REZENSION: Das Gin-Spiel, Golden Theatre ✭✭✭

The Gin Game

Golden Theatre, Broadway

15. Oktober 2015

3 Sterne

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Sie ist gebrechlich, sehnig, intelligent. Vielleicht ist sie krank, und doch spürt man in jeder Faser eine lebendige Vitalität. Sie mag 90 Jahre alt sein, aber die Zeit hat sie nicht ausrangiert. Sie lächelt schnell, hat eine scharfe Zunge, durchdringende Augen – man hat nicht das Gefühl, dass ihr viel entgeht. Aber sie ist unbestreitbar alt. Und sie wirkt sehr allein.

Er ist ein ramponierter Koloss von einem Mann – oder vielmehr das, was von einem Mann übrig ist. Auch er wirkt sehr alt, wenn auch nicht ganz so alt wie sie. Er ist viel größer, viel breiter, viel massiger, ein Mann wie ein großer Bär. Seine Augen sind wach, aber nicht so wach wie ihre; er bewegt sich langsamer, aber man spürt deutlich, dass er sich blitzschnell bewegen könnte, wenn er wollte. Sein Temperament ist explosiv – etwas, das sich sehr früh zeigt.

Er ermuntert sie, drängt sie, mit ihm Gin Rummy zu spielen. Er will gewinnen; sie tut es immer – egal, ob sie die Regeln kennt, das Spiel versteht oder nicht, oder ob sie den sichersten Weg einschlägt. Als er in unkontrollierbarer Wut über ihre Kartenstärke den Kartentisch umkippt, kann man nicht anders, als um ihre Sicherheit zu fürchten. In rasender Wut könnte er ihr mühelos das Genick brechen.

Meine Sitznachbarn im Publikum fanden es allerdings komisch.

Dies ist die Wiederaufnahme von The Gin Game, D. L. Coburns mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnetem Stück, inszeniert von Leonard Foglia und derzeit am Golden Theatre am Broadway zu sehen. Als es 1977 erstmals am Broadway herauskam, spielten das Ehepaar Jessica Tandy und Hume Cronyn die Hauptrollen. Es gewann keinen Tony Award als Bestes Stück, aber Tandy bekam die Trophäe als Beste Hauptdarstellerin. Wie es einen Pulitzer-Preis gewinnen konnte, bleibt ein Rätsel – denn es ist eine leichte, unkomplizierte Schreibarbeit, Coburns erstes Stück fürs Theater.

Das Geheimnis, so vermutet man, liegt in der Chemie der beiden Darstellenden. Bei Tandy und Cronyn war sie gewissermaßen eingebaut: Es ist ein Stück über Fremde, die Gemeinsamkeiten finden, ihre Berührungspunkte, und die Grenzen des anderen austesten. Für Tandy und Cronyn muss es so selbstverständlich gewesen sein wie Atmen, wie der Mitschnitt ihrer Darstellung nahelegt. Andere Produktionen setzten auf eine ähnliche Chemie: Mary Tyler Moore und Dick Van Dyke; Julie Harris und Charles Durning. Die Chemie zwischen den beiden alten Kontrahenten ist wirklich der Schlüssel.

Und es lässt sich nicht leugnen, dass Cicely Tyson und James Earl Jones Chemie haben – die Art Chemie, die ein rüder, polternder Ehemann und seine lang leidende Frau haben. Sie ist beängstigend, furchteinflößend, emotional aufgeladen und vollkommen glaubwürdig: Tausende Frauen weltweit, im Westen wie im Osten, kennen diese Art Beziehung nur zu gut.

Nur: Komisch ist es nicht. Zumindest nicht in meinen Augen. Um mich herum prustete das Publikum unentwegt los – selbst als sich tragisch Tränen in Tysons Augen sammelten, selbst als Jones über sein eigenes Verhalten entsetzt war und trotzdem weitermachte. Was, bitte, ist witzig an einem Mann, der eine Frau mit Worten, Absichten, Gedanken und Taten gewaltsam angreift – zumal er weiß, dass er ihr Angst macht?

Die schauspielerischen Leistungen wirkten auf mich sehr genau austariert, vielleicht mit einer Konsequenz, die frühere Produktionen nicht gesucht haben. In Jones’ Gereiztheit liegt eine Rohheit, eine schmerzhafte Kante, die tief in männlicher Gewalt gegen Frauen in Beziehungen verwurzelt ist. Daran ist nichts auszusetzen – diese Lesart funktioniert vollkommen. Sie ergibt nur keinen angenehmen Theaterabend mit niedlichen Lacherchen.

Genau darin liegt das große Problem. Diese beliebten Stars werden geliebt wegen dessen, wer sie sind und was sie früher gemacht haben – nicht unbedingt wegen dessen, was sie hier tun. In typisch unterwürfiger Broadway-Manier werden sie schon beim Auftritt beklatscht, bevor sie irgendetwas getan haben, das Applaus rechtfertigen würde. Dieses Gefühl von „Das sind Stars“ durchzieht das Geschehen, lullt das Publikum ein oder erlaubt ihm zu glauben, das Stück werde ein guter, vergnüglicher Abend. Oder vielleicht erwartet das Publikum das schlicht – und beharrt als Reaktion darauf.

Für mich ist das allerdings völlig unbegreiflich.

Beide spielen hier etwas, das mit einer Salonkomödie nichts zu tun hat. Sie wollen einen Punkt machen – und mutig einen, der über die weiße Community hinausweist. Misshandlung von Frauen gibt es überall, und sie muss beendet werden – genau das schreit diese Version von The Gin Game. Nur scheint niemand zuzuhören.

Tyson ist besonders stark. Als Fonsia, Bewohnerin eines Seniorenheims, die noch leben will und vor allem Gesellschaft sucht, ist sie wunderbar lebendig und beweglich. Fast fleht sie Jones darum an, sie als Partnerin anzunehmen, und ihre „Rebellionen“ gegen sein schlechtes Benehmen tragen alle Merkmale einer misshandelten, loyalen Ehefrau. Die Szene, in der sie miteinander tanzen, ist herzzerreißend tragisch – sie zeigt, was möglich wäre, wenn beide, nicht nur Jones, sondern beide, es zuließen.

Denn Tysons Fonsia besteht darauf, die Klügere zu sein. Fair enough – sie ist es ja offensichtlich. Aber ihre Hartnäckigkeit hat Konsequenzen: Jones’ Wut und Verletztheit und am Ende womöglich eine offene Zurückweisung. Ist das für sie das richtige Ergebnis? Würde es ein glücklicheres Miteinander ermöglichen, ihn ab und zu gewinnen zu lassen – was man in der Paartherapie, glaube ich, Kompromiss nennt?

Ist es besser, wenn Fonsia ihre intellektuelle Raffinesse Jones’ Weller gegenüber immer durchsetzt? Wenn sie beim Gin Rummy in die Leben und Schwächen des anderen vordringen, muss sie ihm dann wirklich ihre Cleverness unter die Nase reiben? Sollte es ihn so sehr kümmern, dass sie es tut? Sollte sie seine gewalttätige, stürmische körperliche Aggression verzeihen – oder alles tun, damit diese Aggression gar nicht erst eskaliert?

Das sind Fragen, die im Kern großer Dramatik liegen. The Gin Game spielt vielleicht nicht in der Liga der großen modernen Dramatiker, aber diese Produktion gibt dem Stück die Chance, in diese Höhe zu zielen. Tyson versteht das; bei Jones ist nicht klar, ob er es tut – oder ob er es überhaupt könnte.

Ohne Zweifel hat Jones eine der großen Theaterstimmen. Sein tiefes, meergrundiges Basso profundo ist wirklich außergewöhnlich, und wenn er sich Zeit nimmt, seine Stimme weicher werden und schimmern zu lassen, ist er auf jeder Bühne ein wahrhaft bemerkenswerter Klang. Da ist eine sonore Strenge, die verführerisch wirkt. Zugleich kann er den Glanz und das Bild von Darth Vader (und warum sollte er auch!) nicht ganz abschütteln – sodass, wenn er nicht sehr hart dagegenarbeitet, ein Gefühl von Gefahr stets präsent bleibt.

So wird Jones in dieser Produktion zum Stanley Kowalski des Seniorenheims – fähig zu echter Gewalt, wenn auch nicht unbedingt mit der Absicht zur Gewalt. Er nährt sich mit großer Kunstfertigkeit an Tysons hasenhaftem Fonsia – beide machen Jäger und Gejagte sehr deutlich. Das Problem ist nur: Der Text sieht Fonsia eigentlich als die Jägerin …

Schauspieler*innen sind eben Schauspieler*innen – sie orientieren sich am Publikum. Lacher kommen. Also werden die Leistungen so justiert, dass sie passen und mehr Lacher bringen. Das ist nachvollziehbar.

Aber es ist auch schlicht falsch. Mit dieser Besetzung ist das keine Komödie. Es ist ein schonungsloses, großartiges Drama über den Geschlechterkampf – und darüber, dass diese Kämpfe mit den Jahren nicht schwächer werden. Antony und Cleopatra findet man auch in Seniorenheimen: beim Gin Rummy, während sie einander testen und piesacken. Das Alter mindert nicht die angelegten Eigenschaften, die durch die Gesellschaft noch verstärkt werden.

Foglia muss diese Verantwortung tragen. Wenn das als Chance gedacht war, das Stück für ein neues Publikum, für neue Zeiten und mit völlig anderen zentralen Kontrahenten neu zu denken, dann scheitert es. Es hätte eine glühend heiße, brennende Untersuchung sexueller und gesellschaftlicher Dysfunktion sein können – und mit dieser Besetzung hätte es das vielleicht auch werden können. Tyson kann das definitiv; Jones wahrscheinlich auch, mit der richtigen Regiehandschrift.

Stattdessen zielt das Stück auf einen unerquicklich lauen Mittelweg, in dem Gewalt gegen Frauen lustig sein soll – und das Publikum es auch so findet. Den weniger begangenen Weg zu nehmen, wie Robert Frost es nur zu gut wusste, hätte den entscheidenden Unterschied gemacht.

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