KRITIK: Das Schwierige Problem, Dorfman Theatre ✭✭

Das Harte Problem

Das Dorfman Theatre

9. Februar 2015

2 Sterne

Tom Stoppard. Zwei Wörter, die das Herz erwartungsvoll schneller schlagen lassen. Zwei Wörter, die an eine beeindruckende, schillernde, clevere und inspirierende – oft sehr lustige – Theatergeschichte erinnern, von Rosenkranz und Güldenstern sind tot, seinem ersten großen Erfolg, bis zu Rock'n'Roll, seinem letzten Werk für die Bühne, das 2006 am Royal Court Premiere feierte und dann ins West End und nach Broadway übertragen wurde. Zwei Wörter, die mit der Ankündigung von Nicholas Hytners endgültigem Abschied am National Theatre zusammengefügt wurden und das theatralische Ereignis 2015 versprachen; eine weitere schillernde Erforschung von Ideen, eine weitere Untersuchung wissenschaftlicher oder philosophischer Themen, ein weiterer Text voller literarischer Anspielungen und warmherziger, realer Charaktere.

Dieses Stück ist Das Harte Problem, das nun im Dorfman Theatre aufgeführt wird, wobei der erste Teil seiner Laufzeit nahezu ausverkauft ist. Im Mittelpunkt dieses Stückes steht diese Frage: Wenn es im Universum nichts außer Materie gibt, wie erklärt man dann das Konzept des Bewusstseins? Fragen zu Geist und Körper (sind sie eins oder getrennt?), Altruismus und Egoismus, die Existenz Gottes, das Konzept des 'guten', wie Hedgefonds funktionieren (nein, wirklich) und die Macht des Zufalls zu erforschen, folgt Stoppards Stück den Schwierigkeiten von Hilary, einer Psychologie-Forscherin. Während dies nach der gewohnten Tom Stoppard-Kost klingt, ist Das Harte Problem in einem bemerkenswerten Aspekt einzigartig.

Es ist unvorstellbar langweilig.

Das eigentliche harte Problem dieser Produktion von Das Harte Problem ist: Welche kreative Kraft trägt die größere Schuld – der Autor oder der Regisseur?

Zu sagen, dass die Produktion enttäuschend ist, wäre noch eine Lobeshymne. Teilweise liegt das daran, dass es im falschen Theater ist. Das Dorfman ist ein Raum großer Intimität, und obwohl es sich im Wesentlichen um die Geschichte einer Frau geht, die persönliche und berufliche Kämpfe erlebt, sind die Ideen, die dem Stück zugrunde liegen, nicht intim – sie sind universell, sowohl im Thema als auch im Umfang. Daher scheint die Nutzung des Dorfman-Raums wie ein Trick, das Interesse durch eine kleinere Spielfläche zu wecken. Ein Versuch, der scheitert.

Es hat auch eine weitere Konsequenz. Das Stück spielt an mehreren verschiedenen Orten. Während Bob Crowleys Design einen Weg findet, sie alle zu berücksichtigen, kann dies nur durch mühsame, scheinbar endlose Szenenwechsel mit Ausbrüchen klassischer Musik geschehen. Eine größere Bühne hätte möglicherweise sofortige Übergänge zu detaillierteren Kulissen ermöglicht und die Notwendigkeit der hier nötigen, störenden Zwischenspiele beseitigt, damit die Crew die Möbel entfernen und neu aufbauen kann.

Das Herzstück von Crowleys Design ist eine fluoreszierende Lichtskulptur, die von der Decke hängt, grob in Form eines menschlichen Gehirns, die auf unterschiedliche Weise und in unterschiedlichen Farben leuchtet, manchmal Farben, die sich ändern. Es ist sehr beeindruckend und bietet eine ständige Erinnerung an eines der Themen des Stücks: die Vorstellung der Beziehungen zwischen Geist und Gehirn und Geist und Körper: in beiden Fällen, "Sind sie dasselbe?"

Der Text ist also komplex und dicht, vollgepackt mit Ideen; die Mechanik der Präsentation des Stücks hilft nicht besonders dabei, dass das Publikum mit dem Text mitfühlt. Daher muss die Besetzung außergewöhnlich sein, damit die Produktion gelingt.

Leider ist sie das nicht.

Die beste Leistung kommt von Damien Molony als Spike, dem intellektuellen Snob, der für keine Idee Zeit hat, die nicht seiner eigenen Denkweise entspricht und der der gelegentliche Liebhaber der Hauptfigur Hilary ist. Spikes richtiger Name ist Spencer, und die Tatsache, dass er sich Spike nennt, ist in der Tat bezeichnend. Er hält sich für einen Frauenhelden (wirklich, er denkt, jeder Frau wäre gerne mit ihm intim, selbst eine Lesbe in einer glücklichen Beziehung) und erscheint in verschiedenen Stadien ungläubiger Nacktheit. Molony ist ausgezeichnet darin, den bösen Jungen zu spielen, und er fängt auch perfekt die zynische Seite eines Akademikers/Denker ein, der diejenigen verachtet, mit denen er nicht einverstanden ist, mit denen er aber nicht über Intimität erhebt. Er verkörpert die Vorstellung von Egoismus.

Der immer verlässliche Anthony Calf macht leichtes Spiel mit dem fantastischen reichen Jerry, dessen Verstand mit hundert Meilen pro Stunde arbeitet und der seine Optionen offen hält über jede philosophische Theorie oder Wissenschaftsmeinung, die ihn interessiert. Sein Interesse kommt von der Wirkung der Wissenschaft auf seine geldbringenden Hedgefonds-Schemata und Calf zeigt hervorragend Jerry’s fast einspurig geldbringende Denkweise. Er zeigt Anflüge von Altruismus, ist aber im wesentlichen ein weiterer egomanischer Egoist.

Es gibt einen dritten engagierten Egoisten: den arroganten Amal, dessen Überlegenheitsgefühl den Grand Canyon an Größe übertrifft, bis Jerry ihn effektiv für zwei Jahre auf die „böse Stufe“ setzt. Parth Thakerar bringt Amal zu lebendigem Leben. Zu Beginn des Stücks teilt er Ansichten und einen Outlook, der dem von Spike ähnelt, doch nach der Zeit auf Jerry's „bösen Stufe“ überdenkt er vielleicht seine Ansichten, wie diese Rede zeigt:

„Ich handle nicht. Ich werbe nicht. Ich arbeite an den Computermodellen, die das Risiko managen sollen. Solange sich der Markt selbst korrigiert, sehen die Modelle so aus, als würden sie funktionieren. In der Theorie ist der Markt ein Strom rationaler Handlungen von selbstinteressierten Menschen; daher sollte das Risiko berechenbar sein, und die Modelle können mathematisch bewiesen werden und etwa einmal in der Lebenszeit des Universums abstürzen. Aber ab und zu wird das Verhalten des Markts irrational, als ob es verrückt geworden wäre oder sich verliebt hätte. Es rechnet sich nicht. Nur Computer rechnen. Also denke ich darüber nach.”

Da Amal zu Beginn des Stücks denkt, dass Computer alles tun können, was ein Gehirn tun kann – und mehr – ist das eine ziemliche Veränderung der Position. Thakerar zeigt Amals Reise von einem unnachgiebig bestimmten akademischen Standpunkt über persönliche Demütigung hin zu einem flexiblen, anpassungsfähigen Denker. Von den drei zentralen Egoisten ist Amal, etwas erstaunlich, der Wärmste. Es ist ein Verdienst Thakerars, dass er das schaffen konnte.

Es gibt eine Reihe anderer Rollen mit unterschiedlicher Bedeutung: Jonathan Coys schmutziger alter Mann und Leiter der Abteilung, Leo, der sich Spike/Amals Ansicht der Wissenschaft nicht anschließt; Vera Choks „so-verzweifelt-dass-sie-schlecht-Dinge-tun-wird“-Figur Bo, deren Rolle in der Handlung vollkommen unglaublich ist; und das unwahrscheinliche lesbische Paar aus Rosie Hilals Julia und Lucy Robinsons Ursula. Man vermutet, dass diese Charaktere mehr als nur Handlungspunkte darstellen; sie scheinen da zu sein, damit sich das Publikum mit ihnen identifizieren und mit ihnen fühlen oder sich ihnen verbunden fühlen kann. Aber das Spiel erreicht dieses Ergebnis nicht.

Wirklich, keiner dieser Charaktere ist ausreichend sympathisch, um sich für das, was passiert, zu interessieren. Einige von ihnen haben lächerliche/offensichtliche Handlungslinien, die im besten Fall trivial und im schlimmsten Fall lachhaft sind. Am schlimmsten ist, dass die Art, wie diese Charaktere mit Hilary interagieren, sie als Charakter mindert. Sie ist die Verkörperung von Altruismus – sie braucht jede Hilfe, die sie bekommen kann, um das Meer wissenschaftlicher Haie zu durchqueren, in das sie schwimmt. Aber die Art, wie sich die Handlung entfaltet, bekommt sie keine; vielmehr wird sie, mindestens durch Leo, Jerry und Bo, als grundlegend fehlerhaft dargestellt.

Das Stück kann nicht funktionieren, ohne dass die Figur der Hilary das Ergebnis einer transzendentalen Darbietung ist. Vieles wird von der Schauspielerin verlangt, die Hilary spielt – schwieriger Dialog, schwierige Situationen und schwierige Emotionen – und sie muss unwahrscheinliche Handlungsentwicklungen und eine Kluft vorhersehbarer Sentimentalität meistern, wenn die Karten ins Spiel kommen (was, es sei denn, Sie schlafen, sehr früh im Stück passiert). Es ist eine monumentale Aufgabe, Hilary in Das Harte Problem zu spielen.

Olivia Vinall meistert die Aufgabe, aber wirklich nur knapp. Hilary verlangt nach einer inneren Kraft, einem glühenden Geist und einer stimmlichen Gewandtheit, die Vinall nicht hat. Sie ist keine Emma Fielding oder Carey Mulligan – um nur zwei Schauspielerinnen zu nennen, die diese Rolle einst richtig gemacht hätten. Vinall arbeitet hart und man kann ihr Engagement für die Aufgabe nicht verübeln, aber sie ist der großen Herausforderung, die Stoppard gestellt hat, nicht gewachsen und wird in keiner Weise durch Hytners Inszenierung oder die andere Besetzung unterstützt.

Am Ende liegt die größte Verantwortung jedoch bei Stoppard. Das Harte Problem hängt einfach nicht gut genug als Theaterstück zusammen. Es gibt nicht genügend Handlung und Charakter, nicht genug Wärme, um das Tennisspiel der wissenschaftlichen Prinzipien, Theorien und Rätsel sehenswert zu machen. Anders als in Arcadia gibt es keine Überraschungen, keine bezaubernden Charaktere, keine interessanten persönlichen Interaktionen. Vielmehr ist Das Harte Problem bevölkert von unangenehmen und unsympathischen Leuten, die schwierigen wissenschaftlichen Jargon in einem Meer von sentimentaler und vorhersehbarer Banalität spucken. Es gibt eine Handvoll guter Witze, aber eine Handvoll ist unzureichend. Die detaillierten Notizen im Programm boten mehr dramatisches Interesse als etwa 100 Minuten Bühnenzeit. Am Ende des Stücks fühlte man sich wie die Bäckersfrau nach ihrem Treffen mit Cinderellas Prinzen im zweiten Akt von Into The Woods: um es zu zitieren, „War das alles?“