REZENSION: The King And I, Vivian Beaumont Theatre ✭✭✭✭✭

Kelli O'Hara, Ken Watanabe in The King and I. Foto: Paul Kolnik The King and I

Vivian Beaumont Theatre

3. April 2015

5 Sterne

Pause im Vivian Beaumont Theatre. Die ziemlich vornehme Matriarchin der Upper East Side hinter mir meint: "Sie ist gut, aber es ist so ein schreckliches Stück Theater." Ihr männlicher Begleiter nickt weise. "Ja, es ist imperialistischer Unsinn. Ich habe viel Zeit in Thailand verbracht und sie sind überhaupt nicht so." So versucht ich zu erfahren, ob seine Erfahrungen auch Besuche während der Herrschaft von Königin Victoria umfassen, erschien mir Schweigen vorzuziehen.

The King and I hat mich nie als imperialistische Propaganda beeindruckt. Vielmehr schien es um ein einfaches Konzept zu gehen: dass Menschen aus unterschiedlichen Hintergründen und Überzeugungen zusammenarbeiten, voneinander lernen und sich sogar lieben können. Es ist ein Stück über Toleranz, Verständnis und Akzeptanz. Menschliche Würde im Kampf gegen unmenschliche Macht. Es mag in einem exotischen historischen Umfeld spielen, und zweifellos könnten Produktionen wählen, die siamesischen Charaktere und Siam selbst herablassend darzustellen, aber das schien mir nie die Absicht von Rodgers und Hammerstein zu sein. Es ist die Art von Show, die ich mir vorstellen könnte, dass ihre Schöpfer gerne sehen würden, wie der Gouverneur von Indiana darüber lange nachdenkt.

Bartlett Sher scheint dem zuzustimmen. In einem Interview über seine Herangehensweise an die Inszenierung von The King and I sagte er:

"Mein Einstiegspunkt kam vom Journalisten Nicholas Kristoffer, der viel über das Problem des Übergangs von der traditionellen zur zeitgenössischen modernen Kultur in der islamischen Welt und den Entwicklungsländern schreibt. Dieser Übergang zur Moderne ist genau das, was Rodgers und Hammerstein im Originalstück ansprachen, und das ist es, was heute am meisten Resonanz findet... Als Anna Leonowens 1862 Harriet Beecher Stowes Uncle Tom's Cabin einem jungen Mädchen, das dem König als Geschenk unfreiwillig übergeben und gezwungen wird, sich diesem königlichen Haushalt aus vielen Frauen unter der Herrschaft eines Königs anzuschließen, ist das eine Erfahrung von Freiheit, die wirklich komplex ist. Dieses gleiche Problem fand 1950 Resonanz und findet es auch heute, und beleuchtet die unmittelbare Bedeutung von The King And I heute."

Ganz genau.

Gemeinsam mit Bühnenbildner Michael Yeargan, Kostümdesignerin Catherine Zuber und Choreograf Christopher Gattelli hat Sher Rodgers und Hammersteins Musical völlig neu interpretiert und wiederbelebt, sowohl für den riesigen Raum, den die Bühne des Vivian Beaumont darstellt, als auch für das 21. Jahrhundert. Jetzt in den Voraufführungen ist die Produktion in jeder Hinsicht ein Triumph: herrlich anzusehen, makellos zu hören und etwas Einblicksreiches zu erleben.

Es wird nicht versucht, die Geschichte zu modernisieren, sie neu zu verorten, weder in der Zeit noch im Ort, oder sie so zu replizieren, wie sie in der Vergangenheit üppig produziert wurde. Es gibt keine riesigen Elefanten, keine prunkvollen Kulissen oder Hintergründe, keine luxuriösen Ausgaben in den Umgebungen des Königspalasts. Stattdessen gibt es ein Gefühl eines kühlen, wichtigen Tempels, weite offene Räume, in denen Stoffe hängen oder Blüten herabfallen können, wo riesige Säulen die Höhe des Raumes festlegen, den Macht Eindruck in der Höhe ausdrücken. Selbst die Buddha-Statue, wenn sie schließlich erscheint, ist schlicht statt prunkvoll.

Diese Produktion dreht sich nicht um den Ort, an dem die Ereignisse stattfinden; sie bezieht sich auf die Menschen in diesen Ereignissen.

Daraus folgt natürlich nicht, dass das Set nicht voller Wunder ist: Das ist es. Die enorme Tiefe der Bühne wird vollständig genutzt, es gibt einen beweglichen Vorbau, der verschiedene Teile der Handlung nach vorne zieht. Wenn Kapitän Ortons Schiff in Bangkok einläuft, kommt der riesige Bug des Schiffes in einer atemberaubenden Weise direkt ins Auditorium. Wenn Tuptim und Lun Tha sich heimlich treffen, ist die Bühne in romantische Farben und hängende, blumige Girlanden getaucht, die eine Art Paradies suggerieren. Die verschiedenen Szenen werden geschickt und klug mit Stücken historischer Möbel eingerichtet: das Klassenzimmer, Annas Schlafzimmer, das Arbeitszimmer des Königs, der aufwendig gedeckte Tisch, wenn Sir Edward Ramsey eintrifft.

Die Kostüme sind hervorragend. Annas Kleider sind alle wunderbar, die Reifröcke und viktorianischen Leibchen genau richtig, in herrlichen Uni-Farben oder Kombinationen aus einfarbigen und gestreiften Stoffen. Ihr Kleid für den Ramsay-Ball ist außergewöhnlich, ein Wunderwerk exquisiter Maßarbeit - und wenn Anna den enormen Reifrock schwenkt, sind Wellen von Stoff zu sehen, die in der Brise der Polka schweben. Die Outfits des Königs sind passend königlich, viel Rot und Gold, und die Gemahlinnen, besonders Lady Thiang, haben interessante, traditionellere thailändische Kostüme: Blau, Silber, Weiß und Rot. Tuptim und Lun Tha, die aus Birma stammen, sind anders gekleidet, aber nicht weniger bezaubernd. Die Kostüme wirken frisch und neu, sind aber klar feierlich auf das 19. Jahrhundert bezogen.

Es gibt viele Überraschungen für diejenigen, die den Film oder das Musical gut kennen: der Eindruck des Durcheinanders und Trubels im geschäftigen Bangkoker Hafen wird brillant vermittelt und die immense Macht des Kralahome wird durch sein Gefolge aufgebaut, das die Menge mit rasselnden Stöcken zum Schweigen bringt, die Angst einflößen; Tuptim wird eher wie ein sexuelles Opfer behandelt statt wie eine exotische Prinzessin und die Inspektion des Königs von ihr ist haarsträubend; Chulalongkorn ist erst stolz und arrogant, taut aber langsam auf; Lady Thiang ist jung und politisch engagiert; Tuptims Ballett wird direkt vor dem König aufgeführt, für ihn, nicht für jemand anderen, obwohl andere zusehen; Western People Funny ist enthalten und nicht für offensichtliche Lacher gespielt; vielmehr demonstriert es eindringlich, wie schwierig die herrschende Kultur mit westlicher Intervention und Innovation umgeht.

Aber Shers wahre Triumphe liegen in der Darbietung der beiden Hauptcharaktere, Anna und dem König.

Wer eine Wiederholung des Yul Brynner-Ansatzes zum Teil erwartet, wird stark enttäuscht sein. Ken Watanabe geht klugerweise völlig anders an die Rolle heran, listiger, hinterhältiger manipulativ und doch mit einem großen Sinn für Spaß. Es ist nicht klar, ob dies absichtlich ist, aber Watanabes englische Aussprache ist manchmal herausfordernd, was clever und sofort die Kluft zwischen ihm und der Frau, die er eingestellt hat, um seine Kinder zu unterrichten, etabliert. Man muss ihm oft sorgfältig zuhören, um zu verstehen, was er sagt, und so fühlt man sich genauso wie Anna es gefühlt haben muss.

Watanabe hat eine große Präsenz und das Gefühl von königlicher Selbstüberzeugung ist leicht herzustellen. Aber genauso ist auch der scharfe Verstand und das politische Geschick des Königs: Das ist kein Schlagopfer oder vorgetäuschter Machtträger. Watanabes König ist gefährlich, unberechenbar, und das zeigt sich sowohl in der Art, wie er sich physisch bewegt, als auch in der Art, wie er den Text phrasiert. Es wird nicht jeden beeindrucken, sicherlich nicht diejenigen, die Bryners Art als die "richtige" empfinden, aber es ist eine lebendige und kräftige Lesart einer Rolle, die sehr schwer ernsthaft zu spielen ist. Er ist kein Sänger, aber das macht nichts. Er verkauft das Material überzeugend und wenn er ausbricht, ist es in der Tat kraftvoll.

Als Anna ist Kelli O'Hara unvergleichlich. Perfekt britisch in jeder Hinsicht, mit köstlichen Aussprache, ist sie durch und durch viktorianisch, bis zu dem Punkt, dass sie nie wirklich schreit. Sie mag leidenschaftlich werden, aber sie ist nie laut im vulgären Sinne; der Brunnen der Anständigkeit reicht tief in ihr. O'Hara erfasst den Stil perfekt, ohne ihn jemals hochzunehmen oder zu versuchen, "jetzt" zu sein; ihr sanfter, entschlossener, aber von Natur aus weiblicher Ansatz ist berauschend.

Wenige Menschen haben die Fähigkeit, nahtlos vom Sprechen eines Dialogs zum Singen zu wechseln, aber O'Hara ist in dieser Hinsicht in olympischer Klasse. Sie macht die Lieder zu einem wesentlichen Stoff der Geschichte. Ihre Stimme ist strahlend und rein; vokal ist sie in jeder Hinsicht prächtig, sei es der sanfte Charme von Whistle A Happy Tune oder das üppige, träge Legato von Hello Young Lovers. Besonders beeindruckend ist, wie sie Shall I Tell You What I Think Of You? meistert - es zu einem inneren Dialog von unterdrücktem Zorn statt eines Schuh werfenden Schreiens macht. Ihr Getting To Know You ist so bezaubernd, dass es so ist, als hörst du es zum ersten Mal.

Natürlich kommt der Höhepunktmoment mit Shall We Dance, und sowohl Watanabe als auch O'Hara gehen die Nummer auf eine lässige, konversationelle Weise an, die frech und aufregend ist. O'Haras sanfte Berührung ist hervorragend und passt gut zu Watanabes kindischem Mannbockwut darüber, das zu tun, was die Engländer taten. Die Routine, während der König die Schritte lernt, ist wirklich lustig und so bist du unvorbereitet auf den Moment, in dem er Anna ein wenig zu nah an sein Gesicht schiebt, bevor er in die Polka einsteigt. Es ist nicht so sehr dampfig als vulkanisch, aber dann schwenkt sie zu einem riesigen Rock-aufwirbelnden Tanzvergnügen und das begeisterte Publikum geht angemessen wild. Dies ist der echte Moment, in dem Ost und West sich treffen.

Ruthie Ann Miles macht Lady Thiang zu einem echten Charakter, nicht nur zur Sprecherin für die Frauen. Sie bewegt sich mit der Anmut eines Panthers und ihre Szene mit Tuptim zeigt ihre Palastmacht. Sie brachte die Show mit ihrer fabelhaften Darbietung von Something Wonderful zum Stehen, wunderbar herzlich und ebenso reich und resonant gesungen. Paul Nakauchi spielt einen großartigen Kralahome, voller barbrüstiger Krieger-Traditionsangst.

Als die Liebenden mit den zwei größten Liebesliedern, die Rodgers je schrieb, I Have Dreamed und We Kiss In The Shadows, sind Ashley Park und Conrad Ricamora perfekt geeignet, beide sehr attraktiv, mit wunderbaren Stimmen, die in herrlichen Harmonien verschmelzen und den ganzen Glanz von Rodgers Melodien liefern. Das Gefühl ihrer Hingabe und ihres Engagements füreinander ist real und intensiv. Park ist auch in Small House Of Uncle Thomas hervorragend, und die Angst und der Mut, den sie zeigt, ist akut und tief empfunden.

Alle Kinder des Königs sind wunderbar, absolut fesselnd und individuell, und March of The Siamese Children zeigt einige Änderungen gegenüber der Originalchoreografie, die erfrischend und wirklich freudig sind. Jon Viktor Corpuz ist außergewöhnlich gut als der distanzierte Tyrann in spe, Kronprinz Chulalongkorn, und das Zusammenspiel zwischen ihm und O'Hara, während sie ihn dazu bringt, ihr zu vertrauen und unterschiedliche Perspektiven zu betrachten, ist wunderschön zu beobachten. Seine finalen Szenen erfreuen, als die durch die Akzeptanz seines Vaters notwendiger Änderungen und Annas Überzeugungsversuche, die menschliche Würde als Leitprinzip zu betrachten, geschaffenen Veränderungen ihn zuerst verwirren und dann in einer völlig verständlichen Weise inspirieren.

Corpuz spielt auch gut gegen Jake Lucas' Louis, und die beiden etablieren klar die freundschaftliche Rivalität zwischen ihnen. Lucas ist in dem Moment großartig, als er seine Mutter dazu bringt zuzugeben, dass sie den König "mag".

Die finale, schwierige Konfrontation zwischen Anna und dem König ist sehr gut gehandhabt und zeigt O'Hara in ihrer großartigsten Form, als sie sich entschlossen zwischen den König und Tuptim stellt, den er auspeitschen will. Ihre entschlossene Anmut und ihr Widerstand sind wunderbar zu beobachten, perfekt viktorianisch und perfekt ausbalanziert. Der Effekt, den das auf Watanabes König hat, ist verheerend, als er erkennt, dass er seine Familie nicht erziehen kann, die Wahrnehmung von sich selbst als Barbaren nicht widerlegen kann und die nackte Macht seiner Königsherrschaft behalten kann. Etwas muss zerbrechen.

Gattellis Choreografie ist durchgehend unaufdringlich und authentisch; sie ergänzt oder passt viel von Jerome Robbins' Originalwerk an, besonders in Small House Of Uncle Thomas, das in jeder Hinsicht großartig ist. Es gibt kein Gefühl von Spielen beim Tanzen auf siamesische Art; die Schritte, die Hand- und Fußbewegungen, alles wirkt instinktiv passend und wahrhaftig.

Das 29-köpfige Orchester (reiner Genuss!) spielt hervorragend unter dem ruhigen und sinnvollen Auge und Taktstock von Ted Sperling. Jedes Lied wird im richtigen Tempo gespielt und das Gleichgewicht zwischen gewichtiger Orchesterbegleitung und Gesangslinie wird sorgfältig aufrechterhalten. Die Streicher erheben sich und unterstützen die vornehmen Aspekte der luxuriösen Partitur. Meistens fühlt man sich, als würde man eine Aufnahme hören, so perfekt ist sowohl die Qualität des orchestralen Klangs, seine Farben und Eigenheiten, als auch die reinen, unerschütterlichen Gesangslinien.

Das Ensemble überzeugt in jeder Hinsicht und das Tanzen in Small House Of Uncle Thomas ist äußerst exquisit. Der Frauenchor ist wunderbar ironisch in Western People Funny.

The King and I ist ein Meisterwerk, eines der herausragenden Beispiele seiner Form. Rodgers und Hammerstein waren ihrer Zeit voraus und auf der Höhe ihrer Kunst mit diesem Musical. Es hat viel zu sagen über Gleichheit aller Art, Akzeptanz und Verständnis angesichts von grundlegend unterschiedlichen Ansichten. Es funktioniert als exotische, farbenfrohe und einprägsame Parabel über wesentliche und grundlegend kritische Themen unserer Zeit – Menschen anderer Religionen, Rasse, Geschlecht und Sexualität mit Gleichmut zu behandeln. Dass es eine sensationelle und bewegende Partitur hat, ist das emotionale Sahnehäubchen.

Das ist ein durchschlagender Erfolg für Bartlett Sher und O'Haras Darstellung ist so gut, wie es nur geht. Watanabe macht den König lobenswert zu seiner eigenen speziellen, einzigartigen Kreation. Das einzige Rätsel hier wird sein, wenn diese Produktion nicht fortbesteht.

Es ist, wie das Lied sagt, Something Wonderful.