REZENSION: Der Kaufmann von Venedig, Royal Shakespeare Theatre ✭✭✭✭✭

Der Kaufmann von Venedig

Royal Shakespeare Theatre

20. Juni 2015

5 Sterne

Der Jude hat das Messer. Der Vertrag wurde geprüft; der würdige Anwalt hat ihm sein Pfund Fleisch zugesprochen, das Pfand, das bei der Darlehensgewährung von dreitausend Dukaten vereinbart wurde. Der große, attraktive Mann, die Liebe des Kaufmanns, ist da, erschüttert, verängstigt, verzweifelt, aber unfähig zu helfen. Er hat Geld angeboten, seine eigene Brust für das Messer, aber der Jude hat abgelehnt. Er will seinen Vertrag.

Der Kaufmann schöpft Kraft aus der Anwesenheit seines Liebhabers. Er ist da; das ist alles, was für den Kaufmann zählt. Er beruhigt die Menge, zieht sein Hemd aus. Es herrscht plötzlich Ruhe, die Menge wird durch das entfaltende Grauen gestillt. Als der Gerichtsvollzieher ihn an den Stuhl fesselt, wimmert der Kaufmann, wissend, dass sein Tod unmittelbar bevorsteht. Aber der schöne Mann ist da. Er findet kurzfristig Trost darin. Der Jude dreht sich um, das Messer glitzert im Licht. Der Kaufmann beginnt zu hyperventilieren, die Angst und Unvermeidlichkeit der Trennung vom Leben - und vom schönen Mann - überwältigen ihn. Es ist schmerzhaft zuzusehen, fast Folter. Nein, es ist Folter. Der Kaufmann beginnt, bei dem Schrecken des Moments zu würgen. Es sieht so aus, als könnte er einen Herzinfarkt bekommen, bevor das Messer des Juden ihn berührt.

Der schöne Mann ist untröstlich, die Personifikation der zerstörten Liebe. Der Jude ist entschlossen und sieht im Kaufmann das Sinnbild aller Qualen, mit denen das Christentum ihn geplagt hat. Der Kaufmann ist jenseits des Bruchpunkts, praktisch wahnsinnig vor Angst. Erst dann, als alle drei Männer, die ihr Leben geplagt haben, wahrhaftig enthüllt wurden, handelt die neue Frau des schönen Mannes, um den Juden daran zu hindern, das Messer zu führen.

Das ist Polly Findlays fesselnde und aufschlussreiche Erkundung der dunkelsten Winkel von Shakespeares Der Kaufmann von Venedig, jetzt auf der Hauptbühne des RSC zu sehen. Dies ist die dritte große Inszenierung von Shakespeares "Problemstück" im letzten Jahr: Rupert Goolds extravagante Version für das Almeida (die 2011 auf derselben Bühne wie Findlays Version begann) und Jonathan Munbys eindringliche, tief lustige Version im Globe haben den Weg geebnet.

Mit Abstand ist Findlays Inszenierung die beste. In ihren Händen wirkt das Stück gar nicht problematisch.

Es gibt jedoch einen großen Vorbehalt: die Kostüme, wenn man sie so nennen kann, eine bunte Sammlung von unpassenden, grellen und schlecht sitzenden Kleidungsstücken, mehr Flohmarkt als bewusst gestylte Ästhetik, sind entsetzlich. Absolut entsetzlich. Annette Guther's Arbeit hier tut ihr Bestes, um Findlays Vision zu untergraben, aber der Sinn für Regiezweck und die talentierte Besetzung erheben sich über die Fetzen und Flicken, die die Bühne beflecken.

Johannes Schütz liefert dagegen ein wunderbares Bühnenbild. Es ist einfach, aber außergewöhnlich effektiv. Es gibt eine einzige, beeindruckende Wand, die, wenn sie von Peter Mumfords brillantem Licht beleuchtet wird, als riesige verspiegelte Oberfläche erscheinen kann, die den Eindruck erweckt, dass das Publikum in den Bühnengeschehnissen reflektiert wird, oder als Bank von gestapelten Goldbarren, die die merkantilen Aktivitäten der Kaufleute und die Macht, die Reichtum im Stück trägt, als ständige, aber unaufdringliche Erinnerung darstellt.

Findlay scheint ihre Inspiration für die Inszenierung aus dem Text und insbesondere diesem bekannten Abschnitt zu ziehen:

Alles, was glänzt, ist nicht Gold,

Oft hast du das gehört;

Manch einer hat sein Leben verkauft,

Nur um meine Außenseite zu betrachten.

Vergoldete Grabmäler umhüllen Würmer.

Wärst du gewesen so weise wie mutig,

Jung an Gliedern, im Urteil alt,

Hätte deine Antwort nicht im Skript gestanden:

Leb wohl, dein Antrag ist kalt.

Diese Worte sind der Schlüssel zu allen wesentlichen Beziehungen in Findlays Inszenierung. Antonio, der namensgebende Kaufmann, verkauft seine Seele (das Pfund Fleisch aus seiner Brust) an Shylock für Bassanio, in den er allumfassend verliebt ist. Jessica verkauft ihre Seele (ihr Erbe, ihren Vater) für das Versprechen der Liebe mit Lorenzo, aber als er ihren Reichtum und ihre Immobilie hat, zeigt er sein kaltes Desinteresse an ihr. Bassanio verkauft seine Seele, indem er seinen Geliebten Antonio verrät und ihn benutzt, um eine Braut und ein Vermögen zu sichern; dann verrät er seine Frau, und wird sie weiterhin verraten, das Opfer, das Antonio für ihn bereit war zu bringen, lässt ihn erkennen, wo seine wahre Liebe liegt.

Auch Portia hat ihre Seele verkauft. Sie verliebt sich in das glitzernde Äußere von Bassanio und verkauft ihre Seele, indem sie die Wünsche ihres Vaters verrät. Sie betrügt wissentlich in der Frage, welches Kästchen Bassanio wählen sollte und dies ist ihr letztendlicher Untergang. Den Schicksalen überlassen, hätte Bassanio vielleicht nicht das richtige Kästchen gewählt. Aber sie wählt ihr Gold und entdeckt schnell, dass Bassanios wahres Interesse woanders liegt. Das verändert sie.

Das Gift, mit dem sie die Zeile ausstößt "Wer ist hier der Kaufmann und wer der Jude?" zeigt die Realität. Diese Portia kommt nicht vor Gericht, um Gerechtigkeit walten zu lassen, sondern um das Trio zu zerstören, das in ihrem Kopf verschworen hat, sie zu täuschen und zu fangen: Bassanio, der über seine Sexualität und Absichten gelogen hat; Antonio, die wahre Liebe ihres Mannes und derjenige, der die Finanzierung arrangiert hat, die ihn für die Farce, die in ihrer Vereinigung endete, nach Belmont brachte; und Shylock, der Jude, der Bassanio das Geld geliehen hat.

Die Gerichtsszene hier, elektrisierend intensiv, roh und packend, handelt nicht von Antisemitismus oder Gerechtigkeit oder Cleverness: es geht um Rache. Portias Rache. Sie könnte Shylock retten, aber tut es nicht. Sie könnte Antonios Qualen ersparen, aber tut es nicht. Sie könnte sicherstellen, dass Bassanio nicht leidet, aber tut es nicht. Sie weiß, dass ihr Leben mit Bassanio voller Schmerzen und Betrug sein wird, also ergreift sie ihre Chance, wenn sie sich bietet.

Die Ereignisse nach der Gerichtsszene können schwer durchzuführen sein; es scheint eine unkomplizierte, verdrehte romantische Komödie zu sein. Einige Produktionen machen das erfolgreich, andere nicht. Hier werden diese Szenen weder für Romantik noch für Komödie gespielt. Nein. Findlay zeigt das Aufrollen der bereits getroffenen schlechten Entscheidungen: Jessica bereut es, ihren Glauben und ihren Vater für einen kalten, harten, lieblosen Mann verlassen zu haben; Antonio bereut es, Bassanio finanziert zu haben, denn jetzt muss er ihn mit Portia teilen; Bassanio bereut, entdeckt worden zu sein, als was er wirklich ist.

All dies ist erfrischend und faszinierend. Findlay haucht Shakespeares Stück durch den Fokus auf Sex und Gier Komplexität und Gewissheit ein. Aber es mangelt auch nicht an Hass.

Shylock wird als alter Mann gespielt, ein gerissener, aber hart arbeitender Jude, der von den christlichen Kaufleuten des Rialto missbraucht und erniedrigt wurde, nur wegen seines Glaubens. So sehr ist er es gewohnt, angespuckt zu werden, dass er nicht mehr zuckt, wenn es passiert, und er ist langsam, den ausgespuckten Dreck wegzuwischen, weil die Erfahrung zeigt, dass noch mehr folgen wird. Dies ist ein Shylock, der es gewohnt ist, nur geschmäht und verachtet zu werden, weil er anders betet, kein Schweinefleisch isst und seinen Reichtum und seine unternehmerischen Aktivitäten wertschätzt.

Als seine Tochter ihm genommen wird und sie mit etwas von seinem Geld und Schmuck verschwindet, bricht er zusammen - das lange Leben bitterer Misshandlung wird ihm zu viel und er sieht eine Chance auf Rache, indem er den Vertrag gegen Antonio vollzieht, einen der Kollegen von Lorenzo, dem Mann, der seine Tochter mitgenommen hat. Shylock hier ist keine Karikatur; er ist ein gebrochener Vater, über die Grenzen hinaus gepresst. Kein Racheengel - weder Shylock noch Portia - profitiert von der Suche nach Rache: Jeder von ihnen wird dadurch geschmälert. Unglück und Verlust von Reichtum, Liebe und Ansehen sind das, was sie gemeinsam haben.

Gesehen aus Findlays Perspektive ist Der Kaufmann von Venedig ein zeitgenössisches und aufregendes Drama. Es gibt einige gute Lacher, die durch Gobbo (ein inspiriertes Tim Samuels) und Brian Protheros alternden, großartigen Aragon (in jeder Hinsicht herrlich) bereitgestellt werden, aber in anderer Hinsicht ist dies größtenteils eine Achterbahn aus Angst, Sex, Gier und Verrat. Es wirkt in keiner Weise problematisch - es ist eine kühne und anregende Inszenierung eines Stücks, das alle zu kennen glauben. Findlay erfindet Shakespeare hier nicht neu; sie lässt Shakespeare mutig, bösartig und zeitlos sprechen.

Kleine Details sorgen für erhellende Nuancen. Die Kästchen hängen von der Decke, wie verbotene Früchte. Eine riesige Silberkugel, vielleicht ein Pendel, das die Zeit runterzählt, vielleicht ein Symbol der Pfandleihe, schwingt unerlässlich und suggeriert Unausweichlichkeit: Sie wird von Portia aktiviert und reflektiert den Schwung, der ihren Aktionen folgt. Bassanio zeigt Kokain, verspricht es Gratiano für die Reise nach Belmont - braucht er die Droge, um ihn durch seinen "Werbungsprozess" zu bringen? Bassanio, voll machtloser Wut, leert die sechstausend Dukaten, die er mitgebracht hat, um Shylock auszuzahlen, im gesamten Gericht - sie stürzen überall hin, eine nutzlose Decke von Papiergeld in einem Ort, an dem nur Worte zählen.

Findlay hat das Stück fehlerlos besetzt, was immer hilfreich ist. Makram J. Khoury ist wundervoll als Shylock. Dies ist keine große "Star" Leistung; sie ist weder laut, hässlich noch aufmerksamkeitsheischend. Die große "Ist nicht ein Jude" Rede wird sanft gehalten, umso überzeugender dafür. Khoury spielt Shylock sehr verhalten, macht ihn älter und körperlich gebrechlicher, abgewetzt durch Unterdrückung und Hass, aber fähig zu schnellem Witz und fester Entschlossenheit. Die ständige Misshandlung, die er erleidet, macht seine unmenschliche Haltung vor Gericht verständlich, und sein endgültiges Verlassen der Bühne, in der Dunkelheit von Armut und Taufe, war herzzerreißend. Ein Jude sehr unter Bedrängnis; ein Strickjacken tragendes Opfer, dessen Hauptsünde das eine ist, was die anderen Hauptcharaktere niemals zu erreichen versuchen: treu zu sich selbst und seinen Überzeugungen zu sein.

Jamie Ballard ist in großartiger Form als der gequälte, gebrochene Antonio. Seine Liebe zu Bassanio prägt alles, was er tut, und Ballard ist in jedem Aspekt seiner Darstellung absolut überzeugend. Beide Akte des Stücks beginnen mit seinem isolierten Antonio, überschwemmt von Trauer oder Angst, und das Schlussbild zeigt ihn sitzend, schweigend allein, darauf wartend, ein Leben zu führen, an dem er teilhaben wird, aber nicht will - Bassanio mit Portia teilen. In der Gerichtsszene ist Ballard erstaunlich roh und ganz großartig.

Als Portia ist Patsy Ferran außergewöhnlich. Ihre Portia ist komplex und facettenreich, eine toughe, wunderbare und großartige Frau. Ferran beherrscht die Sprache wundervoll - die "Qualität der Barmherzigkeit" Rede ist besonders fein - und sie vermittelt die Höhen und Tiefen der Reise ihres Charakters mit erhabener Leichtigkeit und auffallender Scharfsinnigkeit. In ihrer rachegetriebenen Aufführung in der Gerichtsszene ist Ferran fast wild und nutzt die innere Wut der Figur wirkungsvoll. Sie gibt eine wunderbar originelle Darstellung einer von Shakespeares beeindruckendsten Frauen.

Jacob Fortune-Lloyd hat das Aussehen, die Physik und die Ausstrahlung, um den Goldjungen des Stücks, Bassanio, magnetisch und zwingend zu machen. Er ist golden, aber nicht immer glitzernd: Er deckt die Dunkelheit auf, die Einfachheit und die hinterhältige Natur von Bassanio clever, mit allen Lächeln, glühenden Blicken und verführerischen Augen. Die Definition eines charmanten Redners, Fortune-Lloyds Bassanio ist der schäbige Sahnekringel im Zentrum des Tisches der Reichtümer, die Shakespeares Stück bietet. Zusammen mit Ballard, Ferran und Knoury ist Fortune-Lloyd Teil des vitalen, überzeugenden Herzens dieser Produktion.

Hervorragende Arbeit leisten Scarlett Brookes (eine verängstigte, gezeichnete Jessica), James Corrigan (ausgezeichnet als gemeiner, habgieriger Lorenzo), Nadia Albina (großartig als die reizende Nerissa) und Ken Nwosu (ein unbekümmerter, alles oder nichts akzeptierender Gratiano). Die Rollen von Solanio und Salerio werden oft unterbewertet, aber nicht hier. Sie gehören beide eindeutig zum "schwulen Mafia"-Gefolge, das Bassanio und Antonio umgibt. Findlay zeigt Salerios Abscheu über Bassanios Ehe mit sorgfältiger Campiness, und am Anfang des Stücks setzt Saighals wissende und sexuell provokante Stalking-Gangart gegenüber Antonio den Ton für die entscheidenden schwulen Themen in der Produktion.

Rina Mahoney bringt den Saal als Portias "mit aller gebotenen Schnelligkeit"-Dienerin zum Kochen und gibt später im Stück einen furchteinflößenden Herzog. Marc Tritschler liefert großartige und atmosphärische Musik, die alle wunderbar gespielt und gesungen wird - die Kinderchöre waren besonders erfreulich und überraschend.

Findlays Inszenierung von Der Kaufmann von Venedig, wie alle großartigen Inszenierungen von Shakespeare, ist voller Ideen, selbstsicher und intelligent gesprochen, und erhellt den Text aufschlussreich und lebendig. Sie lässt dieses Stück frisch geprägt erscheinen, seine Ideen und Gefühle so relevant für die zeitgenössische Gesellschaft, wie sie um 1598 waren, als Shakespeares Worte erstmals im Stationer's Register eingetragen wurden.

Der Kaufmann von Venedig läuft bis zum 21. Juli 2015 im Royal Shakespeare Theatre