KRITIK: Bakkhai, Almeida Theatre ✭✭✭✭✭

Bakkhai

Almeida Theater

31. Juli 2015

5 Sterne

Er tritt in fünf Erscheinungen auf.

Die erste ist fast wie ein Kobold. Blaue, enge Hosen, ein weißes T-Shirt, beides locker getragen, zerzaust. Lang, sehr lang, schwarze Haare und ebenso lange Glieder. Das Lächeln ist verführerisch, die Stimmung schelmisch, der Zweck – Exposition. Die Haltung, kantig; das Fleisch wird provokant, verführerisch gezeigt. Augen wach, flackernd. Er könnte ein Rocklegende oder ein Filmstar sein. Das ist der Gott Dionysos, gekommen, um die Ungläubigen zum Glauben zu bringen und dabei seinen Spaß zu haben.

Der zweite ist ein weiser alter Mann, Teiresias, Freund von Kadmos, dessen Enkel Pentheus nun in Theben herrscht. Mit Efeu in seinem Haar gewickelt, von Alter und Erschöpfung gebeugt, und einer Stimme, die unheimlich Bilder von John Hurt heraufbeschwört, sucht Teiresias Dionysos zu verehren. Er hat die Schrift an der Wand gesehen, obwohl seine Augen tot sind. Aber Pentheus hält ihn auf und Teiresias fürchtet um Pentheus' Zukunft.

Der dritte ist teils Christusfigur, teils Sirene, teils Verführer/Verführerin, teils Überredungskünstler und ganz bezaubernder Gott. Sein sehr schlanker Körper ist in ein langes Kleid aus Tierhaut gehüllt; es wirkt weich, fleischlich, hedonistisch und zugleich opferbereit. Verführerisch und abstoßend. Das ist Dionysos, der Pentheus davon überzeugt, einen anderen Weg zu gehen - sich als Frau zu verkleiden und unter die Frauen von Theben zu mischen, die die Stadt verlassen haben und wild Dionysos auf dem Berg Kithairon feiern und verehren. Er ist enorm überzeugend, kann jedes Argument widerlegen, jede Behauptung als selbstverständlich und offensichtlich erscheinen lassen. Die Personifizierung unwiderstehlicher Anziehungskraft.

Der vierte ist ein hektischer Diener, ein gewöhnlicher Mensch, der in außergewöhnliche Dinge verwickelt ist. Er hat etwas Schreckliches gesehen und muss es berichten. Der Schmerz, die Angst und die trostlose Wut, die er empfindet, sind in jedes Wort eingenäht, das er herausstößt. Er hat die Rache eines Gottes in ihrer ganzen düsteren, fantastischen Schrecklichkeit gesehen. Er wird nie wieder derselbe sein.

Der fünfte ist Dionysos in einer seiner Gottheiten: der Kopf eines Stiers, ein fester, muskulöser Oberkörper, der mit einer Art schwarzem Dreck bedeckt ist (Kot, Erde, die Gewässer des Flusses Styx?) und eine tobende, bockige, kreischende Stimme. Dieser hier ist wirklich beängstigend, bis ins Mark verstörend. Und doch, offensichtlich die ganze Zeit da...

Das ist Ben Whishaw, elektrisierend, roh, intensiv und außergewöhnlich in James Macdonalds Inszenierung von Euripides' Bakkhai, Teil der Almeida Greeks Saison. Besser mit einigem Abstand als die Orestia, die ihm in der Saison vorausging, und profitierend von einem klaren, modernen Text von Anne Carson, reißt diese Inszenierung mit und hält mühelos die Aufmerksamkeit für seine fast zwei Stunden ununterbrochene Dauer.

Das Stück wurde erstmals nach Euripides' Tod aufgeführt und brachte ihm posthum Auszeichnungen ein. Es wird oft als letztes Kapitel in der Entwicklung der griechischen Tragödie angesehen, sowie als das Werk, das das Genre neu belebte. Diese Vorstellung von Dualität und Transformation ist überall in der Schrift zu finden.

Es ist ein Stück, das einer Vielzahl von Interpretationen standhält. Macdonald wählt keinen bestimmten Weg; vielmehr erzählt er die Geschichte mit sorgfältiger Klarheit und lässt sie zu jedem einzelnen Zuschauer auf eigenen Bedingungen sprechen. Man kann von dieser Inszenierung mitnehmen, was man mitbringt - die Besetzung wird einfach eine Kerze anzünden, was man sieht, liegt an einem selbst.

Wenn Sie noch nie eine griechische Tragödie gesehen haben, ist dies ein hervorragender Ausgangspunkt. Wenn Sie von langweiligen Inszenierungen griechischer Tragödien verbrannt wurden, lassen Sie diese hier ihre Magie auf Sie wirken. Sie ist fabelhaft.

In der Tradition von Euripides' Zeit benutzt MacDonald einen Chor aus zehn Personen (hier Frauen, anstatt der traditionellen Jungen) und drei Schauspielern. Der Chor hat eine besondere Rolle, beobachtet, kommentiert, nimmt teil; die drei Schauspieler spielen alle anderen Rollen. Dies bietet den Schauspielern großen Spielraum für wunderbare Darbietungen und erlaubt eine Erkundung der Mehrdeutigkeiten, Unsicherheiten und der doppelbödigen Natur der Ereignisse.

Das Design von Anthony McDonald ist prächtig. Die nackten, ungewaschenen Backsteinwände des Almeida, eine einfache Plattform, dunkle, vulkanische Steine, die zwischen Wand und Plattform verstreut sind und um die Seiten herum. Unberührte und unverzierte Natur. Hoch in der Luft ein Satz heller Lichter, fast als ob ein Operationssaal (oder vielleicht eine Rockarena) dort wäre - die scharfe Beleuchtung betont die messerscharfe Präzision von Dionysos' Manövern und die offenbarten Realitäten im Raum.

Orlando Gough bietet reich detaillierte, aber zutiefst schwierige a cappella Musik für den weiblichen Chor. Es gibt einige spannende und komplexe Harmonien, aber größtenteils ist die Musik nicht melodisch, ihre Dissonanz und Härte im Vordergrund. Die Frauen führen die Musik mit beispielhafter Geschicklichkeit aus, aber oft fragt man sich, ob rauchigere, offensichtlich erdige und sexuelle Melodien nicht angemessener gewesen wären. Irgendwie wird die Präsenz des Chores von der Musik dominiert, und nicht immer werden Carsons Worte gut von den Gesangslinien übermittelt. Ein fühlbarer Sinn von schweißtreibendem, berauschendem Tanzen in der Musik hätte dem Zweck vielleicht besser gedient.

Und, in gewisser Weise, ist das die Beschwerde hier. Abgesehen von Whishaw scheint alles ein wenig zu sicher. Die Leidenschaften und der Hass und die Angst sind nicht so ausgeprägt, wie sie sein könnten.

Zu einem großen Teil liegt das an Bertie Carvel. Während sein Pentheus angemessen gestrafft ist, eisig entschlossen, Dionysos zu widersprechen und ein kleinlicher Bürokrat, dürfen die Unterströme nicht oft genug oder nicht ausreichend die Oberfläche durchbrechen. Zwar fragt er schnell, welche Art von Kleid er tragen soll, und er hat zufällig einen sehr schönen Chanel-Anzug im Schrank, aber es gibt kein greifbares Gefühl seiner Anziehung zu Whishaws Verführung, keine Ahnung von den Maden, die unter der Haut kriechen, verzweifelt auszubrechen. Der Konflikt innerhalb von Pentheus bleibt ungesprochen, subtil gemacht, wo ins Gesicht schauende Konfrontationen möglicherweise lohnender gewesen wären.

Ebenso schwebt der Geist von Miss Trunchball über der Szene, in der Pentheus im Kleid erscheint, insbesondere im Moment, als Whishaw ihm hilft, einen losen Strang der grauen Perücke zu fixieren, die lose geworden ist, weil er geübt hat, seine Mähne zu schwingen, aber auch, als der hungrige Blick kommt, wenn er seine bemalten Lippen im Spiegel sieht und den Lippenstift aus Whishaws Händen schnappt, um extra Farbe aufzutragen. Das liegt mehr an den Kostümentscheidungen als an Carvels Arbeit, aber es ist schade.

Carvels beste Arbeit kommt, wenn er Agave, Pentheus' Mutter, spielt. Sie hat Theben für das wilde, jubelnde Leben auf dem Berg verlassen und weiß nicht, was sie tut, als sie und ihre Schwestern ihren eigenen Sohn abschlachten und auseinanderreißen (buchstäblich). Als ihr Vater sie schließlich die Wahrheit sehen lässt, bricht Agave in ihrem Kummer zusammen und Carvel spielt die wilden Stimmungsschwankungen von Agave mit Geschick und wahrer Hingabe. Nur mit einem Hemd bekleidet und bedeckt mit dem gleichen mysteriösen, aber offensichtlich üblen, dunklen Spritzer wie Whishaws Stierkopf-Gott, macht Carvel Agave sowohl zur Tochter ihres Vaters als auch zur Mutter ihres Sohnes. Es gibt eine tiefe Traurigkeit um das Schicksal von Agave.

Kevin Harvey, der dritte Schauspieler im Trio, ist hervorragend. Sein steifer und zerbrechlicher Kadmos ist wunderschön, sorgfältig dargestellt, ein schmerzliches Porträt von Schmerz und Bedauern. Er ist hervorragend, wenn er Whishaws Teiresias und Carvels Agave gegenüber spielt - er bringt das Beste aus beiden heraus. Der Einsatz seiner Stimme ist außergewöhnlich, lange Phrasen voller Schönheit würzen seinen Vortrag. Er ist auch ganz wunderbar als geschockter Hirte, der versucht, Pentheus von der Notwendigkeit zu überzeugen, Dionysos zu umarmen und die Frauen auf dem Berg zu fürchten.

Aber es ist Whishaws Show – ohne Frage.

Er ist eine Naturgewalt, die jeden Moment von Nuance, Humor und Zweck aus dem Text herausarbeitet und eine völlig engagierte, unbestreitbar kraftvolle und überzeugende Darbietung liefert. Jeder Moment ist faszinierend, durchdacht und geschickt gespielt.

Dionysos war der Gott des Theaters, ebenso wie Wein, Gesang und Tanz. Whishaw macht dies zum Teil des eigentlichen Stoffes seines Auftritts als rachsüchtiger Gott und kompensiert diese Darbietung mit zwei bemerkenswerten Cameos – als Tieresias und als Bote. Er ist in jeder Hinsicht magisch. Er kanalisiert die Ekstase von Dionysos ebenso wie seine launische Wut. Es gibt niedliche Momente komischer Freude, boshafte Ausbrüche explosiver Art und sanft verführerische Bitten, unter denen Gift lauert. Eine rätselhafte und zutiefst komplexe Darbietung, Whishaw ist wie ein griechischer Zauberwürfel: bunt, verführerisch, fast unmöglich.

Carson beschreibt Dionysos so:

"Er ist ein junger Gott. Mythologisch unklar, immer gerade dabei, an einem neuen Ort anzukommen, um das Status quo zu stören, mit dem Beginn eines Lächelns."

Einmal Whishaws Auftritt hier gesehen, wird man seinen beginnenden Lächeln nie vergessen. Oder aufhören, zu fürchten, was es bedeutet.

Bakkhai läuft im Almeida Theater bis zum 17. September 2015