KRITIK: Frühlings Erwachen, Brooks Atkinson Theatre ✭✭✭✭✭

Frühlings Erwachen

Brooks Atkinson Theatre

10. Oktober 2015

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Was auch immer Sie über Frühlings Erwachen, das Musical von Duncan Sheik und Steven Sater aus dem Jahr 2006, denken mögen, denken Sie noch einmal nach. Was auch immer Sie über die Form des Musicals denken mögen, denken Sie noch einmal nach. Denn die neue Broadway-Inszenierung dieses Musicals, die derzeit im Brooks Atkinson Theatre läuft, ist in jeder Hinsicht ein Meilenstein.

Ganz einfach: Es ist eine der am perfekt konzipierten, besetzten und durchgeführten Produktionen eines Musicals, die weltweit auf jeder Bühne zu finden ist. Es ist schockierend, brutal, brillant und schön zugleich; wie ein gutes Date ist es sexy, lustig, ernst und wahrlich die vollkommene Investition wert.

Basierend auf dem Stück von Frank Wedekind aus dem Jahr 1891 erzählt das Musical die Geschichte einer Gruppe von Jugendlichen, die gleichzeitig ihre innere Sexualität und die Sitten, Forderungen und Restriktionen der Welt entdecken, die ihre Eltern und Lehrer dominieren. Einige rebellieren zufällig, einige absichtlich, einige verzweifelt, aber fast alle rebellieren auf die eine oder andere Weise.

Die Unnachgiebigkeit und lächerlichen Forderungen der elterlichen Figuren in ihrem Leben verdammen einige der Charaktere. Einer nimmt sich das Leben, einer wird das Leben genommen, ein anderer verliert die Chance auf ein erträumtes Leben. Andererseits nimmt einer, was er möchte, andere genießen, was sie können, und wiederum andere geben ihr Bestes. Am Ende verlieren jedoch die Autoritätsfiguren die Kontrolle und die Jugendlichen wissen, dass ein Eden anderer Art zur Eroberung bereitsteht.

Offensichtlich genug stellt die Partitur die zugrunde liegenden Vorstellungen von Rebellion und Assimilation dar, indem die Musik Volksklänge aufgreift, Rockmusik einfängt und ganz bestimmt alternative Rockmusik als Lebenslinie nutzt. Gitarren arbeiten hart, und die Stimmung, die sie unterstützen, ist hervorragend.

Besonders, da einige der Musiker ebenfalls auftreten. Sie geben einigen der Hauptcharaktere, die von Mitgliedern des Deaf West Theatre gespielt werden, eine Stimme, da dies eine musikalische Zusammenarbeit einer beispiellosen Art ist. Regisseur Michael Arden hat mit dem Deaf West Theatre, das im Programm als "eine Organisation zur Überbrückung von Kulturen und Veränderung von Wahrnehmungen" beschrieben wird, zusammengearbeitet, um diese außergewöhnliche Produktion zu schaffen, bei der die Handlung gleichzeitig gespielt, gesungen und gebärdet wird. American Sign Language (ASL) Masters haben mit "jedem Schauspieler zusammengearbeitet, um sicherzustellen, dass die Absichten, der Ton, der Rhythmus, die Poesie, idiomatische Ausdrücke und der Humor des Autors in der Gebärdensprache jedes Schauspielers widergespiegelt werden".

Das Ergebnis ist berauschend.

Es gibt die übliche Trennung von Musik und Dialog, die man in Musicals findet, aber hier hilft die Gebärdensprache, diese Lücke zu überbrücken. Das Gebärden geht auf die gleiche Weise weiter, ob es sich um Worte oder Liedtexte handelt, und sorgt so für eine greifbare Kohärenz im Geschehen. Wo es kritisch ist, wird das Gebärden durch Projektionen übersetzt. Auch dies ist clever, da die verwendete Schrift archaisch wirkt und den Eindruck erweckt, dass schriftliche Kommunikation altmodisch und verstaubt ist – als Zuschauer werden die geschriebenen Worte mit den tristen Autoritätsfiguren in Verbindung gebracht; die Gebärden gibt es für die coolen Kids und man möchte sie einfach lernen, um mit ihnen im Einklang zu sein.

Die Kraft der Sheik und Sater Partitur wird durch das, was in Ardens Produktion passiert, verzehnfacht. Das Verschmelzen von Stimme, Gebärdensprache und Partitur ist brillant und führt zu einer vollständigen Hingabe an die musikalischen Momente: The Bitch Of Living, The Mirror Blue Night, I Believe, Totally Fucked und The Songs Of Purple Summer – jeder Höhepunkt ist brennend, unwiderstehlich und energiereich.

Die Gebärdensprache trägt erheblich zur Komplexität der emotionalen Offenbarungen bei. Wendla, gespielt und gebärdet von Sandra Mae Frank und stimmlich begleitet von Katie Boeck, kommunizieren mühelos die Verletzlichkeit, Hoffnung und den Verlust, die die Figur erfährt: von den Anforderungen befreit, ihre Stimme tragen und projizieren zu müssen, ist Franks Wendla eine vollständigere Figur, als ich sie je gesehen habe, und Boeck konzentriert sich auf eine ätherische und mitreißende stimmliche Schönheit.

Das Verfahren funktioniert nicht nur für das ernste Drama. Joshua Castille ist ein perfekter Ernst, und dabei unterstützt wird er von der Arbeit von Daniel David Stewart, der Ernst seine Stimme leiht und als Teil des Orchesterhintergrunds ein Ass am Klavier ist. Im Moment der Verführung durch Hanschen (ein blonder Andy Mientus) sorgt Stewart für gesangliche Freude, um die vorsichtige Freude, die Castille gebärdet und Mientus verlangt, zu ergänzen. Es ist ein genialer Moment reinen Theaters.

Unweigerlich ist das Stück sehr düster, da es die tragischen Tode von zwei Charakteren beinhaltet. Nichts davon wird beschönigt; es gibt in der Tat sehr dunkle und erschütternde Aspekte in dieser Erzählung. Aber alles wird sensibel und weise behandelt, in einer Inszenierung, die nie ihre Karten überreizt oder ihre Willkommensdauer überschreitet.

Arden macht viele kluge, einfache Dinge, um die Wirkung der Produktion zu unterstützen. Bevor das Stück beginnt, sind die Darsteller bereits auf der Bühne, in Unterwäsche, beim Aufwärmen, Chatten und Gebärden. Dafür gibt es einen vernünftigen Grund, der später am Abend klar wird. Plattformen erheben und senken sich unerwartet; ernsthafte Stimmungen wechseln zu ausgelassenen Scherzen. Echte Heuballen, perfekt platzierte Kerzen, keine Hemmungen bezüglich Berührungen und taktile Kommunikation; alles trägt zur Textur bei. Der Moment, in dem ein Charakter einen anderen von der Bühne zu einem neuen Leben trägt – magische Momente in einer Reise voller Überraschungen.

Alex Boniello leiht Moritz seine Stimme und ist die ganze Zeit übergroßartig auf der Gitarre, seine Gesangsleistung erzeugt wahrhaft Gänsehaut. Aber seine hervorragende Arbeit wäre umsonst, wenn es nicht für Daniel N. Durants großartige Darstellung des verdammten Schülers wäre, der niemals gut genug für seine Lehrer oder Eltern ist, der von der Schrecken und Ungewissheit, die die Pubertät mit sich bringt, überwältigt wird und nicht den Mut aufbringen kann, mit seiner Freundin Ilsa (Krysta Rodriguez in fantastischer Form und Stimme) wegzulaufen, bis sie schon gegangen ist. Durant ist herzzerreißend, insbesondere in der sorgfältigen Vorbereitung seiner letzten tragischen Tat.

Aber das schlagende Herz der Produktion kommt von der köstlich beurteilten, kraftvollen Performance von Austin P. McKenzie, der hier, erstaunlicherweise, sowohl sein Broadway- als auch sein Bühnendebüt gibt. Er ist in jeder Hinsicht ein Star. Selbst wenn er am Rand sitzt, im Schatten, ist seine Präsenz unbestreitbar und unverkennbar. Er singt mit echter Schönheit im Ton und kann Rocknoten bis in die hinterste Wand schlagen. Er ist sowohl nerdig als auch gutaussehend und bringt alle Aspekte von Melchiors Anziehungskraft ins Rampenlicht. Und er gebärdet. Er ist wirklich erstaunlich.

In Wahrheit gibt es in diesem Ensemble keine schwache Stelle. Alle zeigen großes Engagement. Die Autoritätsfiguren sind alle hervorragend: Russell Harvard, Camryn Manheim, Marlee Maitlin und Patrick Page begeistern fortwährend, selbst wenn ihre Charaktere offensichtlich völlig schrecklich sind. Die komische aber gefährliche Szene, in der Manheim und Page über Melchiors zehnseitige Erklärung des Geschlechtsakts diskutieren, ist sublim; ebenso der Gegenpunkt, wenn Matlin für Melchior argumentiert und darauf hinweist, dass alles, was er geschrieben hat, wahr ist und warum sollte die Wahrheit bestraft werden? Diese Bühnenältesten verleihen den Aktionen ihrer vielen Charaktere Würde, Charme und groteske Konformität, aber immer sind sie von einer grundsätzlichen Wahrheit durchzogen.

Das gilt auch für die jüngeren Ensemblemitglieder: alle singen, tanzen, gebärden, spielen und reagieren mit ansteckendem Überschwang, der zum Stück und der Entwicklungsphase aller Charaktere passt. Ihre hohe Enthusiasmus lässt die düsteren Passagen, wie wenn Moritz zu Grabe getragen wird, umso schwärzer erscheinen. Otto (Miles Barbee/Sean Grandillo), Martha (Treshelle Edmond) und Anna (Ali Stroker) haben alle besondere Erwähnungen für Engagement und Geschick verdient.

Mientus ist wunderbar als Hanschen. Seidig, arrogant, sexuell aufgeladen, wild (er zieht sich an einem Punkt das Publikum zu), repräsentiert er den Geist, der die Konventionen der Gesellschaft nutzen wird, um seine Ausschweifungen zu Hause und zu schützen. (Heute wäre er ein Rohstoffhändler oder Investmentbanker). Mientus gibt der Rolle alles und zieht fast das Rampenlicht auf sich. Seine Verführung von Ernst auf einem Klavier ist sowohl urkomisch als auch großartig.

Mientus' Smash-Kollege, Rodriguez, ist ebenso gut als die berauschende, freigeistige und nymphhafte Ilsa. Ihr Sinn für Ilsas Selbstbewusstsein und Zufriedenheit ist tief – das Publikum möchte verzweifelt, dass Moritz ihre Hand ergreift und flieht, wohin auch immer es sie erwarten mag.

Dane Laffreys Bühnen- und Kostümdesign ist fantastisch und fantasievoll. Die große Bühne wird von oben bis unten genutzt. Große Metallstrukturen und Laufstege und Leitern vermitteln ein Gefühl eines Industriezeitalters, das der Routine, Beschränkungen und Ritualen verpflichtet ist. Zu Hause, Klassenzimmer und Scheunen werden mit wenigen Möbelstücken dargestellt, sodass der Entwurf eine Flüssigkeit hat, die zum Puls der Musik und der Geschwindigkeit, mit der sich die Jugendlichen anpassen und ändern müssen, passt.

Die Kostüme sind wirklich clever. Manheim und Maitlin tragen exquisite, geschnürte Kleider, die je nach Moment mütterlich oder nicht sein können; Rodriguez hat eine Freiheit in ihrer Kleidung, die sie in Opposition zu ihren schulbesuchenden Freunden stellt, sie aber immer noch mit Moritz verbindet; Melchior bekommt Kleidung, die seine männlichen Reize zu verschleiern sucht, während Mientus von Kopf bis Fuß maßgeschneidert ist, um sicherzustellen, dass sein Charme erstrahlen kann. Wenig Farbe wird verwendet, aber die Palette von Schwarz, Grau und Weiß erweist sich als endlos einfallsreich und angemessen, und wenn andere Farben kommen, sind sie bedeutungsvoll.

Ben Stantons Beleuchtung ist ebenfalls ganz außergewöhnlich und ein wesentlicher Bestandteil, um die flüchtigen Ton- und Tempowechsel zu verstehen. Seine Fähigkeit, einen Moment durch das Level und die Intensität des Lichts sexy oder traurig zu machen, ist unfassbar fachmännisch. Was er an der Spitze von Totally Fucked macht, ist einfach genial, und die Handhabung von Moritz' Beerdigung ist roh und wunderschön.

Dies ist eine wunderschöne Neuerfindung eines Musicals. Wenn Sie in diesem Jahr nur eine Wiederaufnahme am Broadway sehen, sehen Sie diese. Lassen Sie Ihre kulturelle Lücke zumindest in einem Bereich hervorragend und selig überbrücken. Das letzte Bild, ein gestalterischer Coup von Laffrey, der die Herzen aller Zuschauer berührt und belebt, wird Sie ein Leben lang nicht loslassen.

Frühlings Erwachen läuft im Brooks Atkinson Theatre bis zum 24. Januar 2016. Jetzt buchen!