REZENSION: Strike Up The Band, Upstairs At The Gatehouse ✭✭

Julian Eaves rezensiert George und Ira Gershwins Musical Strike Up The Band im Upstairs At The Gatehouse.

Die Besetzung von Strike Up The Band. Foto: Andreas Lambis Strike Up The Band

Upstairs at the Gatehouse

8. März 2019

2 Sterne

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Seltenheiten gibt es kaum seltener: Fast ein Jahrhundert später bekommt London endlich eine professionelle Produktion von George und Ira Gershwins Musical-Komödie von 1927 zu sehen, mit einem satirischen, kriegsfeindlichen Buch von George S. Kaufman, das sich um einen sinnlosen Konflikt zwischen den USA und der Schweiz dreht, ausgelöst durch das umstrittene Thema .... Käse.  Bemerkenswert wiederbelebt für eine Produktion Mitte der 1990er Jahre am Goodspeed Theatre, Connecticut, und für ein paar USA-Konzertfassungen seitdem, trifft das Skript immer noch mit seinen stechend passenden und relevanten Seitenhieben gegen die amerikanische Kriegsführung im Ausland und den Neo-Faschismus zu Hause ins Schwarze (die wir jetzt in der Trump-Ära so schmerzlich gut erkennen), weist Kaufmans Originalwerk mit harscher Klarheit darauf hin, dass sich nach all den Jahren nicht viel geändert zu haben scheint.

Foto: Andreas Lambert

Wenn dies nach einer starken Mischung klingt, um es mit der leichten und luftigen Welt von Georges schwungvollen Melodien und Iras komplizierten Reimen zu mischen, nun, ja, das ist es.  Die Show bewegt sich mit beunruhigender Unvorhersehbarkeit zwischen Stimmungen und Stilen hin und her und versucht, einen Weg durch die berauschende, volatile Mischung zu finden.  Ein Moment, wir haben ein gilbertianisches Ensemble, mit Melodien, die übereinander gestapelt werden, um ein Gefühl der sozialen Ebene zu erzeugen.  Dann bekommen wir eine typische 'Vaudeville-Stil'-Komödie für ein paar Schauspieler, vollgepackt mit Wortspielen und Ulkereien.  Und dann stürzen wir uns in die griffige Sozialkritik der Art, die Elmer Rice oder Cliff Odets vielleicht geschrieben haben könnten - oder gerade dabei waren.  Es gibt viele Male, bei denen man nicht weiß, ob man lachen oder weinen soll, und das macht das Leben für das kreative Team oder die Besetzung nicht einfach.

Regisseur Mark Giesser hat sicherlich einige Erfahrungen mit solchem Material, aber selbst er scheint ratlos zu sein, wie man die unterschiedlichen und gegenseitig konkurrierenden Elemente dieses seltsamen Wesens zusammenführen kann, ebenso wie Choreografin Orley Quick, deren Hintergrund sie scheinbar kaum auf den Umgang mit solch idiomatisch präzisem Material vorbereitet hat.  Hinzu kommt, dass die meisten der Besetzung nur begrenzte Erfahrung im Umgang mit Komödie dieser besonderen Art haben und das Team (sofern sie in der Tat als solches zusammengearbeitet haben) von Regisseur und Choreograf nur teilweise erfolgreich darin ist, ihnen zu ermöglichen, herauszufinden, wie man es in der Aufführung zum Funktionieren bringt.  Darüber hinaus ist die Regie oft nicht in der Lage, etwas anderes als gerade Linien von Darstellern anzubieten, ihre Reden haltend, offenbar während wir darauf warten, herauszufinden, was um alles in der Welt als Nächstes zu tun ist.  Bei einem so herausfordernden Thema wird der Eindruck, dass keine übergreifende, überzeugende Überzeugung die Produktion antreibt, überwältigend.  Hinzu kommt, dass es anscheinend ein kläglich unzureichendes Budget für die Dekoration gab, mit Camille Etcharts schäbig aussehenden Kulissen, die selbst in dem bescheiden proportionierten Raum im Obergeschoss der Gatehouse-Pub in Highgate traurig und vernachlässigt erscheinen.  Julia Scrimieris Kostüme schneiden besser ab, heben jedoch nur das 'Schulstück'-Aussehen der Produktion hervor.  Will Leightons Lichtgestaltung hätte möglicherweise die 'physische' Welt erweitern können, die die Präsentation bewohnt, aber es entscheidet sich dafür, nichts anderes als das Erwartete und Offensichtliche zu tun.  Das Ganze nimmt den Anschein einer 'Scratch'-Aufführung an.  Wenn Sie dies ertragen können, dann schaffen Sie es vielleicht, es zu genießen.

Foto: Andreas Lambis

Ein Bereich, in dem definitiv Geld ausgegeben wurde, und zwar vielleicht zu viel, ist die Band.  Bobby Goulder hat eine gute, große Grabenband und der Regisseur hat beschlossen, dieses Talent maximal auszuschöpfen und sie in die Mitte der rückseitigen Bühne zu stellen.  Dies ermöglicht es ihnen, alles, was die Darsteller vor ihnen singen, zu übertönen (Harry Emersons Tongestaltung bietet ihnen kaum Unterstützung), und die Orchestrierungen - eine faszinierende Mischung aus Originalteilen von 1927 und Goulders Kreationen für diese Produktion - ermöglichen es ihnen, dies immer wieder zu tun.  Die Sänger sind gezwungen, ihre Stimmen zu pushen, oft junge - sich noch entwickelnde - Stimmen, während sie sich durch die lange und lärmende Partitur kämpfen.  Man bekommt das Gefühl, dass sie ein wenig in den großen Chornummern entspannen können (die sind hervorragend, das ist voll von schöner Musik von Gershwin), aber gleichermaßen fühlt man ihren Schmerz in fast jeder anderen Nummer.  Oh, die Dinge werden nicht durch die Angabe der laufenden Zeit der Produktion als 1 Stunde und 50 Minuten, einschließlich einer Pause, wenn - in Wahrheit - es fast eine Stunde länger dauert: etwas, das man bedenken sollte, wenn man seine Toilettenbesuche plant!

Also, mitten in all diesen (sehr steilen) Herausforderungen, wie schlägt sich die Besetzung?  Ich bin mir ziemlich sicher, dass die Entscheidungen, die sie getroffen haben, alle (zumindest) vom Regisseur autorisiert wurden.  Richard Emerson bietet uns eine eindimensionale Charakterisierung als US-Käsekönig Horace J. Fletcher an, die schnell langweilt und dann allmählich ärgert.  Beth Burrows kommt wahrscheinlich am besten von allen mit einer Rolle davon, die das meiste dramatische Potenzial hat, als agro-industriellen Tochter, Joan Fletcher, muss aber ebenfalls in gegensätzlichen Stimmungen schwingen.  Paul Biggin's andere Hälfte der Hauptliebesgeschichte, Jim Townsend, macht einen energischen Versuch, die widersprüchlichen Elemente seiner Rolle zusammenzuschweißen, aber es ist eine unmögliche Aufgabe für ihn, besonders wenn er gebeten wird, einen schwachen, gedemütigten Platzhalter zu spielen - keine Figur, mit der man sich leicht erwärmt.  Pippa Winslow ist einer der erfahreneren Darsteller im Team, aber auch sie gibt den Eindruck, dass sie immer auf Anweisung des Regisseurs handelt, anstatt die Komödie zu ihrer eigenen zu machen (wovon ich überzeugt bin, dass sie mehr als fähig ist).  Als Soubrette Anne Draper ist Charlotte Christensen lebhaft und spritzig, und ich bin sicher, dass sie noch ansprechender wäre, wenn wir mehr von dem hören könnten, was sie singt.  An ihrer Seite scheinen Adam Scott Pringle alle Anforderungen an einen jungen Darsteller zu erfüllen, ist aber - erneut - erschöpft von dem Kampf gegen diese Band.  Zwei der erfahreneren Darsteller, Robert Finlayson (als der herrische Colonel Holmes) und Nicholas McBride (als C Edgar Sloane), sind ebenso ratlos wie fast alle anderen, ebenso wie Sammy Grahams gewinnbringend schüchterner Bob.

Foto: Andreas Lambis

Jedoch, allein aus der gesamten Crew, scheint derjenige, der die sehr eigenartige und seltsame Essenz der Komödie hier erfasst hat, David Francis' George Spelvin zu sein: seine Beherrschung von Mehrpersonen-Rollen und wiederkehrenden Gags ist sicher und gewandt; er hat auch das Glück, dass das Skript nie verlangt, dass er Dinge schnell und im Widerspruch zueinander tut - ein sehr glücklicher Zufall - und er muss auch nicht viel singen.  So ein Glück!  Wenn er auf der Bühne ist, können Sie sich zurücklehnen und die Produktion genießen, überlegen, was hätte sein können, wenn sie ein besseres Skript, einen besseren Regisseur, Designer, musikalischen Leiter, Choreografen und so weiter gehabt hätten.  Es ist wirklich Pech für den Rest der anderen, die - durch kein eigenes Verschulden - fast ständig einen Kampf vor sich haben.

Also, lohnt es sich?  Für Leute, die absolut darauf bestehen, lästige Lücken in ihrem enzyklopädischen Wissen über Musicals zu füllen, ist es - unterm Strich - den Sitz wert.  Wenn Sie nur nach einem unterhaltsamen Abend suchen, werden Sie dies möglicherweise unter den Erwartungen finden.  Im Upstairs at the Gatehouse, insbesondere in den Produktionen seiner Heimkompanie Ovation (von der dies definitiv kein Ableger ist), genießt man einen hervorragenden Ruf dafür, qualitativ hochwertige Kleinproduktionen einem interessierten und gebildeten Publikum zu präsentieren.  Bei dieser hier ist es insgesamt wahrscheinlich eine, über die sie lieber schweigen möchten.

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