KRITIK: Stevie, Hampstead Theatre ✭✭✭

Stevie

Hampstead Theatre

17. März 2015

3 Sterne

Es gibt zwei ziemlich bemerkenswerte Dinge an Stevie, Hugh Whitemores Stück von 1977 über die Dichterin Stevie Smith, das letzte Saison vom Chichester Festival Theatre wiederbelebt wurde und jetzt in London am Hampstead Theatre gespielt wird. Christopher Morahans wunderschön abgestimmte Inszenierung liefert ein drittes.

Das erste ist die Alchemie, die Whitemore verwendet, um Poesie und Prosa zu einem sanften, reflektierenden und aufschlussreichen Narrativ zu verflechten. Häufig ist es unmöglich zu erkennen, wann ein Dialog endet und ein Stück Poesie beginnt. Zum Teil ist dies ein Ergebnis makelloser Darbietung. Aber mehr noch ist es eine effektive Methode des Dramatikers, die kleine, häusliche Umgebung in den Vororten der Mittelschicht zu etablieren, in dem die Dichterin ihr Erbe schrieb.

Das Stück betrifft sowohl die Dichterin als auch ihre Dichtung. Indem er feststellt, was für eine Person Stevie war und wie sie lebte und schrieb, liefert Whitemore den Kontext, um dieses Schreiben zu beleuchten; indem er teilweise die Poesie selbst dazu verwendet, diesen Zweck zu erreichen, erlaubt der Effekt sowohl ein großes als auch ein kleines Verständnis, ein Gefühl der Perspektive, das wehmütig und aufschlussreich ist. Die sachliche Natur der Darbietung der meisten Gedichte vervollständigt diesen Effekt: Fern davon, eine archaische, spezialisierte und hochkulturelle Kunstform zu sein, ist Poesie überall möglich und für jeden zugänglich.

Das zweite bemerkenswerte Ding ist die brillante Natur der Rolle von Stevie. Es ist nicht Hamlet oder Medea, aber es ist eine riesige Rolle, voller Monologe und verlangt viel von seinem Star. Es ist eine ruhige, introspektive Rolle: Es gibt keine Morde, Vergewaltigungen, Blendungen, Rachepläne. Tatsächlich gibt es kaum einen Streit, keinen Moment für entfesselte Wut in einer Show von Diva-Kunstfertigkeit. Nein. Die Rolle ist überlegt, nachdenklich, voll von den Kleinigkeiten eines gewöhnlichen Lebens; die Art von Stück, bei dem der Schock des zweiten Akts zwischen dem Hören von einem misslungenen Selbstmord lange nach dem Ereignis oder der Überlegung liegt, welche Überraschung Tante Lion bekommen wird, wenn sie ihren Schinkensalat isst. (Das Puddingdessert triumphiert!)

Was an all dem bemerkenswert ist, ist, wie selten solche Texte heute zu finden sind. Modernes Schreiben ist besessen von Problemen, fatalen Konsequenzen und großen Ideen: Themen, die vor Konsequenzen strotzen, sind an der Tagesordnung. "Biografie"-Stücke sind im 21. Jahrhundert meist nicht sehr häuslich, aber die große Stärke von Whitemores Stück ist seine unerbittliche Häuslichkeit, aus der eine große Schauspielerin ihre Fähigkeiten entfalten und das Werk einer großen Dichterin neu entdeckt werden kann. Aus sanfter Gewöhnlichkeit wird Größe enthüllt.

Morahans Inszenierung schenkt Stevie ein drittes bemerkenswertes Ding: Simon Higletts perfektes Design. Hervorragend in jeder Hinsicht, von den genau passenden Kostümen bis zum Getränkewagen, bis zum Gefühl der grünen vorstädtischen Umgebung des sehr sechziger Jahre Hauses, das Stevie mit ihrer alternden Tante Lion teilt, verankert das Design mühelos das Stück in der richtigen Zeit und am richtigen Ort, erlaubt und lädt sowohl zur Nostalgie als auch zur Komplizenschaft ein. Jeder hat in so einem Haus gelebt oder kennt jemanden, der in einem solchen gelebt hat. Es ist warm, freundlich, normal.

Es ist auch etwas anderes. Es ist eine poetische Darstellung des Hauses, keine realistische. Nicht alle notwendigen Wände sind da; Vorstellungskraft ist nötig, um die Trennung zwischen Flur und Empfangszimmer zu schaffen. Aber das ist nicht die einzige poetische Freiheit, auf die Higlett zurückgegriffen hat. Auf einer Seite der Bühne gibt es ein Gefühl von den Schilfrohren (die vor langer Zeit gepflückt und in eine Vase auf dem Klavier gestellt wurden), die abheben, sich entlang der Wand verteilen, mit der Außenwelt verschmelzen – sie wirken zunächst wie ein Tapeteneffekt, aber das ist es nicht. Es ist eine schöne Evokation des Gewöhnlichen, das abhebt, alles konsumierend wird. Es funktioniert spektakulär gut als Hintergrundmerkmal für diese Geschichte von einer gewöhnlichen Vorstadtpoetin.

In der Titelrolle zeigt sich Zoe Wanamaker in großartiger Form. Leicht gebückt, die Füße permanent in einer unbeholfenen Haltung, in schlichten, fast unmodischen Kleidern, verwandelt sie sich mit souveränem Können in die kleine, vogelartige Dichterin. Sie ist vollkommen glaubwürdig als Frau, die in der Welt fehl am Platz ist, sich aber in den Grenzen ihres Zuhauses vollkommen zu Hause fühlt. Es gibt etwas ständig Wehmütiges an Wanamaker hier und das trotz ihrer Zigarettenabhängigkeit, ihrer bissigen, leicht sarkastischen Redeweise und ihrer peniblen Eigenarten. Es gibt nichts an ihrer bedächtigen, vollständig engagierten Darbietung, das man nicht mögen könnte.

Wanamaker bietet eine Lektion in dieser verlorenen Kunst – der Poesie-Rezitation. Sie geht mit Inbrunst und Leidenschaft an den poetischen Text heran; selbst wenn sie die Zeilen wie Samen, die an Hühner verfüttert werden, herauswirft, gibt es eine klare Schärfe hinter der Darbietung. Sie erfasst den gesamten Humor sowie die leuchtende Einsicht, die jeder Vers bietet, ihre Augen strahlen mit der Intensität, die nur durch Verständnis sichergestellt werden kann. Es ist eine Freude, ihr zuzuhören.

Lynda Baron ist wunderbar süß als Tante Lion, die zähe alte Jungfer, die das Haus leitet, in der Stevie lebt, und die die bedeutende, unbedingte Liebe bietet, die Stevie durch ihre einsamen Jahre unterstützt. Sie ist wunderbar streitsüchtig gegenüber den Steuerbehörden und neigt dazu, "Quatsch!" herauszuspucken, während sie sich um die häuslichen Pflichten kümmert, einen Topf Tee macht oder auf einen schnellen Schluck Sherry hofft. Es ist eine herrlich weite, aber tief herzliche Darbietung. Wenn das Alter Tante Lion einholt, zeigt Baron sehr deutlich ihr Gebrechlichkeit und Unbehagen mit der Abhängigkeit; diese Szenen zwischen Baron und Wanamaker schmerzen vor Wahrheit und leichter Traurigkeit. Der Moment mit dem Pudding ist ein wahrer Schatz.

Männer spielten in Stevies Leben kaum mehr als eine Nebenrolle, und Aspekte davon werden in den drei Figuren, die von Chris Larkin gespielt werden, zusammengefasst. Seine Darstellung als alberner Mann, der nach einer zögerlichen, wahrscheinlich schlechten sexuellen Begegnung sie heiraten möchte, ist besonders gut: Er ist in der Szene, in der er die Erfahrung analysieren will, auf unangenehme Weise kriecherisch. Weniger erfolgreich ist sein übermäßig campiger Freund/Chauffeur für Stevie, der wie ein Modell von Maggie Smith in voller Perlenhalte-Manier scheint, aber das liegt mehr an der Szene selbst, die ohne wesentlichen Verlust aus dem Stück herausgenommen werden könnte.

Aber Larkins bester Moment kommt, wenn er Smiths Not Waving but Drowning, vermutlich ihr berühmtestes Gedicht, rezitiert. Es ist ein schöner Moment in einem ruhig fesselnden, sanften Stück.