REZENSION: The Flannelettes, King's Head Theatre ✭✭✭✭✭

Die Flannelettes. Foto: Francis Loney Die Flannelettes

King's Head Theatre

19. Mai 2015

5 Sterne

Die Flannelettes kommen als Teil der 45. Jubiläumsfeierlichkeiten zum King's Head Theatre. Das Stück vereint Richard Cameron und Mike Bradwell, das Team, das mit The Glee Club (2002) und ähnlichen Werken einen großen Erfolg im Bush hatte. Es teilt viele ähnliche Qualitäten mit seinem national erfolgreichen Vorgänger: ein Schauplatz in einer deprimierten nordenglischen Stadt, bevölkert von zähen oder ausgebeuteten Frauen und gewaltsamen oder wirkungslosen Männern; wo Musik die große Kluft zwischen den rauen Lebensumständen und den Sehnsüchten und dem Verlangen der Seele füllt. Der Vorhang öffnet sich für eine Tamla-Motown-Hommage in einem Bergarbeiter-Wohlfahrtsclub, die uns fünf der sechs Charaktere im Stück vorstellt – Brenda (Suzan Sylvester), eine Witwe, die das örtliche Frauenhaus leitet; ihre Nichte, Delie (Emma Hook), die 22 Jahre alt ist, aber einen geistigen Alter von einem Jahrzehnt jünger hat; Roma (Holly Campbell), ihre ältere Freundin und die viel misshandelte Freundin eines lokalen Gang-Anführers; Jean (Celia Robertson), eine gebildete Frau aus den Home Counties, die kürzlich ins Frauenhaus gekommen ist, und George (Geoff Leesley), ein freundlicher, aber verblasster lokaler Pfandleiher, der gern als Kerl angezogen wird, um die Zahl zu ergänzen. Später in der Szene gesellt sich Jim (James Hornsby), ein verheirateter Community-Police-Officer, der, wie sich herausstellt, eine Affäre mit Brenda hat, zu ihnen. Die Eröffnungsnummer ist Teil einer regelmäßigen Aufführung, und ihr Ton von aufsteigender romantischer Aspiration gepaart mit einem Gefühl unerbittlicher und unvermeidlicher Enttäuschung setzt das Muster für das ganze Stück. Die Charaktere geben ihr Bestes, um von einem anscheinend vorherbestimmten Set von Situationen zu entkommen, und dann proben oder führen sie Motown-Stücke auf, die als ein chorer Kommentar zur Gewalt und Verzweiflung fungieren, die sie zu überwältigen drohen. Sollte dies als vertrautes und statisches Szenario erscheinen, soll sofort gesagt werden, dass jede der vielen Szenen schön ausgearbeitet ist, sodass die erste Hälfte reiche und tiefe Charakterisierungen aufbaut, aus denen im zweiten Teil ein roher dramatischer Kraftakt entsteht. Dies sind detaillierte Darbietungen, bei denen viele kleine Punkte des Textes oder der Manierismen oder Gesten beim zweiten Mal eine frische Bedeutung haben. Es gibt ein zartes Gleichgewicht zwischen Komödie und Pathos, das weiterhin oszilliert und sich verschiebt, bis eine entscheidende dunkle Wende in den letzten Szenen stattfindet, die mit großer Anmut und Geschicklichkeit von allen Beteiligten gespielt wird. Auch wenn es herausragende Darbietungen gibt, die ich in dieser Kritik hervorheben muss, ist es vor allem ein Ensemble-Erfolg, bei dem der Schriftsteller sicherstellt, dass, wie in einem Opernlibretto, jeder der Charaktere effektive Solo-Spots und Duette des Kontrasts erhält, bevor er an Ensembles mit echter Energie, Witz und – wo nötig – Wut teilnimmt. Alle Schauspieler sind stark und einprägsam; und bei aller umhüllenden Traurigkeit des Endes wirkt es wie eine sehr glückliche Produktion, die das Publikum mit dem Gefühl verlässt, dass eine Bejahung des Lebens ebenso stattfindet wie eine forensische Untersuchung eines Abgrunds des Missbrauchs.

Ein Teil des Grundes für dieses Gefühl der Ausgewogenheit und für den Gesamterfolg der Produktion liegt in der Konzentration auf die individuelle Charakterentwicklung und weniger auf die schematische Zuschreibung von Schuld. Es gibt hier keine dogmatische These: der sozioökonomische Verfall der Bergarbeiterstadt ist gegeben, ein düsterer Hintergrund und keine politische Agenda. Nicht, dass daran im Abstrakten etwas falsch wäre, aber es würde ein ganz anderes Stück werden – Ansätze eines David Hare würden nicht mit dem urtümlichen Seelenschrei verschmelzen, der hier so bewegend eingesetzt wird. Fundamental für die Handlung ist Sylvesters von Sorgen geprägte, illusionslose, unendlich geduldige und akzeptierende Darstellung von Brenda. Sie ist das ruhige emotionale Zentrum des Stücks, um das die anderen Charaktere kreisen und zu dem sie zurückkehren. Es wäre einfach, dies zu einer Karikatur einer unerschütterlichen, stoischen nordenglischen Frau zu machen, aber sie verpasst nicht die Gelegenheiten, die ihr geboten werden, um ihre eigene Enttäuschung und emotionalen Schäden zu enthüllen. Es gibt Momente der rührenden Verwundbarkeit in ihren Interaktionen mit den beiden männlichen Darstellern, die sehr berührend sind. Neben ihr im Schutzhaus vermittelt Robertson gekonnt Jeans Reise von der traumatisierten misshandelten Ehefrau bis hin zu kämpferischem Widerstand und Erholung, trotz des Verlusts ihrer Familie – wirklich der einzige Charakter, der das Stück in einem besseren psychologischen Zustand beendet als zuvor. Die beiden Männer – George und Jim – sind schwieriger darzustellen aufgrund des beständigen, anhaltenden Gefühls des Scheiterns in ihren Charakteren – George hat die besten Absichten, echte Freundlichkeit und Einfühlungsvermögen, aber wenig Energie und Fähigkeit, Dinge durchzuziehen; Jim hat Energie, aber wenig emotionale Einsicht, weder hinsichtlich sich selbst noch anderer. Beide begreifen nicht die katastrophalen Folgen ihrer eigenen Handlungen für die Frauen im Schutzhaus. Die Macht liegt immer noch bei Männern, die entweder schwach sind oder (außerhalb der Bühne) grobschlächtig und manipulativ missbräuchlich. Beide Schauspieler schaffen es, diese Männer sympathisch zu machen, auch wenn der emotionale Zug und Sog des Stücks ein Klagelied für und über Frauen aufstellt.

Aber die herausragenden Darbietungen liegen ohne Zweifel bei Holly Campbell und Emma Hook. Für den Großteil der Handlung muss Campbell eine Frau spielen, die keinerlei Selbstwertgefühl mehr übrig hat, die sich entweder von mehr Missbrauch erholt oder kurz davor ist, diesen zu erleiden. Sie fängt die hohläugige, betäubte Qualität des dauernden Opfers sehr wirtschaftlich und ohne Sentimentalität ein, während sie eine andere Stimme und Persönlichkeit für ihre Hoffnung auf ein eigenes Zuhause bewahrt. In ihren Szenen mit Hook ist ihre gegenseitige Wiedergewinnung eines Raumes für Hoffnung sehr bewegend. Delie ist allerdings im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit des Publikums, wann immer sie auf der Bühne ist. Sie spielt ihren Charakter sicher mit Unschuld, aber auch mit vielen anderen Schichten: der Tunnelblick und das unermüdliche Neugierde eines Kindes mit überschüssiger Energie, aber fehlgeleiteter Vertrauenswürdigkeit kommen in der ersten Hälfte kraftvoll zum Ausdruck; und in der zweiten Hälfte, wenn die Dunkelheit sie umgibt, übernehmen Unverständnis, Schmerz und der verzweifelte Wunsch, einen sicheren Halt in der Erwachsenenwelt zu bewahren, und Sie sehen die Umrisse einer Leistung von wahrer Größe. Ihr Monolog im letzten Abschnitt des Stücks ist einer der zwei oder drei besten Momente im Theater, die ich dieses Jahr erlebt habe; einer dieser Zeiten, in denen das Publikum völlig in der Zone mit dem Schauspieler ist und alle anderen Überlegungen wegfallen.

Dieses Stück ist eine würdige Hommage an alles, wofür das King's Head steht. Versuchen Sie es auf jeden Fall in seinen letzten Tagen zu sehen, und ich kann nur hoffen, dass es bald auf einer anderen Bühne zu sehen sein wird.

Die Flannelettes läuft im King's Head bis zum 6. Juni 2015