KRITIK: Solaris, Lyric Hammersmith ✭✭✭✭

Julian Eaves rezensiert Solaris, das derzeit im Lyric Hammersmith zu sehen ist.

Jade Ogugua, Polly Frame, Keegan Joyce und Fode Simbo in Solaris. Foto: Mihaela Bodlovic Solaris

Lyric Theatre, Hammersmith

14. Oktober 2019

4 Sterne

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'Es ist ein Rätsel, umhüllt von einem Geheimnis, innerhalb eines Mysteriums', sagte Churchill über Russland. Er könnte ebenso gut an diese seltsame Science-Fiction-Geschichte des in Lemberg geborenen Polen jüdischer Herkunft, Stanislaw Lem, gedacht haben, die in der post-stalinistischen Tauwetterperiode 1961 die internationale Bühne betrat und neun Jahre später so einprägsam von Andrei Tarkovsky verfilmt wurde. In den späten 1970er Jahren wurde der Film, der als einer der besten seines Genres gilt, von der BBC ausgestrahlt und hinterließ einen unauslöschlichen Eindruck bei mir. Kürzlich sah ich das Remake von Soderbergh aus dem Jahr 2002 und nun diese brillante Bühnenadaption von Autor David Greig und Regisseur Matthew Lutton. Es ist erstaunlich zu sehen, wie tief Tarkowskis Version des Märchens in mein Gedächtnis eingedrungen ist.

Fode Simbo und Polly Frame. Foto: Mihaela Bodlovic

All dies ist relevant, weil die Geschichte vor allem eine Meditation über die Natur der Erinnerung und ihren Einfluss auf uns ist. Wie viele Agnostiker oder Atheisten vor ihm ist Lem von dem Unfassbaren und Mystizismus besessen: Tatsächlich kann diese Erzählung von persönlichen Lieben und Qualen, die auf einer Raumstation kreisen, die einen exotischen, fernen, von Ozeanen bedeckten Planeten umkreist, plausibel als Metapher für die Rolle der Religion (d.h. des Christentums) im sowjetischen Block gelesen werden, und für vieles mehr: Wissenschaft vs. Leidenschaften; die Beziehung zwischen Mensch und Natur; freier Wille und Vorherbestimmung; die Natur des Selbst; und mehr....

Keegan Joyce. Foto: Mihaela Bodlovic

In Hyemi Shins Bühnen- und Kostümdesign gibt es viele Anklänge an den Film: Ein verlängertes ‚Briefkasten‘-Beleuchtungs-Spielbereich erinnert an das Ausstellungsformat des Films sowie an seine vielen schwermütigen Schwenkaufnahmen; Übergänge zwischen Szenen werden durch Blackout-Ausschnitte realisiert, die geisterhafte digitale Bilder von wogenden Wellen blitzen lassen (wunderbare Beleuchtung von Paul Jackson, realisiert von Stephen Hawker); und Jethro Woodwards Komposition und Sounddesign spiegelt den sowjetischen Film wider (wo Eduard Artemeyev elektronische Musik mit J S Bach vermischte, kombiniert Woodward seine Elektronik mit Vivaldi).

Hugo Weaving und Polly Frame. Foto: Mihaela Bodlovic

Der Schauspielstil ist jedoch sehr unterschiedlich. Mit seinen Wurzeln im 'direkten' Stil des australischen Theaters (Lutton ist künstlerischer Leiter des berühmten Malthouse Theatre in Perth, Westaustralien) und gefiltert durch den kühnen Stil des Royal Lyceum in Edinburgh (wo Greig künstlerischer Leiter ist), hat die Show eine lebendige, warme, entspannte Natürlichkeit erworben, die in der coolen, hypermodernen, imaginativen Welt, die gezeigt wird, etwas seltsam wirkt. Tatsächlich gibt es für den größten Teil der Zeit eine fast seifenoperartige Sachlichkeit im Sprach- und Verhaltensstil der Besetzung, die dazu neigt, der Aktion viel von ihrem epischen Schwung zu rauben. Lutton beschleunigt ihren Austausch zügig, was - in der ersten Hälfte der Präsentation - oft unnötig überstürzt erscheint; aber in der zweiten Hälfte profitiert das Drama von dieser Geschwindigkeit, durch die größere Intensität.

Polly Frame sticht als Kris hervor, eine Besucherin der Raumstation; sie wird ausgesandt, um die moralische Integrität der Crew zu untersuchen (bislang sehr Ninotschka-haft) und verfällt schnell selbst der seltsamen Verführungskraft des Planeten. Sie hat eine kraftvolle und dennoch jungenhafte Bühnenpräsenz sowie eine elfenhafte, quecksilberne Art, die mehr als nur den Menschen andeutet. Das macht sie zu einer großartigen Ergänzung für Keegan Joyces gehetzten Ray, ein ‚Besucher‘, der vom Planeten in der Gestalt ihres verstorbenen Liebhabers gesandt wird. Im Gegensatz zu Kris' Bereitschaft, sich mit Solaris auseinanderzusetzen, ist Jade Oguguas Satorious kalt und abweisend gegenüber der störenden Angewohnheit des Ortes, die einflussreichsten Erinnerungen der Menschen real werden zu lassen: Sie ignoriert ihren eigenen ‚Besucher‘, eine verstorbene Tochter (gespielt von Lily Loya oder Talia Sokal), völlig. Sie wird in dieser Mission von Fode Simbos Snow und den Videoprojektionen des inzwischen verstorbenen Kapitäns Gibarian von Hugo Weaving (warum müssen diese Geschichten immer einen toten Kapitän haben?) unterstützt. Solche Geschichten sind mehr als aufregende Erzählungen, sie sind moderne Mythen. Es liegt in der Natur der Mythen, dass sie fast unbegrenzt interpretierbar sind.

Keegan Joyce und Fode Simbo. Foto: Mihaela Bodlovic

Was die Reaktion des Publikums betrifft, nun, jeder scheint aus den Eskapaden mitnehmen zu können, was er oder sie möchte. Für mich ist einer der nachhaltigsten Eindrücke, dass die ‚Puppen‘-Besucher vom Planeten Solaris in ihren Handlungen, Gedanken und Gefühlen nicht weniger eingeschränkt sind als die ‚freien‘ menschlichen Bewohner der Raumstation. Und wenn das nicht als Allegorie für das Leben unter kommunistischer Diktatur gemeint ist, weiß ich nicht, was es ist. Aber diese Geschichte handelt von so viel mehr: Letztendlich ist sie in der Tat eine Debatte über die wahre Natur und den Zweck von Schöpfung und Leben selbst.

Machen Sie eine Reise zu Solaris, und Sie könnten feststellen, dass Sie nicht mehr zurückkehren möchten.

Bis 2. November 2019