnheit? Oder etwas anderes? Während er sich anzieht, erklingt das "Last Post". Der alte Mann steht stramm, erinnert sich; der Sohn hält inne und wundert sich.

Diese Gegenüberstellung dieser beiden Männer, getrennt durch Generationen, Bildung und Erfahrung, aber gefesselt durch die Kraft eines Musikstücks und all das, was damit einhergeht, bleibt dauerhaft und unwiderstehlich in den Köpfen und Seelen des Publikums. So faszinierend und bewegend, wie Theater nur sein kann.

Gregory Doran hat vor kurzem erklärt, dass der Tod eines Handlungsreisenden das größte amerikanische Stück des zwanzigsten Jahrhunderts sei. Auch wenn viele ihm darüber widersprechen werden, stellte sich mir immer wieder die Frage, welches das größte australische Stück des zwanzigsten Jahrhunderts wäre? Auf Londoner Bühnen werden australische Stücke selten gezeigt, obwohl australische Schauspieler dort regelmäßig auftreten, einige im Expat-Modus, andere nicht. Für viele Londoner Theaterbesucher ist es überraschend, dass Australier überhaupt Stücke schreiben.

Aber sie tun es. Und oft sind sie ziemlich gut.

In jeder vernünftigen Liste der zehn besten Stücke, die von einem Australier geschrieben wurden, würde Alan Seymours „The One Day Of The Year“ sicherlich auftauchen.

1960, als es erstmals in Australien produziert wurde, sorgte es für Furore, wurde verboten und Ziel von erbittertem und offenem Verachtung. Polizisten hielten an den Theatern, wo es gespielt wurde, Ordnung. Generationen von Schulkindern in Australien haben es studiert, es ist in und aus der Gunst gefallen, hat ikonischen Status erreicht und wurde fast vergessen. Wie passend, dass das fleißige Finborough Theatre sich entschieden hat, es im Hundertjahrjahr der Gallipoli-Kampagne zu wiederbeleben; das Finborough hat einen wohlverdienten Ruf für die Wiederentdeckung verlorener, übersehener oder vergessener Theaterjuwelen, so ist Seymours Stück ein perfektes Zuhause dafür.

Denn machen Sie keinen Fehler, es ist ein Juwel.

So gut gemacht wie jedes Küchenspüle- oder naturalistische Drama der Zeit, überdauert das Stück, weil es um universelle Konzepte geht, die die Fähigkeit haben, die Leben aller Menschen, die es sehen, zu berühren und zu beeinflussen, unabhängig davon, ob sie Australier sind oder nicht: die Sinnlosigkeit des Krieges; der Gedanke, die Meinung eines anderen zu schätzen; die Konsequenzen von Bildung oder deren Fehlen; und die besondere Zerbrechlichkeit und Schwierigkeit der Bindung zwischen Vater und Sohn, Mutter und Sohn, Ehemann und Ehefrau.

Trotz seiner Kulissen und Erzählung handelt es sich bei diesem Stück nicht um den Anzac Day, den Feiertag in Australien, an dem die Aufmerksamkeit auf diejenigen gerichtet wird, die für ihr Land in Kriegen gekämpft haben, auf die, die getötet oder verstümmelt wurden, oder schlimmer, überlebt haben. Nein. Auf die gleiche Weise, wie „Der Tod eines Handlungsreisenden“ im Wesentlichen vom amerikanischen Traum handelt, so handelt „The One Day Of The Year“ vom australischen Traum oder vielleicht genauer gesagt vom Traum, ein ehrgeiziger Australier zu sein.

Es gibt andere, offensichtliche Parallelen zu Millers Stück: die zentrale Vaterfigur weiß, dass er ein Versager ist, aber geht damit auf unterschiedliche Weise um; die Spannung im Stück entsteht zwischen Vater und Sohn und erreicht ihren Höhepunkt in einer Konfrontation, bei der der Sohn den Vater zwingt, sich den Tatsachen zu stellen; es gibt eine abgearbeitete, treue und müde Frau, die versucht, ihre Familie vor dem Zerreißen zu bewahren; und es gibt einen weisen, nachdenklichen und einsichtigen alten Freund des Vaters, der versucht, die Situation zu stabilisieren und die Katastrophe zu vermeiden.

Aber da enden die Ähnlichkeiten (abgesehen von der inhärenten Größe). Miller hat ein Stück über große Themen und die großen Bild state of the nation issues in Form eines häuslichen Dramas geschrieben; Seymour schrieb ein häusliches Drama über Klasse, Werte und Kompromisse in Form eines epischen Kampfes über eine grundlegende Ecke der australischen Identität.

Regisseur Wayne Harrison, dessen Wiederbelebung von „The One Day Of The Year“ gestern Abend am Finborough eröffnet wurde, versteht dies vollkommen. Er hat mit Alan Seymour an dieser Version des Stücks zusammengearbeitet und es auf subtile, aber effektive Weise aktualisiert. Es ist ein großer Verlust, dass Seymour im April dieses Jahres gestorben ist und nicht miterleben konnte, wie sein berühmtestes Stück neu geboren wird.

Weil dies eine perfektionierte Wiederbelebung eines großen Stückes ist. Harrison hat das Werk sorgfältig ausgegraben, die Wahrheiten, die Bezugspunkte, die Tiefe gefunden und alles lebendig, außergewöhnlich zum Leben erweckt. Dies ist mit Abstand die lustigste Version dieses Stücks, die ich je gesehen habe und, als direkte Folge davon, auch die bewegendste, berührendste und scharfsinnigste Version, die ich je gesehen habe. Und im Laufe der Jahre habe ich Dutzende Produktionen dieses Stücks gesehen.

Harrison nutzt klug die Einschränkungen des Finborough-Raumes zu seinem Vorteil. Das einfache Bühnenbild (Catherine Morgan) stellt genau das sparsame und unkomplizierte Leben der Cooke-Familie dar. Es gibt eine Küche und Hughies Schlafzimmer mit seinem herunterklappbaren Einzelbett. Es gibt keine Extravaganz im Cooke-Haushalt. Harrison nutzt das spärliche Setting gut - Charaktere können sich von Raum zu Raum bewegen, um Effekt zu erzeugen. Wenn Hughie seine Peinlichkeit über seine Familie und ihre Eigenheiten erklärt, kann er in den Raum wandern, in dem sie sich befinden, und sie können sein Missfallen demonstrieren.

Unerwartet gibt es eine geschickte Verwendung von Projektionen als Teil des Sprachgewebes des Stücks. Wie man auch das von Jonathan Munby hinzugefügte Schlusswort zu „Der Kaufmann von Venedig“, das derzeit am Globe gespielt wird, loben mag, das neue Ende dieses Stückes ist nichts weniger als brillant, reflektiert, klar und prägnant die Themen von Tradition, Opfer und Verlust, die Seymour durch den Text webt.

Dies ist so schön und durchdacht inszeniertes dramatisches Theater wie jedes, das derzeit auf einer Londoner Bühne spielt. Es hat nicht die Ressourcen der RSC Produktion von „Der Tod eines Handlungsreisenden“, aber lässt diese Produktion in Bezug auf dramatische Sensibilität und theatrale Kohärenz blass erscheinen.

Die überwiegend präzise Besetzung unterstützt Harrisons Vision enorm.

Mark Little, in wahrscheinlich der Aufführung seines Lebens, ist ein souveräner, komplexer und sehr lustiger, sehr menschlicher Alf. Ein Veteran des Zweiten Weltkriegs, ist Alf ein traditioneller Typ, der ungeniert aus der Arbeiterklasse kommt (er fährt einen Aufzug zum Geldverdienen) und der gespart hat, um sicherzustellen, dass sein Sohn Hughie eine Bildung hat und die Art von Chancen hat, die Alf selbst verwehrt wurden. Laut, sehr trinkfreudig und ein typischer Nörgler (er würde wahrscheinlich ein paar Pints mit Nigel Farage trinken), ist Alf fast eine Parodie von sich selbst.

Fast. Eigentlich ist er dieser wunderbare, betrunkene alte Schelm, der zu betrunken und zu albern wird, aber den niemand wirklich übel nimmt, weil, wenn alles gesagt und getan ist, ist er nur ein gewöhnlicher Kerl, der das Beste tut, was er kann. Es gibt auch eine unterschwellige Gewalt bei ihm, und das stellt seinen schlimmsten Aspekt dar, die äußeren Grenzen seines Überschusses. Dies ist ein Stück, das in einer Zeit geschrieben wurde, in der Männlichkeit anders definiert wurde. Alf behandelt alle, die er liebt, gleichermaßen schlecht, hauptsächlich weil er seinen eigenen Willen so lange durchgesetzt hat, aber, gleichermaßen, liebt er sie wirklich, und er zeigt es. Wenn er kann.

Alf ist eine riesige Rolle, und Little gibt jedem Aspekt des Teils richtige und detaillierte Aufmerksamkeit. Die überschwängliche Mitteilungsfreudigkeit, der plötzliche unvorhersehbare Zorn, die müden Schweigsamkeit, das beharrliche Temperament, die entschlossene Bestimmtheit, der verwirrte Anblick, der boshafte Humor, die alkoholische Betäubung, das Falstaffartige Geschichtenerzählen, die unausgesprochene Hingabe - Little spielt alles, zusammenhängend, empfindsam und unglaublich effektiv. Es ist eine mutige und furchtlose Leistung; Little hat keine Angst, die hässliche Seite von Alf zu enthüllen, und das ist völlig richtig. Ohne das kann die Rolle und das Stück nicht funktionieren.

Little wird mit hervorragender, makelloser Unterstützung von Fiona Press (seiner lang leidenden Frau Dot) und Paul Haley (Wacka, der Veteran beider Weltkriege, der Kriegskamerad von sowohl Alf als auch dessen Vater war) gesegnet.

Press macht Dot auf jede Weise völlig real. Dot ist die Sprecherin der Wahrheit im Stück - sie beobachtet alles und kommentiert das Geschehen mit einer unfehlbaren Schärfe, einer unvergleichlichen Weisheit und einer tief empfundenen Aufrichtigkeit. Press vermittelt mühelos alle Eigenschaften von Dot; ihre Stille ist inspiriert, aber ihre Augen und ihr Mund hören nie auf, ihre Stimmung und Gedanken zu registrieren. Als eine Kraft wahrer, verzeihender Liebe, die fähig ist zu brutaler Ehrlichkeit und einer trockenen Lässigkeit, ist Press' Dot meisterhaft in jeder Hinsicht. Ein vollständiges Vergnügen zuzuschauen.

Die Rolle von Wacka ist eine Falle für schlechte Schauspieler; Seymours Schreiben kann als Gelegenheit für extrem sentimentale, kitschige Übertreibung präsentiert werden. Aber nicht hier. Haley ist vorzüglich als der alte Veteran, der die Cookes liebt, als wären sie seine eigenen, und der nicht prahlerisch über seine Kampferrungenschaften sprechen möchte. Wortkarg und ein wahrer Gegensatz zu Alfs gebieterischen Forderungen präsentiert Haley einen Wacka von großer Tiefe, unnachgiebiger Stoizität. Man glaubt wirklich, dass er dort bei Gallipoli war, sich den schlachtenden Waffen stellte und dann später ein Leben lang die Erinnerungen beiseite schob, leise streng. Wenn ihn Dot schließlich ermutigt, über seinen Schmerz zu sprechen, ist Haley fesselnd, erschreckend, außergewöhnlich. Er ist auch unbestreitbar lustig. Es ist eine fein abgestimmte, perfekt kalibrierte Leistung.

James William Wright spielt Hughie, Dot und Alfs einziges Kind, mit Geschick und Selbstbewusstsein. Groß, schlaksig, gut aussehend und verloren, Wrights fotobegeisterter Hughie ist der perfekte wütende, rebellische Nachwuchs. Er zeigt deutlich Hughies Unterwerfung unter die weiblichen Reize seiner vielleicht Freundin Jan und die beinahe katastrophalen Konsequenzen, die das für seine Familie hat. Seine Beziehung zu beiden Elternteilen ist fein abgestimmt, von der sanften Bewunderung für seine Mutter, die er bitter bereut zu verärgern, bis zur Reue und dem bescheidenen Schamgefühl gegenüber seiner Behandlung seines Ersatzgroßvaters Wacka, bis zur Angst und Abneigung, die er schnell auf den Vater wirft, den er vorübergehend verachtet, aber er weiß, dass dieser sein ganzes Leben für seine, Hughies, Verbesserung geschuftet hat. Es ist eine rohe, offengelegte Leistung, ansprechend und widersprüchlich auf gleiche Weise.

Zwei Momente markieren besonders das breite Spektrum von Wrights Fähigkeiten hier. Er lässt Alfs bösartigen Angriff auf ihn vollkommen glaubwürdig erscheinen; man fühlt fast die blauen Flecken auf dem eigenen Körper, während man Wrights ängstliche, kleine Junge-Reaktion sieht. Dann, später, als er die Hand seines Vaters in einer offenen, unmissverständlichen Demonstration väterlicher Liebe ergreift, bricht er einem das Herz auf eine andere Weise. Obwohl er sich mehr entspannen muss und seiner Leistung genug vertrauen sollte, um Pausen und reflektive Momente zu erlauben, die die Spannung aufrechterhalten, gibt Wright eine erstklassige Leistung einer schwierigen Rolle.

Es steht außer Frage, dass die schwerste Rolle im Stück die von Jan ist, dem Mädchen aus der Oberschicht, das mit Hughie eine Affäre hat, ihn für ihre eigenen Zwecke benutzt, sexuell und beruflich. Es ist in vielerlei Hinsicht eine undankbare Rolle, aber entscheidend. Jan repräsentiert die Aspiration, die Alf und Dot geackert haben, um Hughie zu ermöglichen, Zugang zu dem zu erhalten, aber sie verkörpert auch alles, was sie beide verachtenswert an privilegierten Menschen und ihrer lässigen Missachtung des Wertes der arbeitenden Klassen finden. Ohne Jan gibt es keinen Sand im Austerngehäuse und Hughie kann nicht vom Austern zu einer Perle werden. Sie muss attraktiv genug sein, um Hughie zu versklaven, aber kalt und herablassend genug, um den Zorn sowohl von Alf als auch von Dot auf sich zu ziehen.

Es ist fast unmöglich von einer Schauspielerin zu verlangen, die Rolle von Jan zu spielen, aber Adele Querol bemüht sich tapfer. Sie hat keine Schwierigkeiten mit der dornigen, abscheulichen Seite von Jan; Querol schafft das köstlich und mit echtem Flair, aber sie muss den Teil von Jan, der Hughie fasziniert, weiter ausbauen. Querol muss die Sexkarte entschlossener, lebhafter, allumfassender spielen. Jan reduziert den sonst eloquenten und artikulierten Hughie zu einem stammelnden Durcheinander aus Testosteron und es ist entscheidend, das zu sehen. Dot sieht es – sie hinterfragt Jans Wert. Das Publikum und Hughie müssen es auch sehen.

Die Kostüme (Holly Rose Henshaw) rufen das Gefühl von Australien in den 60er Jahren hervorragend hervor und das Beleuchtungsdesign von Marec Joyce ist wirklich schön und evoziert in einigen Tableaus tiefe Schönheit. Es gibt auch klug eingesetzten Klang - Chris Drohan leistet unaufdringliche, aber sehr effektive Arbeit.

Harrison hat hier etwas ganz Bemerkenswertes erreicht. Eine Wiederbelebung, eine Wiedergeburt eines klassischen Stückes ohne Schnickschnack, sondern nur mit intelligentem, visionären Geschichtenerzählen und erstklassigem Schauspiel. Mark Littles reiche, bombastische und letztlich verzweifelte Alf-Aufführung ist eine Leistung für die Geschichtsbücher, und die Unterstützung, die er von Press, Haley und Wright erhält, ist außergewöhnlich.

Es gibt keine Regie-Selbstgefälligkeit hier, keine Verschwendung von Mitteln oder Talenten, keine sinnlose Aktualisierung, keine idiotische Umpflanzung, keine „um sein willen“ Cleverness oder Selbstvergnügung. Es gibt einfach eine wunderschöne Aufführung eines Weltklasse-Stückes, erleuchtet durch sensible, zutiefst geschickte Regie und überragende Darbietungen.

Wäre es, dass Wayne Harrison mehr für die Londoner Bühne inszenieren würde.

Dies ist das beste geradlinige Drama (das heißt, kein Musical), das derzeit auf irgendeiner Londoner Bühne gespielt wird.

Alles tun, um es zu sehen.

The One Day Of The Year läuft bis zum 13. Juni 2015 im Finborough Theatre