BEWERTUNG: The Crucible, Old Vic Theatre ✭✭✭✭✭

Der Hexenhammer am The Old Vic. Foto: Tristram Kenton Der Hexenhammer

Old Vic Theatre

30. Juni 2014

5 Sterne

Der Zuschauerraum ist dicht mit rauchigem Rauch gefüllt. Man kann das verbrannte Stroh und die anhaltende Aschespur bei jedem Atemzug riechen. Die Bühne ist kahl, jedoch übersät mit alten, abgenutzten Stühlen und mit einem Stapel aufgegebener Bauernstiefel ominös in der Mitte der Bühne, scheiterhaufenähnlich oder vielleicht ein Denkmal.

Es ist dunkel, fast wie am 13. Freitag, und ein greifbares Gefühl des Entsetzens ist unausweichlich. Lichtpunkte durchbrechen in unregelmäßigen Abständen die Dunkelheit. Aschenflocken fallen sporadisch von der Decke herab. Da es Theater in der Runde ist, sind das Unbehagen und die Unruhe der anderen Zuschauer deutlich zu spüren - und erschreckend. Mehr als alles andere, wenn man die grauen Vorhänge und Paneele betrachtet, die sich in den Zuschauerraum erstrecken und sich darum winden, ist man sich eines Gefühls bewusst, im Urteil zu sitzen.

Und darin, noch bevor die erste Zeile gesprochen wird, beginnt Yaël Farbers glorreiche Wiederbelebung von Arthur Millers Meisterwerk (nun, eines davon) Der Hexenhammer, jetzt in den Previews am The Old Vic, so wie sie fortfahren will: mit einer unheimlichen, beunruhigenden Präzision.

Der Hexenhammer ist ein langes Stück (hier beginnt es um 19:30 Uhr und endet gegen 23:15 Uhr mit einer 20-minütigen Pause) und unter den falschen Händen kann es in der Tat schrecklich sein: melodramatisches Geschwätz in den schlimmsten Produktionen.

Aber Farber macht keine Fehler in Besetzung, Design, Tempo, Ton oder Intensität, mit dem Ergebnis, dass das Stück vor Vitalität pulsiert, sowohl viszeral als auch sinnlich ist, und selbst wenn man die Handlung kennt, sich wie der erschreckende psychodramatische Thriller entfaltet, der es ist.

Sie übernimmt einen thematischen Stil für das Szenen-Setting und -Wechsel, der spektakulär gut funktioniert. Stille, düstere Figuren, alle in Brauntönen oder Schwarz oder Schmutzigweiß gekleidet - es gibt nichts Farbenfrohes in dieser Welt - bewegen sich fast ballettmäßig, etablieren die Düsterkeit und schaffen den Eindruck eines Totentanzes, während Tische, Stühle, Bänke, Wasserbecken und so weiter gesetzt werden. Nichts davon geschieht schnell; es ist fast unerträglich feierlich, aber es schafft und hält die Stimmung triumphierend aufrecht.

Das Eröffnungsbild von Tituba, die zweideutig über einem Haufen aufgegebener Schuhe singt, ist kraftvoll - und setzt den Spielraum als Hexenkessel voller seltsamer Taten auf. Blase, blase, Mühe und Trubel: Das ist der zugrunde liegende Antrieb hier. Als der zweite Akt beginnt, spricht der stille Fortschritt einer einzelnen Frau, die ein Stück Seil hinter sich herzieht, beredter von den Todesfällen, die seit dem Ende des ersten Aktes stattgefunden haben, als jede Dialogpassage oder tatsächliche Darstellung von Hängungen es könnte. Es ist sowohl strahlend als auch erschreckend.

Soutra Gilmours Bühnenbild ist großartig anpassungsfähig; Bauernhof, Schlafzimmer, Kirche, Gericht, Kerker. Es wird mühelos zu dem, was es sein muss, aber mit einer Leichtigkeit und Flüssigkeit, die die Zeit des Spieles und die widersprüchlichen Unsicherheiten der Lebensumstände der Charaktere unterstreicht. Tim Lutkins sehnsüchtig evokative und anmutend beleuchtete Beleuchtung vertieft die Effektivität des Sets und schafft zusammen mit Richard Hammartons beeindruckender, unheimlicher, zerbrechlicher Musik den perfekten Rahmen für den Zusammenstoß zwischen Gut und Böse, Eigeninteresse und Gruppenzwang, Rache und beharrlicher Herablassung.

Die Besetzung ist auf den Punkt gebracht. Es gibt 24 Schauspieler in der Gesellschaft; jeder ist tadellos.

Dieses Stück kann in Gelächter des Spottes verfallen, wenn die jungen Frauen, die Abigails Gruppe ausmachen, nicht überzeugend sein können, besonders in der Schlüsselszene, in der sie alle vielleicht oder vielleicht nicht eine gemeinsame Vision teilen, die Natalie Gavins gebrochene Mary Warren von einem Gefühl für Wahrheit reißt und das Schicksal von John Proctor und Rebecca Nurse besiegelt.

Aber hier gab es keine Probleme. Einheitlich herausragend waren die jungen Frauen, ihre kehlig-dämonischen, durchdringenden Schreie und körperlichen Eruptionen sind erschreckend gemacht. Glaubhaft und knochenerschütternd. Samantha Colley ist eine sinnliche, provokative und letztlich abscheuliche und bösartige Abigail. Ich habe noch nie eine bessere gesehen. Sie ist die lebende Definition einer verschmähten Frau.

William Gaunt ist wirklich wunderbar als kämpferischer, erstaunter Giles Corey, und die Wärme und Tiefe, die er dem Charakter verleiht, stellt sicher, dass die Beschreibung seines Mordes schwer zu ertragen ist. Ann Firbank ist ebenso wundervoll als die gelassene, akzeptierende Rebecca Nurse; sie zerreißt einem die Seele mit ihrer beiläufigen Bemerkung, dass ihr kein Frühstück angeboten wurde, als sie zur Hinrichtung geführt wird. Sie beobachtet alles, was passiert, und ihre Ruhe und ihr beatifisches Antlitz sind ein hervorragender Gegenpunkt zu den Histrioniken der rechtschaffeneren Mitglieder der Gemeinschaft.

Jack Ellis schäumt und zürnt mit giftigem religiösen Eifer als der selbstgefällige, widerliche Danforth, ein Mann, der so von Hexerei überzeugt ist, dass er allen Verstand ignoriert, um sie zu beseitigen. Es ist eine wunderbare Rolle und Ellis gibt ihr volle Kraft. Die Präzision seiner Sprache und Darstellung ist köstlich, und in den seltsamen Momenten, in denen Unsicherheit über seine Züge fliegt, werden die Schichten politischer Komplexität, die seinem Charakter innewohnen, geschickt gezeichnet.

Adrian Schiller macht jede Sekunde für Reverend Hale lohnenswert. Vom Establishment, macht Hale die größte Reise, bewegt sich von Unsicherheit zu Überzeugung und wieder zurück - und die Belastung wird von Schiller deutlich gezeigt. Eine weitere Vorstellung voller subtiler Freude.

Ich werde nicht alle aufzählen, aber jedes Mitglied der Besetzung leistet seinen Beitrag, hinterlässt seinen Eindruck – von Harry Attwells ekligem, spöttischem Putnam bis zu Neil Salvages bedrücktem und verlassenem Francis Nurse. Christopher Godwin ist die personifizierte Anmaßung als Hathorne.

Aber der Kern des Stücks, sein Herz und sein straffes Gewebe, liegt bei John und Elizabeth Proctor. Und hier bringen beide Darsteller eine reiche, tief empfundene und geteilte Intensität in ihre Darbietungen ein.

Anna Madeley ist perfekt als Elizabeth, ihr Sinn für Frau und Mutter tiefgründig und allumfassend. Sie trägt die Trauer über das, was zwischen John und Abigail geschehen ist, bevor das Stück beginnt, mit stoischer Pflicht - es gibt einen wunderbaren Moment, in dem sie Wasser für Johns Vorabendwäsche einschenkt, und wo die Zeit, die dafür benötigt wird und die Distanz, die bei der Aufgabe angewendet wird, Bände über ihr einfaches Leben und die leichte Distanz, die das Paar derzeit trennt, spricht.

Der größte Moment des Stücks kommt, wenn Danforth Elizabeth darüber verhört, ob ihr Mann ein Ehebrecher war oder nicht. Um ihren Mann nicht zu beschämen, lügt Elizabeth unerwartet und uncharakteristisch und sagt, er sei nicht mit Abigail untreu gewesen, nicht wissend, dass John gestanden hat und dass ihre Lüge ihn verurteilen wird. Madeley spielt diese Szene bemerkenswert, von Schmerz und Angst zerrissen, nicht lügen wollend, aber ihren Mann retten wollend. Selbst das Wissen darüber, was passiert, konnte die Spannung, die Madeley hier erzeugt, nicht stören. Und die anschließende, leidenschaftliche Angst, gefolgt von der letzten ruhigen Akzeptanz der Notwendigkeit, dass ehrliche Männer sterben müssen, anstatt in Lügen gezwungen zu werden - das alles ist meisterhaft gemacht. Untertrieben. Tief berührend.

Dann ist da noch Richard Armitage als John Proctor.

Es gibt viele Möglichkeiten, sich diesem Charakter zu nähern: gequält, trotzig, intellektuell, wild, unverständlich - alle sind legitime Wahlmöglichkeiten, abhängig von der Produktion. Armitage spielt ihn als einfachen Bauern, der endlos arbeitet, um für seine Familie zu sorgen, der seinen Glauben wichtig hält, aber nicht wichtiger als das Leben seiner Frau, Kinder und Freunde. Ein Mann, der sich selbst für fleischliche Lust mit Abigail betrogen und dadurch Elizabeth gebrochen hat; ein Mann, der sich selbst nie vergeben wird.

Armitage ist voller Muskeln und Wut, doch es gibt Momente großer, aufrichtiger Zärtlichkeit und er handhabt die lyrischen Teile des Stückes mit großer Schönheit. Er schreit viel - aber es ist nicht fehl am Platz oder übertrieben; dies ist mehr die Reaktion des einfachen Bärs des Mannes, der sein Proctor ist, gefangen, in die Enge getrieben und misshandelt. Ein faszinierender und einzigartiger John Proctor. Er ist am besten im Umgang mit Danforths schroffer Verachtung und der Doppelzüngigkeit des Reverend Parris (ein liebenswerter Michael Thomas), aber es gibt kein Leugnen des echten Gefühls, des totalen Verständnisses, das er in seine Szenen von Reue und Verlust mit Madeleys Elizabeth bringt.

In der Tat ist dies das große Verdienst von Farbers Inszenierung. Es ist kristallklar im Erzählen der Geschichte, unerbittlich im Detail und romantisch und sinnlich in seinem Gesamtgefühl.

Eine brillante, erhabene und erschreckend effektive Umsetzung von Millers wunderbarem Stück.

Unmissable.