REZENSION: Das Haus der Bernarda Alba, National Theatre ✭✭✭✭

Paul T Davies bespricht Lorcas „Das Haus der Bernarda Alba“ am National Theatre.

Harriet Walter. Foto: Marc Brenner Das Haus der Bernarda Alba. National Theatre.

28. November 2023

4 Sterne

Am Tag der Beerdigung ihres Mannes beginnt, verkündet Bernarda Alba acht Jahre Trauer und schließt sich und seine fünf Töchter in ihrem stickigen Haus ein. Lorcas letztes Meisterwerk, nur wenige Wochen vor seinem Tod durch ein Erschießungskommando uraufgeführt, gilt „Bernarda“ als Metapher für den spanischen Faschismus und den Bürgerkrieg von 1936. Das Bühnenbild von Merle Hensel schafft buchstäblich ein Gefängnis – über drei Ebenen angelegt –, in dem jeder Raum praktisch eine Zelle ist; viel bleibt nicht verborgen. Es wirkt wie eine Kreuzung aus Lorca und „Prisoner: Cell Block H“. Für mich ist das die größte Schwäche dieser Inszenierung. Die derzeit so gefragte Regisseurin Rebecca Frecknall (Cabaret, Endstation Sehnsucht) wirft im wahrsten Sinne des Wortes grelles Neonlicht auf Dinge und Gefühle, die sonst verborgen bleiben, nur angedeutet werden und von Subtilität leben. Üblicherweise sind keine Männer zu sehen, und die Dorfbewohner*innen bleiben komplett offstage. Hier jedoch holt Frecknall den lokalen Schwarm Pepe el Romano (verlobt mit der älteren Schwester Angustias – ein finanzielles Arrangement, weil sie das Geld des Vaters geerbt hat –, während er nachts mit der jüngeren Schwester Adela schläft) von Beginn an auf die Bühne, und in Akt Drei tanzt er wie ein geiler Hengst. Er – und die Dorfbewohner*innen, die Rache an dem armen Dorfmädchen suchen, das ihr uneheliches Kind getötet hat – werden durch die gesamte Inszenierung gefädelt, und das wirkt unnötig. Das Stück beginnt uns zu sagen, wie wir uns fühlen sollen, statt uns zu zeigen, was die Figuren empfinden.

Das Haus der Bernarda Alba. Foto: Marc Brenner

Für mich reißt das eine Kluft in die Inszenierung: Während die Einfälle der Regie die Aufmerksamkeit verschieben, ist das Ensemble hervorragend. Thema und Unterdrückung sind beklemmend relevant, und an der Spitze steht Harriet Walter mit einer grandiosen Bernarda. Zu oft besteht die Gefahr, dass Bernarda als reine Tyrannin gezeigt wird – eindimensional in ihrer Grausamkeit. Nicht hier. Der Vorteil des offenen Hauses ist, dass wir ihren privaten Schmerz sehen, wenn sie nicht vor ihren Töchtern und den Bediensteten steht, und wir erleben die von ihr selbst auferlegten Zwänge ebenso wie den gesellschaftlichen Druck. Ihr erstes – und letztes – Wort im Stück ist „Schweigen“, und mit diesem finalen Schweigen macht sie etwas, das ich so noch bei keiner Schauspielerin gesehen habe. Es ist herzzerreißend und einer der Theatermomente des Jahres. Ebenbürtig ist ihr Thusitha Jayasunderos großartige Poncia, eine geplagte, langjährige Hausangestellte, Ersatzmutter für die Mädchen, die sie mit ihren frechen Geschichten über ihren Mann unterhält und die die sich anbahnende Tragödie erkennt, obwohl Bernarda dafür blind ist. Eileen Nicholson stiehlt beinahe die Show als Bernardas demenzkranke Mutter Maria Josefa – das freieste Mitglied des Haushalts –, die Wahrheiten über die Töchter ausspricht, während sie den Verlust ihres Sohnes und das Fehlen von Männern im Haus beklagt. Die Töchter sind durchweg ausgezeichnet; der Druckkochtopf dieser Situation macht sie zu Wächterinnen voneinander, und ich wäre genauso gefesselt gewesen, hätten sie auf einer leeren Bühne gespielt.

Foto: Marc Brenner

Alice Birchs Fassung – möglicherweise geprägt durch ihre Arbeit mit Clean Break – streut das F‑Wort großzügig ein, und aus den Mündern dieser unterdrückten Frauen der 1930er Jahre wirkt das ziemlich unpassend, auch wenn es die Gleichförmigkeit ihrer Lage unterstreicht. Für mich verstärkt das die Dichotomie im Herzen der Produktion. Unbestreitbar erfinderisch – und das Spiel ist so kraftvoll, dass die Inszenierung den Fokus oft vom Ensemble wegzieht.