KRITIK: Sommer und Rauch, Duke Of York's Theatre ✭✭✭

Julian Eaves rezensiert den West End-Transfer von Summer and Smoke von Tennessee Williams im Duke of York's Theatre, London.

Matthew Needham und Patsy Ferran in Summer and Smoke. Foto: Marc Brenner Sommer und Rauch

Duke of York's Theatre

21. November 2018

3 Sterne

Jetzt buchen Von Tennessee Williams wird oft gesagt, er habe nur eine Geschichte zu erzählen, und habe sie hundertmal neu geschrieben. Das macht ihn nicht ungewöhnlich unter Schriftstellern, viele andere könnte man ebenfalls so beschreiben. Aber für einen Autor, der intensiv daran glaubte, eine enge persönliche Verbindung zum Projekt des Augenblicks zu haben, und angesichts der Tatsache, dass sein Leben bemerkenswert konsistent und kohärent war, indem er immer wieder auf Bedrohungen und Kämpfe aus der Vergangenheit zurückkam (oft durch alkoholische oder narkotische Beeinflussung), jubelt sein Werk in einer Homogenität und Kontiguität, die besonders auffallend ist. Dieses Phänomen wurde zweifellos durch seine bevorzugte Arbeitsweise viel solider und allgegenwärtiger gemacht: Er begann mit einem Gefühl, das er in ein Gedicht übersetzte, entwickelte es zu einer Kurzgeschichte und wandelte diese dann in ein Einakter um, den er dann - wenn die Muse so lange bei ihm blieb - in ein vollständiges Drama ausweitete. Dieser Prozess produzierte einige großartige Ergebnisse sowie eine gute Anzahl von zweitklassigen Werken. Die besten Stücke bleiben bei uns, werden immer wieder irgendwo für ein Publikum aufgeführt, das nie seine Lust auf seine überhitzten südländischen Melodramen zu verlieren scheint. Gelegentlich, in der anhaltenden posthumen Popularität seines Oeuvres, können die zweitklassigen Stücke (durch einen einfallsreichen Regisseur) in Dramen von erstklassiger Wirksamkeit verwandelt werden... denken Sie an die kürzliche atemberaubende Wiederentdeckung der 'Confessional' im Southwark Playhouse.

Ebenso widerstehen manchmal die weniger erfolgreichen seiner Stücke allen Versuchen der Wiederbelebung. Und dies kann von diesem jüngsten Versuch vom Almeida gesagt werden, der in den West End übergeht. Es ist eine wunderschöne Produktion, unglaublich streng und nah, sieht und klingt so modern wie alles aus diesem Haus: Rebecca Frecknall, die diesen Text zum dritten Mal überarbeitet, muss als Expertin dafür gelten, und ihre Antwort besteht darin, es in eine virtuose Schau der ungehemmten Theaterkunst der Regisseurin zu verwandeln, ihr Konzept überflügelt die nicht ganz fokussierten Stimmungen des Drehbuchs und - fast - überzeugt uns, dass es all die Mühe wert ist.

Sommer und Rauch. Foto: Marc Brenner

Das Design von Tom Scutt - präzise und fließend beleuchtet von Lee Curran - bietet uns eine Nachbildung der freigelegten Backsteinwand des Almeida selbst, mit einem halbkreisförmigen Schwung von sieben aufrechten Klavieren, deren Vorderteile offen sind und die aussehen wie ein gebrauchsgeformter, zerlumpter Rückblick auf 'Die 5.000 Finger von Dr. T'. Aber dort, liebe Leser, endet jeglicher Vorschlag von Spaß abrupt. Das ist Ernsthaftes Drama mit einem großen E und D, und wir sind entschlossen nicht hier, um uns zu vergnügen. Was wir in Frecknalls diszipliniertem, beharrlichem Stück bekommen, ist eine ernste Stirn einer Produktion, am besten hinter schlichten Hornbrillen getragen, ohne Make-up und das Haar streng zurückgebunden in einem Pferdeschwanz am Nacken. Es ist, als ob Tennessee Williams dreimal durch ein Sieb von Henrik Ibsen in seiner misanthropischsten Form gesiebt worden wäre, was in einem raffinierten, aber trostlosen Getränk resultiert.

Die Besetzung bleibt so lange wie möglich auf der Bühne, sitzt auf ihren Klavierstühlen, oft starrend - ziemlich unhöflich, wie ich fand - auf Schauspieler, die etwas anderes sagen, als was sie tun sollten. Sie spielen auch ihre Instrumente, obwohl ich nicht den blassesten Schimmer hatte warum: Weil sie da waren? Ich meine, das ist eigentlich nicht 'The Seventh Veil' mit Ann Todd und James Mason, aber ich nehme an, es hätte es genauso gut sein können, denn es gab keine erkennbare Beziehung zwischen der Laune der Regisseurin und der eigentlichen Geschichte, die erzählt wurde. Oder neu erzählt wurde. Carolyn Downings Sound Design musste den Krach ihres Spielens bewältigen - eine Art Bartok trifft Ligetti trifft Conlon Nancarrow in Angus MacRaes attraktiv pointierter Partitur.

Matthew Needham in Summer and Smoke. Foto: Marc Brenner

Individuell übernehmen die acht Spieler alle die üblichen Williams-Rollen und machen damit, was wenig von ihnen verlangt wird. Matthew Needham ist der kühne junge Mann, der Held - vielleicht - dieses besonderen 'Scenes of Provincial Life'; er zeigt all die dionysischen Qualitäten, die von dem idealisierten Stand-in für Mr. Williams selbst erwartet werden. Ihm gegenüber spielt, auf jede erdenkliche weise konstruiert, Patsy Ferran's apollonische Spinster-Bibliothekarin; sie kommt am nächsten von allen, um etwas humanisierenden Humor in der trockenen Interpretation zu finden, die Frecknall bietet, musste aber immer noch ertragen, dass ihr Innerstes direkt dort auf der Bühne vor aller Augen herausgezerrt wurde. Oh, Freude.

Die Nebenakteure sind alle genau das, was man von ihnen erwarten würde. Anjana Vasan ist 'Die andere Frau', eine kaum unterscheidbare Wiederholung von 'Frau als Hure'. Ich muss jedoch eilig betonen, dass in dieser Produktion keine umfängliche und völlig unnötige Darstellung von Nacktheit vorkommt. Frecknall ist, soweit ich weiß, nicht dieser Art von Regisseurin. Es wird auch kein Versuch unternommen, das visuelle Design der Produktion in unsere Zeit zu ziehen. Ebenso wird kein Wert darauf gelegt, die im Text geforderten Kostümwechsel zu respektieren, was dazu führt, dass man sich über die Zuverlässigkeit der getroffenen Entscheidungen Sorgen macht. Vasan jedoch darf singen: und das tut sie wunderbar, und die Wahl des Liedes und seine Ausführung gehören zu den Höhepunkten der Show.

Patsy Ferran in Summer and Smoke. Foto: Marc Brenner

Eric MacLennan und Forbes Masson spielen praktisch austauschbare Väter - ich glaube, einer bekam einen Stock und der andere einen Schnurrbart, aber ich konnte sie kaum auseinanderhalten. Einer von ihnen wird erschossen (oh, komm schon: Das ist kein Spoiler... die Waffe wird auf die Bühne gebracht und Williams ist ein guter genug Dramatiker, um zu wissen, dass er, nachdem er sie gezeigt hat, sie benutzen muss, und er verliert nicht viel Zeit damit). Die Sache ist, am Todestag, Currans Lichtdesign macht etwas wirklich Imaginatives, und der Verstorbene spricht in einer einfach bezaubernden Arie von seinem Ableben, von der ich denke, dass es ein Gedicht von Marvell oder - wahrscheinlicher? - John Donne ist. Jemand hilft mir hier. Es ist jedenfalls wunderschön und weist, denke ich, auf eine nützliche Richtung hin, die Frecknall hätte einschlagen können: Hier zeigt sie, dass sie ein Herz hat, und es ist der eine wirklich bewegende und kreative Moment in einem ansonsten eher düsteren und trockenen Abend. Ich vermute, sie könnte ein viel besseres Stück entwickeln, wenn sie eine Frank Castorf machen und den Originaltext völlig ignorieren und ihr eigenes Ding machen würde. Komplett. Ich glaube, sie hat es in sich und wenn sie das tut, wird es sensationell sein.

Es gibt eine geschäftige ältere Frau in Gestalt von Nancy Crane - hier eher undurchdacht und ganz anders als ihre kürzliche wunderbare Arbeit in 'Dance Nation'. Seb Carrington darf den 'jungen, jungen Mann' spielen, und Tok Stephen ist die symbolische farbige Rolle. Schließlich ist dies der Süden. Aber ich konnte einfach nicht herausfinden, ob er ein BME-Darsteller ist, der zufällig in irgendeiner Rolle eines Stückes besetzt ist (ursprünglich als eine kaukasische Figur konzipiert, vielleicht), oder ob er tatsächlich afroamerikanisch sein sollte und einen Punkt über ein überraschendes Maß an rassischer Integration im Louisiana der 1940er Jahre macht: Dies ist nicht New Orleans, nicht Vieux Carre, dies ist das Delta. Erklären Sie es mir. Ich fand mich dabei, mir darüber Sorgen zu machen, als ich eigentlich hätte zuhören sollen, was er zu sagen hatte. Es ist eine Ablenkung. Rasse ist ein monumentales Thema in den USA, wie anderswo, und die Besetzung 'ethnisch blind', was hier möglicherweise oder möglicherweise nicht passiert, hilft mir nicht, es zu begreifen. Hilft es Ihnen? Ich würde es gerne wissen.

Also, ist es wert, es sich anzusehen? Wenn Sie wirklich auf Regisseurtheater stehen, dann unbedingt ja. Frecknall ist ein starker Charakter und tut, was sie mit dem Stück machen will. Ist es ein Stück, das es wert ist, um seiner selbst willen gesehen zu werden? Für Williams-Süchtige, ja; für den Rest von uns...? Die Jury ist noch unschlüssig. Die Jury sind Sie.

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