KRITIK: Show Off, The Pheasantry ✭✭✭✭

Show Off - Nikki Aitken

The Pheasantry

20. Mai 2016

4 Sterne

In regelmäßigen Abständen hören wir, dass das Live-Kabarett in London im Koma liegt oder dem Tod nahe ist, nur damit sich der vermeintliche Kadaver in voller Federboawedelnder Vitalität aus dem Klavier erhebt. Sicherlich gibt es viele Hinweise darauf, dass wir derzeit eine lebhafte Phase der Neuentwicklung im Genre durchlaufen, und es lohnt sich, einen Moment innezuhalten, um zu überlegen, warum das so sein könnte. Teilweise ist es eine Frage des Standorts: In der Pheasantry auf der King’s Road, Crazy Coqs in der Brasserie Zedel und St James Studio unter dem St James Theatre und einigen anderen haben wir jetzt eine Reihe von speziellen Veranstaltungsorten, die nicht nur durchgeschriebene Shows und Soloabende beherbergen, sondern sich auch für Open-Mic-Nächte zur Verfügung stellen, die bereits viele neue Talente hervorgebracht haben.

Es ist auch eine Frage der breiteren Veränderungen in der Publikumsdynamik und der Art des Schreibens, die neue Möglichkeiten für Kabarettkünstler eröffnet haben. In vielen Theatervenues in London haben wir jetzt ein Publikum mit Getränken in der Hand, das oft an kleinen Tischen in einer Kabarettanordnung sitzt. Der Schritt zwischen Worten und Musik und zurück scheint natürlich zu sein, und das spiegelt sich auch in den Schreibpraktiken wider. Es gibt jetzt eine Verwischung der Grenzen zwischen Musicals und Theaterstücken, und das Kabarett kolonisiert diesen Raum und nutzt die entspanntere, aber dennoch fokussierte Aufführungsatmosphäre. Die schlechten alten Zeiten, in denen ein Kabarettsänger und der ansässige Pianist tapfer alte Standards durchpflügten, während die Gäste klapperten, mampften und klirrten, sind größtenteils vorbei. Ein rauchiges Torch-Song oder ein schneller Stimmungswechsel kann in ein Stück integriert werden, das eine Stimmung zusammenfasst oder kristallisiert oder emotionale Nuancen wirtschaftlich aussagt und verfeinert, wo Worte nur wortreich approximieren können.

Ein weiterer interessanter Trend ist, dass Kabarettkünstler gleichzeitig in verschiedene Richtungen gehen. Ein gängiges Programm wird wahrscheinlich mit Kabarett-Standards beginnen, damit sich das Publikum wohlfühlt, dann zu den eigenen Songs des Sängers oder Pianisten übergehen, zu Monologen oder Sketchen, die als einfaches Verbindungsstück zwischen den Nummern begannen. Mehrere Künstler bewegen sich auch zu größeren Strukturen – zu einem Musical oder einem durchgeschriebenen Stück, in dem die Hauptkünstler die Hauptrolle spielen und flexibel geschrieben, um große oder kleine Aufführungen zu ermöglichen. Es tauchen auch mehr Aufnahmen von Originalkabarettalben auf, nicht zuletzt das hervorragende „Two-faced“ von Michael Roulston und Sarah Young, das die Früchte einer kürzlichen internationalen Tournee dokumentiert, und Rosabella Gregorys City Stories, eine flexible Sammlung, die parallel zu James Phillips' kurzen Theaterstücken zu urbanen Themen entsteht. Viele dieser neuen Richtungen und aufregenden Erwartungen wurden bei einem feinen Kabarettabend im vergangenen Monat in der Pheasantry gezeigt, wo Nikki Aitken mit der Pianistin Simona Budd Show Off aufführte. Aitken ist eine weithin anerkannte Künstlerin in Australien, wo sie Preise für ihre Kabarettprogramme gewonnen hat und wohin sie bald zurückkehren wird, bei der Australientour von Amity Drys Mother, Wife and the Complicated Life. Sie ist auch eine Komponistin, sowohl von Kabarettnummern als auch eines neuen Musicals GO!, das beim Camden Fringe Festival im letzten Sommer einen ausgezeichneten ersten Workshop-Auftritt hatte, wie von Stephen Collins hier rezensiert. Aufgrund dieser Darbietung wird sie diesen Ruf sicherlich weiter festigen. Wie man vom Titel erwarten könnte, war das Thema der ersten Hälfte eine Erforschung der Facetten der Diva-Persönlichkeit, als eine Figur sowohl der Stärke und Anziehungskraft auf der einen Seite als auch der Zerbrechlichkeit und Verletzlichkeit auf der anderen. „I was born to entertain; When I get my name in lights; Whatever happened to my part“, all diese Songs erhielten die authentische Behandlung in Aitkens Eröffnungssequenz und zeigten die dramatischen und „Gürtel“-Seiten ihrer Stimme in guter Wirkung. Von dieser Plattform aus bewegte sie sich in Songs von romantischer Enttäuschung und gelegentlicher Verzweiflung, die echtes Gewicht und Schwerkraft hatten. Wie es in Woman on the verge of a nervous breakdown heißt: „Love is eternal but in every lifetime it has many faces“. Sie ist eine natürliche Hohepriesterin der Klage und eine feine, ironische Geschichtenerzählerin zwischen den Nummern. Während es einen ordentlichen Übergang von „Losing my Mind“ zu „God give me Strength“ gab, hätten ein bisschen mehr Regie und Bewegung die volle Tiefe einiger dieser wundervollen Charaktersongs, die ursprünglich als Teil des Musiktheaters entstanden sind und einen sehr spezifischen dramatischen Kontext haben, weiter herausbringen können. Zum Beispiel muss Sondheims berühmtes „Losing my Mind“ als kleine Szene für sich gespielt werden, mit Bewegung statt statischer Darbietung, die sich die Frau allein in ihrer Küche vorstellt – vielleicht etwas so Einfaches wie einfach auf einem Stuhl zu sitzen, um den Zusammenbruch und Implosion des Charakters zu signalisieren. Gregory Hazel schloss sich ihr für eine fein abgestimmte Darbietung von „I’d give it all for you“ an, um den ersten Teil des Abends abzuschließen.

Die zweite Hälfte war mehr eine Mischung von Materialien. Nach einem fein abgestuften Aufbau durch die Schichten von ‚Maybe This Time‘, ein bisschen ausgelassene Spielerei mit einem Saxophon in ‚The Last Night of the World‘ und vielen kurzen, flotten Verbindungen und Plaudereien, die gerade lang genug waren, um das Entstehen des nächsten Songs unvermeidlich erscheinen zu lassen, erreichten wir ein paar von Aitkens eigenen Kompositionen aus GO! Gregory Hazel kehrte zurück, um eine davon, ‚I will claim you‘, vorzutragen, die wirklich mit viel längeren, anhaltenden, durchatmten Phrasierungen gesungen werden musste, um ihr volle Gerechtigkeit widerfahren zu lassen. Aitken selbst sang dann ‚Order‘, eine Hymne der Flugbegleiterin zum persönlichen Wachstum, die das Signature-Stück der Show darstellt, und mit einer langsameren Auslieferung als in der ursprünglichen Show. Hier wirkten die Worte besser, ebenso wie die damit verbundenen harmonischen Veränderungen, um die Erinnerung an ein sehr schönes Lied im Äther zu hinterlassen. Der Abend wurde mit einer starken Darbietung des Titelsongs ‚Show-Off‘ abgeschlossen, aber ich hätte mir idealerweise gewünscht, dass sie symmetrisch die Treppe hinauf zurücktritt, von der sie den Abend begonnen hatte. Alle Anerkennung gebührt Simona Budd für ihre sauberen, präzisen Begleitungen und Gregory Hazel für seinen ergänzenden Beitrag.

Aber während Aitken sich natürlich zu Musik des Pathos und Torch-Song-Trotz hingezogen fühlt, hat sie auch ein viel breiteres Spektrum, als hier angeboten wurde. Gesanglich und dramatisch kann sie leicht mehr komödiantische, ironische oder sogar satirische Stücke in ihr Repertoire integrieren, insbesondere mit der Unterstützung eines Regisseurs, der auf diese Genres abgestimmt ist. Ich hoffe, dass sie sich in zukünftigen Programmen weiter aus ihrer Komfortzone herausdrängt. Aitken hat die gesangliche, dramatische und emotionale Kraft und Vielfalt, um uns noch viele weitere Charaktere zu präsentieren. Wir freuen uns darauf, noch mehr von ihrer Galerie zu sehen, wenn die überarbeitete und vollständig entwickelte Version von GO! im kommenden Jahr erscheint.