KRITIK: Song From Far Away, Young Vic ✭✭

Lied aus der Ferne

Young Vic

5. September 2015

2 Sterne

"Du hast mir einmal gesagt, dass Reden nur eine eigentümliche Form des Atmens sei. Es war wie gehobenes Atmen für Menschen, sagtest du. Und dass Singen etwas Tieferes, Reichhaltigeres, Seltsameres und Unglaublicheres sei. Du hast mir erzählt, dass Wissenschaftler, als sie die Stimmbänder der frühesten Menschen untersuchten, anfingen zu glauben, dass Jäger und Sammler gesungen haben, bevor sie sprachen. Sie lebten nicht so nah beieinander. Es waren auch nicht so viele. Sie mussten über weite Entfernungen kommunizieren.

Also sind wir Tiere, die eher dazu geboren sind, zu singen, als zu reden. Es klang für mich unwahrscheinlich. Aber ich mochte, wie du es gesagt hast."

Wenn Reden eine eigentümliche Form des Atmens ist, dann macht das Reden in Lied aus der Ferne (ein neues Werk von Simon Stephens und Mark Eitzel, das jetzt am Young Vic gespielt wird) aus Besonderheit eine Kunstform. Es ist nicht nur besonders, es ist sehr entfremdend besonders.

Normalerweise versucht das Theater, das Publikum in etwas einzubeziehen - eine Sichtweise, eine Lebensweise, eine Wahrnehmung. Irgendetwas. Lied aus der Ferne, zumindest wie es von Ivo van Hove inszeniert wurde, scheint alles zu tun, um das Publikum auf Abstand zu halten, getrennt von der Welt der Aufführung, eher beobachtend als erlebend.

Während dieser Ansatz eine gewissenhafte Entschlossenheit und eine unermüdliche Lässigkeit vom Star, Eelco Smits, erfordert und deshalb für ihn herausfordernd und anspruchsvoll ist, ist das Ergebnis hier für das Publikum unerbittlich düster und frustrierend. Es ist unmöglich, sich um die Hauptfigur zu kümmern, so klinisch ist die Darstellung, so distanziert die Interpretation, so kalt die emotionale Durchgängigkeit.

Das soll nicht heißen, dass etwas mit Smits' Darstellung nicht stimmt - nein, er ist hervorragend - aber die Wahl, Smits in diesem Stil spielen zu lassen, ist verwirrend. Es passt jedoch nahtlos zu Jan Versweyveld's Bühnenbild, das ebenso schmucklos, unwirtlich und kalt ist wie Smits' Willem.

Willem lebt in New York in einer fabelhaften Wohnung. Er führt ein eigenes Leben, getrieben von seinem enormen Gehalt und einem A-Listen-Umfeld. Seine Familie liegt weit hinter ihm, weit weg in Amsterdam. Dann erhält er einen Anruf von zu Hause: sein Bruder Pauli ist gestorben. Es ist eine Unannehmlichkeit, die Willems Pläne stört. Aber er kehrt für die Beerdigung nach Hause zurück.

Er kann es nicht ertragen, bei seiner Familie zu bleiben, also nimmt er ein Zimmer im Lloyd Hotel (bezahlt von der Bank, für die er arbeitet) und stellt sich den kommenden Tagen in diesem Zimmer. Aus Gründen, die nie klar oder plausibel erscheinen, beschließt Willem, seinem toten Bruder jeden Tag einen Brief zu schreiben, und diese Briefe bilden den Text von Stephens' Stück.

Versweyveld's Bühnenbild, das wie ein wahrer erstgeborener Cousin des Bühnenbilds erscheint, das er für van Hove's jüngste Inszenierung von Antigone entworfen hat, ist modern, elegant und äußerst unpersönlich und ausschließend. Die New Yorker Wohnung ist steril und ausschließend; das Hotelsuite nimmt denselben Raum auf die gleiche abweisende Weise ein. Das spärliche, eisige Bühnenbild unterstreicht die Vorstellung, dass Willem ein Gefangener in seinem eigenen Leben ist. Es sieht gut aus und Versweyveld's Beleuchtung bringt außergewöhnlich schattierende Wechsel ins Spiel, fast wie ein weiterer Charakter.

Der beste Moment in der Inszenierung ist, wenn draußen vor Willems Zelle Schnee fällt. Der Schnee ist magisch und bringt überraschend Wärme in die Welt draußen, die Welt, in der Willem selten auf persönlicher Ebene interagiert. Während die Schneeflocken draußen tanzen, wird Willems selbst auferlegte Isolation perfekt verkapselt; das wirkliche Leben findet außerhalb von Willems Blase/Zelle statt.

Es besteht kein Zweifel, dass Stephens' Skript interessante Fragen aufwirft und oft ziemlich schön ist. Der Ton ist elegisch, reflektierend, philosophisch; es werden komplizierte Sachverhalte angesprochen, und obwohl viele von ihnen nicht besonders einfühlsam sind, werden sie auf clevere Weise präsentiert. Aber die tatsächlich verwendeten Worte sind nicht besonders geschickt eingesetzt, und ganze Abschnitte des Schreibens sind so einfach wie der sprichwörtliche einer.

Aber es ist alles andere als klar, dass van Hove den besten Weg gefunden hat, Stephens' Vision zu präsentieren. Da niemand für Willem fühlt oder sich um ihn kümmert, ist die Erfahrung, im Publikum zu sein, mühsam und unglaublich langweilig. Es ist schwer zu glauben, dass das Sehen dieser Inszenierung einem Publikum ein besseres Verständnis oder eine größere Wertschätzung vermittelt als das, was man aus dem Lesen der Briefe, die Willem an Pauli schrieb, herauslesen würde.

Einer der Techniken, die van Hove einsetzt, um diese Inszenierung als Gesprächsthema zu markieren, besteht darin, Smits sich ausziehen zu lassen und einen unverhältnismäßig großen Teil des Stücks völlig nackt zu verbringen. Abgesehen vom visuellen Hammer, dass Willem gleichzeitig nackt und entblößt ist und sich metaphorisch und buchstäblich entblättert, während er mit den Gedanken und Emotionen umgeht, die nach Paulis Tod auftauchen, scheint die Nacktheit sowohl sinnlos als auch unnötig zu sein. Wenn es einen klugen Punkt gibt, geht er völlig verloren.

Stephens teilt sich die Schreibkredite für Lied aus der Ferne mit Mark Eitzel, der die Texte und die Musik für ein eindringliches, ziemlich schönes Lied liefert, dessen Teile die Handlung unterbrechen. Das Lied hat ein wiederholtes Motiv: Geh dorthin, wo die Liebe ist, Wohin die Liebe geht. Auf ihre Weise liefert dieses wiederholte Motiv den Schlüssel zu Willem. Man kann nicht umhin zu fühlen, dass wenn die Figur einfach auf das Lied gehört hätte, niemand die 80 Minuten der Selbstgeißelung ertragen müsste.

Am Ende bleibt der klare Gedanke, dass ohne die Beteiligung von van Hove dieses Stück wahrscheinlich nirgendwo in dieser Form produziert worden wäre. Obwohl es nur einen Sprecher geben mag, könnten leicht andere Schauspieler in die Erzählung dieser Geschichte einbezogen werden und sollten es vielleicht auch sein.

Stephens fasst tatsächlich das Erlebnis, diese Inszenierung zu sehen, in einem der Absätze aus einem von Willems Briefen zusammen:

"Du hast mir gesagt, es fühlte sich an, als wärst du auf einer elenden Zugreise, bei der du hart arbeiten und Elend ertragen musst, weil es, wenn du an dem Ziel ankommst, dann alles einen Sinn ergibt. Aber was, wenn es kein Ende gibt? Was, wenn alles kein Ende war? Was, wenn alles nur diese Reise war und alle auf dieser Reise waren und alle dachten, sie fahren auf etwas zu und sie ertrugen jetzt Elend und Unsinn und Mist und Horror, weil sie am Ende froh wären, dass sie all das durchgestanden haben. Aber was, wenn der Zug einfach immer weiter fährt?"

Van Hove's Inszenierung hat absichtlich kein Ende, aber jeder, der es gesehen hat und dachte, er oder sie erträgt Elend, Unsinn, Mist und Horror, war nicht allein.

Lied aus der Ferne läuft im Young Vic bis zum 19. September 2015