REZENSION: Die kleinen großen Dinge, @SohoPlace ✭✭✭✭✭

Tim Hochastrasser rezensiert das neue britische Musical The Little Big Things, das jetzt im @SohoPlace zu sehen ist.

Foto: Pamela Raith The Little Big Things

@sohoplace

5 Sterne

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Dieses neue britische Musical kommt mit großen Erwartungen – und erfüllt sie triumphal. Am Premierenabend gab es einen der größten Schlussapplause, die ich in einem Theater seit Jahren erlebt habe, und das völlig zu Recht. Damit ein Musical auf diesem Niveau funktioniert, müssen – wie in der Oper – viele Rädchen perfekt ineinandergreifen. Hier bekommen wir ein hervorragendes Buch, sorgfältig komponierte Musik, pointierte Songtexte, prachtvolle Gestaltung und die ganze technische Ausstattung von @sohoplace – nicht zuletzt die Backstage-Bereiche, die vollständig so angepasst sind, dass behinderte Darsteller*innen gleichberechtigt auftreten können, ein zentrales Merkmal dieser Produktion.

Foto: Pamela Raith

Die Grundlage der Show sind die Memoiren und Lebenserfahrungen von Henry Fraser, der mit nur 17 Jahren nach einem tragischen Tauchunfall in Portugal ab den Schultern abwärts gelähmt war. Eine vielversprechende Rugby-Zukunft wurde ihm genommen, und er musste sein Leben mit Hilfe seiner hingebungsvollen Eltern, Brüder und des medizinischen Teams komplett neu aufbauen. Schließlich schulte er sich als Künstler um – mit einem speziell angepassten Mundpinsel – und wurde zudem ein Bestsellerautor.

Foto: Pamela Raith

Wie die Hauptfigur selbst gleich zu Beginn sagt, klingt das auf den ersten Blick nicht nach besonders geeignetem Musical-Stoff. Doch die Inszenierung widersetzt sich den Erwartungen aus zwei Gründen. Erstens beweist sie ihre eigene Botschaft, indem sie die Fähigkeiten behinderter Darsteller*innen in herausragender Weise sichtbar macht; zweitens umgeht sie die naheliegenden Klischees dessen, was jemand aus dem Kreativteam als „Inspiration Porn“ bezeichnet. Das ist ganz und gar nicht die Geschichte, wie eine „tapfere behinderte Person nichtbehinderte Menschen dazu bringt, sich besser über die Welt zu fühlen“. Joe Whites ausgezeichnetes Buch ist häufig für alle Beteiligten schonungslos – ja, Mut wird gefeiert, aber ebenso bekommen die Momente tiefster Verzweiflung ihren Raum, und die Belastungen für die Familie werden klar benannt. Vor allem aber werden selbstgefällige Frömmigkeit und bleierne Schwere verbannt zugunsten großer Wellen von Humor und Spaß mit dem gesamten Ensemble – oft auch mit ziemlich schwarzem Medizin-Humor im Stil von Adam Kay.

Foto: Pamela Raith

Entscheidend ist dabei, dass die Hauptfigur von zwei Darstellern gespielt wird: So sehen wir Henry vor und nach dem Unfall, und es entsteht der wichtige innere Dialog und Kommentar, der stattfinden muss, bevor Henry die Person loslassen kann, die er einmal war. Zwischen Jonny Amies und Ed Larkin herrscht eine wunderbar natürliche Chemie, und zu den atemberaubendsten Momenten der Show gehören ihre gegenseitigen Wahrheiten – verkörpert durch bemerkenswerte, teils sogar luftige, Spezialeffekte.

Foto: Pamela Raith

In einem versierten Ensemble, das sich dieser Show mit Haut und Haar verschrieben hat, gibt es keine Schwachstellen. Es ist unerquicklich, nur einige wenige herauszuheben, doch jede Kritik muss die großartigen Beiträge von Linzi Hateley, Malinda Parris und Amy Trigg in drei Schlüsselrollen würdigen. Als Henrys Mutter Fran strahlt Hateley eine „Tiger-Mum“-Entschlossenheit aus, niemals aufzugeben. Sie trägt das emotionale Gewicht vieler früher Szenen, und ihr Beinahe-Zusammenbruch in den späteren Passagen zeigt erst ganz, welche Spuren das alles in der Familie hinterlässt. Parris spielt die resolute Chirurgin Dr. Graham und demonstriert in einer Reihe temporeicher Nummern – „Work of Heart“ und „Uma Vida“ – eine seltene stimmliche Brillanz, die einen emotionalen Kontrast zur Wehmut des zentralen Dramas bildet. Amy Trigg ist im Rollstuhl ein Wirbelwind aus Timing und Energie; ihre Darstellung einer Physiotherapeutin, die auf „tough love“ setzt, liefert einige der herzerwärmendsten und schlicht komischsten Momente des Abends.

Foto: Pamela Raith

Nicht jede musikalische Nummer bleibt nachhaltig im Kopf, aber alle treiben die Handlung voran oder geben den Figuren und wichtigen Ereignissen zusätzliche Tiefe. Komponist Nick Butcher und Texter Tim Ling liefern in jeder Hälfte neun Songs; am stärksten sind jene, die im Realismus beginnen und sich dann in ausgearbeitete Fantasie entfalten – oder diejenigen, die tief in die Gefühlswelt der jeweils im Fokus stehenden Figur eintauchen. Sie bewegen sich durch ein breites Spektrum musikalischer Genres, und Regisseur Luke Sheppard sowie sein Team verbinden das klug mit eindrucksvollen Spezialeffekten, während sie gleichzeitig gewitzt genug sind, sich bis zu den letzten Szenen noch einiges aufzuheben.

Foto: Pamela Raith

Die Bedeutung von Kunst und malerischen Effekten in Henrys Leben und Genesung sorgt dafür, dass – völlig zu Recht – die visuelle Ebene dieser Show für ihren Erfolg absolut zentral ist. Die Bühne selbst ist vergleichsweise karg, mit Platz, damit Möbel für häusliche und klinische Settings bewegt werden können, und einem zentralen Rechteck, das sich hebt und zu einer eigenen Plattform wird. Auf diese Fläche werden jedoch Videos von Luke Halls projiziert, die mit hochgesättigten Farbmomenten jeweils eine bestimmte Stimmung oder Energie im Drama treffen. Es ist, als würde man plötzlich in den Rahmen eines Rothko- oder Hodgkin-Gemäldes gezogen und durch Henrys Augen die Leidenschaft und Kraft reiner Farbe unmittelbar spüren. Diese Tableaus bereiten auf einen magischen Moment vor, in dem all Henrys Bilder als Symbol seiner Wiedergeburt aus dem Schnürboden herabsinken.

Ich hoffe, schon dieses eine Element vermittelt, wie sorgfältig jeder Aspekt dieser Produktion mit der psychologischen Reise der Memoiren verwoben ist; so dass man am Ende wirklich versteht, wie Henry dazu kommen konnte, sein neues Leben unabhängig von dem zu schätzen, was er zurücklassen musste – und wie das erneute Lernen, die „kleinen Dinge“ des Lebens durch den Blick eines Künstlers zu würdigen, sich als die größte Lektion von allen erweist.

Indem dieses Musical dem Geist eines bemerkenswerten Buches und Lebens treu bleibt und nicht die naheliegenden emotionalen Abkürzungen nimmt, wird es zu einem freudvollen Erlebnis – und zu einem nachdenklich stimmenden, ermutigenden Kommentar darüber, was Behinderung ermöglichen kann, ebenso wie darüber, was sie nimmt.

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