KRITIK: Der Kirschgarten, Young Vic ✭✭✭✭

Der Kirschgarten im Young Vic. Foto: Stephen Cumminskey Der Kirschgarten

Young Vic

23. Oktober 2014

4 Sterne

Ich muss gestehen, dass ich eine lange Geschichte mit Anton Tschechows Der Kirschgarten habe. Zusammen mit Hamlet, Macbeth und Hedda Gabler ist Der Kirschgarten eines der Klassiker, die ich am häufigsten gesehen habe, oft nicht zur Zufriedenheit. Es war auch ein Studienfach an der Universität, wo uns ein etwas „ungewöhnlicher“ Tutor dazu brachte, uns auf den Boden zu legen und uns vorzustellen, wir seien abgeholzte Kirschbäume, während sie uns den Text vorlas...

Ich habe tragische Versionen, komische Versionen, tragisch-komische Versionen und regelrecht dumme Versionen von Der Kirschgarten gesehen, aber ich kann mit Sicherheit sagen, dass ich noch nie eine Version gesehen habe wie die, die momentan im Young Vic gespielt wird, adaptiert von Simon Stephens und inszeniert von Katie Mitchell.

Es ist düster, brutal sogar, ohne einen Hauch von Ironie, die die düsteren Umstände erhellt, die zur Zerstörung des geliebten Kirschgartens der Familie Gaev führen. Fest in der Gegenwart verankert, fehlt dieser Version der schwelgerische Blick in die Vergangenheit, sie verweilt nicht zu lange bei den Charakteren und zieht es vor, Schock und plumpen Slapstick sanfteren Wegen, Aussagen zu machen, vorzuziehen. Es gibt wenig Gefühl von alt gegen neu Russland, wenig Gefühl für den Wandel der Traditionen und Zeiten und weniger Komplexität in allem. Aber es ist strahlend trostlos, voll von spröden, schrecklichen Menschen, die doppelte und unaufrichtige Leben führen. In dieser Hinsicht ist es eine fesselnde Neuinterpretation von Tschechows Meisterwerk.

Tschechow bestand darauf, dass Der Kirschgarten eine Komödie sei, aber sein erster Regisseur, Stanislavski, hielt es für eine Tragödie und inszenierte es entsprechend. Tschechow war entsetzt, aber Stanislavskis Ansicht hat wirklich alle späteren Versionen geprägt. Einschließlich dieser.

Stephens hat das Stück erheblich verkürzt (dies läuft ungefähr 2 Stunden ohne Pause; ich habe Inszenierungen gesehen, die mehr als vier Stunden dauern) und hat einige sehr drastische Entscheidungen über die Charaktere getroffen. Jasha ist ein grausamer, eigennütziger Mörder und Verführer; Lopachin, im Grunde genommen habgierig und unaufrichtig; Charlotte, eine konfrontative feministische Aktivistin und Zauberin; Simeon, ein törichter Trottel mit einer Aura der Pretentiousness; Ranevskaya, mehr kurtisanenartig und Fischweib als verblichene Aristokratie.

Mitchell greift all das wie ein Olympionike auf, und das Ergebnis ist eine zügige, sorgfältig komponierte Symphonie aus Schmerz, Qual und Verlust. Während diejenigen, die Der Kirschgarten kennen, vielleicht ein oder zwei Augenbrauen heben mögen, ist die Tatsache, dass diese Adaption zusammenhält und eine packende Geschichte über die Zerbrechlichkeit des Lebens und die Mechanik von Geld und Trug erzählt. Es ist so ungewöhnlich wie fesselnd.

Wer hätte gedacht, dass der Star einer Inszenierung von Der Kirschgarten der Schauspieler sein würde, der Firs, den alten Diener spielt, der der Familie Gaev unerschütterlich loyal ist? Dennoch ist das hier der Fall.

Gawn Graingers wunderbar ausgearbeitete und unendlich zarte Darstellung eines Lebens, das dem Dienst gewidmet ist, ist einfach sensationell, von seinem ersten gebückten Watscheln über die Bühne, als er Ranevskayas Handtasche trägt, bis zu seinem Zusammenbruch auf dem Boden, als er erkennt, dass die Familie ihn eingesperrt hat, verurteilt zum Tod, als sie in andere Gefilde aufbrachen. (In dieser Version wird Firs‘ Schicksal durch Jashas absichtliche Handlungen besiegelt, anstatt durch Vergesslichkeit, was dieses Schicksal natürlich sowohl schlimmer als auch besser macht)

Grainger ist einfach perfekt und seine Rede darüber, was früher mit den Kirschen aus dem Garten geschah, wird mir lange in Erinnerung bleiben, ebenso wie der schmerzvolle Moment, als er sich auf allen Vieren niederließ, um einen Schemel für seine gleichgültige Herrin zu sichern. Seine letzte, tragische Erkenntnis seines Untergangs ist verheerend.

Tom Mothersdale ist perfekt widerlich als Jasha, das Symbol der rebellischen Jugend, der verschwenderischen Zukunft. Seine Exzesse sind so klar wie sein Magnetismus. Die bizarre Szene, in der er und Simeon im zweiten Akt zusammen singen, ist seltsam kraftvoll. Mothersdale ist eher wie der russische Nick Cotton, ein Ball aus Wut, sexueller Macht, Gelegenheit und Manipulation; das Gefühl, dass Gewalt nur einen Augenblick entfernt ist, ist tief. Ein Schauspieler, den man im Auge behalten sollte.

Dominic Rowan, ein wirklich ausgezeichneter Schauspieler, ist in hervorragender Form als Lopakhin, obwohl die Art und Weise, wie Stephens die Rolle konzipiert hat, das Spektrum der erforderlichen Emotionen einschränkt. Dieser Lopakhin ist überhaupt nicht sehr nett und genießt sein Erwerb des Guts der Familie Gaev. Die Szene, in der er Varya (zweimal) zerstört, ist in der Tat düster, aber Rowan macht ihn erträglich, verständlich und ganz. Eine echte Leistung hier, mit diesem reduzierten, leicht verdrehten Blick auf den Charakter.

Viel kann schiefgehen mit der Darstellung von Leonid, dem Billard liebenden, langatmigen, etwas dusseligen Bruder von Ranevskaya, aber nicht hier: Angus Wright stellt brillant und präzise diesen törichten Mann und seine Marotten her. Seine Rede über den 100 Jahre alten Schrank war reines Gold. Ebenso sein Gefühl des düsteren Misserfolgs, als er auf das Gut zurückkehrte, nach der Auktion, die das Gut der Familie Lopakhin übergab.

Als Varya ist Natalie Klamar geschickt darin, den Sinn für den Pragmatismus ihrer Figur zu vermitteln, ebenso wie ihr Sinn für Romantik und Isolation innerhalb einer Familie, die sie mehr wie eine vertrauenswürdige Dienerin behandelt als ein geliebtes Mitglied. Ihre Stimme, voller reicher Möglichkeiten und mit einem mitreißenden Timbre, erhält vollen Raum und vermittelt effektiv die vielen Stimmungen und Gedanken Varyas. Der Moment, in dem sie erkennt, dass der Mann, den sie liebt/verachtet, die Verwaltung des Guts dem Tölpel Simeon übertragen hat, ist unglaublich bewegend, eingehüllt in schmerzvolle, herzzerreißende Erkenntnis.

Ich fand den ewigen Studenten Peter Trofimov (Paul Hilton) etwas zu düster und Blumenmädchen zugleich, um der Gegenpol zu sein, den Tschechow ursprünglich envisioned hatte, und die Rolle der Anya scheint in dieser Version irgendwie reduziert, obwohl Catrin Stewart angemessen schön und prinzessinnenhaft war. Als Simeon, Hugh Skinner, der zu sehen schien, seine Darbietung auf Matt Smiths tollpatschigem Doctor Who zu basieren, war niedlich tollpatschig und fehl am Platz, aber viel von seinem komischen Slapstick-Stück kam nicht so an, wie es sollte.

Charlotte (Sarah Malin) schien mehr ein Mittel von Katie Mitchell für Tricksereien als ein interessanter Charakter für sich selbst zu sein. Ihre Zaubertricks im dritten Akt waren grandios, wunderschön ausgeführt, aber es war schwer, ein Wort zu verstehen, das sie sagte, da Malins Artikulation schlecht war. Ihre kurze, alberne Nacktszene war ebenso überflüssig wie ihr Kauen auf einer phallischen Gurke oder ihre Anspielung auf ihre Vagina als ihr "Dachs" - Ablenkungen mit Schockwert. Eher sinnlos.

Es gibt gute Arbeit vom Rest der Besetzung (Stephen Kennedys Boris ist besonders fein), aber nicht viel von Kate Duchênes Darstellung der Lyubov Ranevskaya klang glaubwürdig. Mehr sexueller Verirrter als törichte, verblichene alte Welt Eleganz, mehr ungestüm und impulsiv als verloren in einem Nebel der Unverständnis über ihre Umstände, mehr grob und gewöhnlich als stilvoll und kultiviert, das war ein ganz anderer Blick auf diese große Rolle. Ich mochte es überhaupt nicht, aber das ist nicht alles Duchênes Schuld; sie liefert genau das, was Stephens und Mitchell wollten. Es ist mir jedoch unklar, warum das gewollt war. Das Ergebnis ist flach und ziemlich zweidimensional. Leider.

Vicki Mortimers Design ist ausgezeichnet und vermittelt ein sehr klares Gefühl für die verblasste Pracht des einst geschäftigen, prunkvollen Anwesens. James Farncombes Beleuchtung ist sehr atmosphärisch, obwohl gelegentlich Dinge einfach zu schattig sind, um Klarheit zu erlauben.

Gareth Frys Soundeffekte sind, in dieser charakteristischen Katie Mitchell-Manier, effektiv, obwohl ich persönlich den Klang einer einzelnen Axt, die einschlägt, als einen eindringlicheren, erschreckenderen und zutiefst tragischen Klang empfinde als das Summen moderner Maschinen, die die Bäume in Vergessenheit pflügen. Aber der fast apokalyptische Klang, der die Stille auf dem Gut im zweiten Akt zerbricht, ist wirklich etwas und der verstärkte Klang eines sich schnell fortbewegenden Zuges (die Räder der Zeit und Bewegung, die sich drehen) erweist sich als ruckhafter, aber effektiver szenenwechselnder Leitmotiv.

Dies ist ein Tschechow-Experiment, das größtenteils funktioniert. Es ist nie langweilig und die Absicht sowohl des Adapters als auch der Regisseurin ist klar und wird von der großen, talentierten Besetzung treu erfüllt. Aber es hat nur wenige Höhen (keine, die freudig oder ironisch sind), außer in seiner Dunkelheit, seinen schwarzen komödiantischen Aspekten und seiner trostlosen Verurteilung derer, die sich nicht mit der Zeit bewegen würden. Mothersdale, Rowan und Wright stehlen das Rampenlicht, aber es ist definitiv Gawn Graingers großartiger Firs, der die bleibende Erinnerung an diese Produktion sein wird.