KRITIK: Die Glasmenagerie, Booth Theatre ✭✭✭✭✭

Foto: Michael J Lutch Die Glasmenagerie

Booth Theatre

18. Januar 2014

5 Sterne

Ich habe schon viele professionelle Aufführungen von Tennessee Williams' Die Glasmenagerie verschlafen, meist weil ermüdende Regisseure und selbstverliebte Schauspieler versucht haben, einen "Punkt zu machen" oder "etwas damit zu tun", und in diesem Prozess Williams' sogenanntes Erinnerungsspiel seiner lyrischen Potenz, Universalität oder inhärenten charaktergetriebenen Kraft beraubt haben.

Ebenso ist es oft, aber nicht immer, ein Grund zur Besorgnis oder, wenn nicht Besorgnis, dann zumindest zum Zögern, wenn die New Yorker Kritiker fast einhellig in höchsten Tönen über eine Produktion sprechen. Die Aussicht auf die aktuelle Broadway-Wiederaufnahme von Williams' Meisterwerk, das im Booth Theatre aufgeführt wird, war sowohl nervenaufreibend als auch ansprechend.

Doch... beim ersten Betreten des Booth stellt Bob Crowleys außergewöhnlich und wunderschön evokatives Bühnenbild sofort den Ton ein: immersives Einfangen. Das Heim der Hauptfiguren war in zwei Abschnitte geteilt, die auf Wasser schwebten, sodass Reflexionen und Spiegelbilder eine ständige, vereinheitlichende Präsenz waren. Sehen, was ist und was man glaubt, dass es da ist, und gleichzeitig nicht sehen, was da ist.

Eine schwindelerregende Treppe von äußeren Feuerleitern erhob sich in den Himmel und festigte sofort den Schauplatz als Urbanes Amerika (genauer gesagt St. Louis) und spiegelte sowohl die Höhen wider, die das Drama erklimmen wird, als auch die Vorstellung der Sammlung von Glasfiguren, die das Leben einer der Hauptfiguren effektiv überschatten wird.

Kombiniert mit Natasha Katz' erstaunlichem Lichtdesign, dem von Clive Goodwin bereitgestellten Sounddesign und Nico Muhlys ergreifender, eindringlicher und präzise passender Musik ist die Crowley-Vision für die Familie Wingfield atemberaubend: geisterhaft, durchdrungen von Unzufriedenheit und Täuschung und lebendig mit Möglichkeiten.

In diese präzise und magische Welt treten vier ziemlich unglaubliche Darsteller ein, und es wird innerhalb von Minuten klar, dass es sich um eine der größten Aufführungen eines Williams-Stücks handelt, die man in diesem Jahrhundert wahrscheinlich sehen wird, und es ist schwer zu glauben, dass eine frühere Produktion in Bezug auf Detail, Intensität, Fokus und Innovation mithalten könnte. John Tiffanys glanzvolle Erleuchtung des Textes, seine Klarheit im Erzählen und die geschickte und wunderbare Verwendung von Mitteln, Stil und cleveren Effekten erzeugt einen der unterhaltsamsten, wichtigsten und dynamisch geladenen Abende, die man jemals in einem Theater erwarten kann. Er ist ein meisterhafter Genie.

Und keine Niete, wenn es ums Casting geht.

Es gibt fast keine Worte, die die Komplexität, die sichere Verzweiflung, den frenetisch schwachen Halt an der Realität, den gefährlichen Absturz in vergangene oder imaginierte Glorie, den Humor und den mutigen, unwürdigen Schrecken, den die herrliche Cherry Jones in die Rolle der Amanda bringt, der Mutter der beiden Geschwister, die auf unterschiedliche Weise von ihren wahnhaften Reden erdrückt werden, angemessen vermitteln könnten. Alles, was Jones tut, ist inspirierend, perfekt gemacht und vollständig durchdacht.

Ihr wildes Erscheinen in ihrem alten, zerschlissenen Ballkleid; ihre ekstatischen und unkontrollierten Erinnerungen an Jonquils; ihre gerissenen Versuche, den Gentleman Caller zu ermutigen, ihre Tochter zu betrinken; ihre erschütternde Erkenntnis der hoffnungslosen Zukunft, als dieser Gentleman Caller verrät, dass er heiraten wird – alles perfekt in jeder Hinsicht. Jones verkörpert das zentrale Element von Tiffanys Ansatz – ihre Darstellung von Amanda ist die erinnerte Version, sie ist keineswegs realistisch, sondern fantastisch, bizarr und überwältigend, genau so, wie Tom, der Erzähler, sich an sie erinnern würde. Weil das ihm entspricht. Und doch gibt es in jeder Reflexion dessen, was Jones tut, Wahrheit. Es ist eine erstaunliche Leistung.

Zachary Quinto ist genau richtig als ihr Sohn, Tom, der aus den Fesseln der familiären Tragödie entkommen möchte und der letztendlich egoistisch genau das tut, nur um zu entdecken, dass sein Leben für immer von dem Schrecken heimgesucht werden wird, den er seiner kranken Schwester Laura auferlegt hat. Er erhält viele Lacher und schafft es, durchwegs sympathisch zu sein, obwohl Tom schwer zu lieben ist. Seine Szenen mit Jones sind auf jede Weise köstlich.

Und ungewöhnlich und vielleicht unerwartet deutet er nie an, dass Tom schwul ist, was viele neuere Produktionen so beharrlich gezeigt haben. Aber genauso wie die letzte Broadway-Wiederaufnahme von Cat On A Hot Tin Roof gezeigt hat, dass ein schwules Subplot nicht notwendig ist, damit das Williams-Drama effektiv funktioniert, so beweist es auch Tiffany hier. Quinto will einfach nur aus dem Haus und nicht aus dem Closet raus. Und das ist auch genau richtig so.

Als die kranke Laura, das Mädchen, das in ihre Welt aus kleinen Glasfiguren entkommt, weil der Druck und die Forderungen der realen Welt zu groß für ihre simple und schüchterne Lebensauffassung sind, ist Celia Keenan-Bolger völlig triumphal. Sie ist fantastisch zerbrechlich, aber total glaubwürdig und nicht verzweifelt auf Sympathie aus. Das Wunder in ihren Augen, wenn sie ihre glitzernde Sammlung von Tieren betrachtet, ist faszinierend; und sie vermittelt wunderbar die Möglichkeit der Befreiung in ihrer wunderbaren Szene mit dem Gentleman Caller, besonders den Moment unmittelbar bevor das Glas-Einhorn zerbricht, als sie sich erlaubt, mit ihm zu tanzen. Das Entzücken und die Hingabe in ihren Augen, ihrem gesamten Körper, ist wunderbar zu beobachten. Ihr Rückschritt in verzweifelte Anklammerung an ihre Mutter, als die Wahrheit herauskommt, ist zutiefst ergreifend.

In vielleicht der schwierigsten Rolle ist Brian J Smith gnadenlos normal und nutzt jede Sekunde als Gentleman Caller mit punktgenauer Präzision auf erfrischend ehrliche und alltägliche Weise. Ja, er ist umwerfend; ja, er bricht Lauras Herz; aber er ist nicht bösartig oder absichtlich - er ist einfach gefangen in den Machenschaften von Mutter und Sohn.

Smith und Keenan-Bolger teilen die Szene des Abends, denn obwohl Jones und Quinto ihre Rollen perfekt ausfüllen, dreht sich Tiffanys Produktion um die Begegnung zwischen der schüchternen Laura und dem männlichen, begehrenswerten Ehemann in spe - und es ist aufregend und tragisch in jeder Hinsicht. Es ist auch der einzige Abschnitt des Stücks, der realistisch angegangen wird, sodass sein gegenläufiger Effekt zu den übertriebenen und stilisierten Aspekten anderer Szenen elektrisierend und ganz bemerkenswert ist.

Und wenn Jones ihre schnell wandelbare, mystische und fehlgeleitete Amanda in die Szene bringt, ist die Wirkung atemberaubend kraftvoll: ihr Gesicht und ihre Augen, wenn Smith seine Verlobte Betty erwähnt, umfasst eines der kraftvollsten und eindringlichsten Bilder aus dem Theater, die ich je erlebt habe.

Wer hätte gedacht, dass Tennessee Williams so modern, so frisch, so relevant, so tiefgründig, so beunruhigend, so magisch sein könnte? John Tiffany.

Verkaufen Sie Glieder, Organe, Kinder, Gold, was auch immer – aber sehen Sie sich diese Produktion an, wenn Sie großen dramatischen Theaterarbeiten schätzen. Es ist eine einmalige Neuinszenierung eines klassischen Stücks dramatischer Theaterschrift.