KRITIK: Siegfried & Götterdämmerung, Hackney Empire ✭✭✭✭✭

Tim Hochstrasser rezensiert Arcolas Siegfried & Götterdämmerung, Teil von Wagners Ring-Zyklus im Hackney Empire.

Arcolas Siegfried & Götterdämmerung im Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Siegfried & Götterdämmerung

Hackney Empire

6. August 2022

5 Sterne

Das Arcola Theatre begann seinen Ring-Zyklus vor der Pandemie, und es ist nun zu einem triumphalen Abschluss gekommen, ein Beweis nicht nur für das Produktionsteam, sondern auch für die gekürzte Version von Der Ring, erstellt von Graham Vick und Jonathan Dove. Niemand würde ernsthaft versuchen, an einem einzigen Tag die vollständigen Versionen der letzten beiden Opern aufzuführen, aber mit einer Laufzeit von jetzt zwei Stunden bzw. zwei Stunden und fünfundvierzig Minuten ist es mehr als machbar. Plötzlich kann man den gesamten Bogen von Siegfrieds Leben nachvollziehen. Das Entfernen der Rückblenden, die Wagner eingeführt hatte in der Annahme, dass das Publikum die anderen Teile nicht kennen würde, befreit alle auf der Bühne, um im Moment zu agieren und zu singen. Das dramatische Momentum kehrt zurück in die Geschichte, ohne dass die Tiefe der Charakterisierung verloren geht.

Arcolas Siegfried & Götterdämmerung im Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Die gleichen positiven Ergebnisse gelten für die Musik. Mit weniger als zwanzig Musikern im Orchestergraben denkt man zuerst, dass das wirklich nicht funktionieren kann. Aber sobald man sich an den Klang gewöhnt hat, sind die Ergebnisse erfreulich. Das Gleichgewicht zwischen Spielern und Sängern ist wiederhergestellt, was echte Momente entspannter Intimität ermöglicht, abgesehen davon, dass es die stimmliche Belastung der Hauptsänger reduziert. Ja, das innere Saitenschimmern, das Wagner mit all diesen Bratschen-Linien geschaffen hat, fehlt zwar, aber stattdessen hört man allerlei instrumentale Soli, die normalerweise im Gesamtorchesterklang untergehen. Manchmal sind die Schnitte zwischen den Szenen für meinen Geschmack zu scharf – ich hätte gerne mehr von den orchestralen Übergängen bewahrt, nicht zuletzt, weil die Kunst des Übergangs eine war, in der der Komponist auf proto-kinohafte Weise wirklich glänzte. Aber das Wesentliche bleibt erhalten, dank der Fähigkeiten der Orpheus Sinfonia und ihrem subtilen Dirigenten Peter Selwyn.

Arcolas Siegfried & Götterdämmerung im Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Der verblasste Pomp und Glanz des Hackney Empire selbst ist sinnbildlich für die fragwürdige Großartigkeit von Walhall, sodass es keiner wörtlichen Darstellung in der Inszenierung bedurfte. Stattdessen, und basierend auf dem Bühnenbild der vorhergehenden Walküre, haben wir eine Gerüstkonstruktion mit zahlreichen Plattformen auf verschiedenen Ebenen. Dies ermöglicht langwierige Auf- und Abtritte, immer ein Merkmal in Wagner-Opern, während es den Charakteren gleichzeitig verschiedene Aussichtspunkte zum Singen bietet. In Siegfried war das Set übersät mit dem Abfall aus Mimes Höhle, und Pappkartons dienten als Ersatz für das Gold, das sich in Fafners Höhle auftürmt. Abgenutzte Möbel lieferten ein passendes bürgerliches Setting für die aufstrebenden Gibichungen. Die Spezialeffekte waren eher Hit oder Miss – vertikale Streifenbeleuchtung fiel von oben herab, um eine Ortsveränderung zu vermitteln – grün für den Wald, rot für das magische Feuer und eine Vielzahl von Farben für das Ende der Welt. Es war sparsam und wirkungsvoll. Ebenso war Fafner, der Drache, als zentrale Figur mit einer Reihe von Avataren präsentiert. Allerdings wirkte das Schmieden des Schwertes, was selbst in Produktionen mit großzügigem Budget schwer umzusetzen ist, eher wie das Rösten von Kastanien über einem Kohlenbecken.

Arcolas Siegfried & Götterdämmerung im Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Der Ring wird manchmal als eine Art Symphonie in vier Sätzen beschrieben, wobei Siegfried als das Scherzo fungiert. Dies ist die erste Produktion, bei der ich diesen Vergleich plausibel fand. Wir haben die Energie und Dynamik der Jugend, die exquisite Beschwörung des zum Leben erwachenden Waldes, die Niederlage sowohl des Drachens als auch Wotans und schließlich die Überwindung des magischen Feuers und das Erwachen Brünnhildes. All dies floss mühelos vorwärts ohne Anwendung der dramatischen Bremsen, ein berauschendes Erlebnis, daran teilzuhaben. Natürlich würde nichts von all dem ohne die stimmlichen und schauspielerischen Fähigkeiten der Besetzung funktionieren: In der Titelrolle hielt Neal Cooper seine Energie und Unschuld bis zum Ende lodernd, fand mehr Schichten als gewöhnlich in dieser Rolle. Colin Judson sang die Rolle von Mime wirklich und ließ uns seine legitimen Frustrationen genauso spüren wie seine niedrige List. In den zentralen Abschnitten vermittelte die üppige Stimme von Paul Carey Jones die Schwere der Absicht des Wanderers, aber auch sein weniger bewundernswertes Verlangen, die anderen Charaktere zu manipulieren und sich auf ihre Kosten zu amüsieren. Man kann daher voll verstehen, warum Siegfried ihn mit Ungeduld beiseite schiebt, etwas, das nicht immer gut in der Aufführung rüberkommt. Freddie Tong, der in beiden Opern Alberich spielt, war scharf und bedrohlich, und Elizabeth Karani flatterte selbstbewusst durch die knifflige melismatische Schreibweise für den Waldvogel. Simon Wilding fand in Fafners letzten Worten Sensibilität und Bedauern, und Mae Heydorn, die sich durch Meter von pfirsichfarbenem Chiffon kämpfte, trat dem Wanderer bei ihrer entscheidenden Konfrontation, die den Ausgang des Dramas bestimmt, beredt entgegen. Dies war der intensivste, konzentrierteste Moment in der Oper und zu Recht so.

Arcolas Siegfried & Götterdämmerung im Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Traurigerweise, aber unvermeidlich um die Nornen beraubt, konzentriert sich Götterdämmerung sehr stark auf Siegfrieds Verrat an Brünnhilde und die Anbiederung an den Gibichungen-Clan. Wir hatten einen neuen Siegfried – Mark le Brocq – der zu Recht, von Anfang an älter und weltgewandter wirkte und entscheidend stimmlich frisch für die bevorstehenden Anforderungen war. Lee Bisset als Brünnhilde zwang ihren Ton in den früheren Szenen zu sehr, entspannte sich jedoch in die Rolle, um eine kraftvolle, aber auch intime Darbietung der abschließenden Verbrennungsszene zu geben. Simon Wilding kehrte zurück, um eine herausragende Leistung als Hagen zu geben, voller subtiler, einschleichender Bedrohung. Simon Thorpe projizierte Gunthers begriffsstutziges Poltern sehr effektiv, und Lucy Anderson machte mehr aus der unterentwickelten Rolle der Gutrune als üblich. Vielleicht meine Lieblingsszene, völlig fesselnd von Anfang bis Ende, war die Konfrontation zwischen Brünnhilde und Waltraute, wo Angharad Lyddon das Meiste aus der letzten Gelegenheit machte, das katastrophale Finale abzuwenden – alle Themen des Ring, von der Praxis des Betrügens bis hin zur Aussicht auf Erlösung wurden hier dargestellt.

Regisseurin Julia Burbach und ihr kreatives Team verdienen großen Respekt dafür, dieses komplexe Projekt zu einem erfolgreichen Abschluss zu führen. Sie haben wirklich über ihr Budget hinausgeschlagen auf eine ganz und gar denkwürdige Weise und haben diese Aufführungsversion auf eine Weise gerechtfertigt, die hoffentlich zu vielen weiteren Produktionen führen wird, was nur gut sein kann für die Wertschätzung und das Verständnis von Wagner, egal was die Puristen sagen mögen.