KRITIK: She Loves Me, Menier Chocolate Factory ✭✭✭

Mark Umbers und Scarlett Strallen in Sie liebt mich. Foto: Alastair Muir Sie liebt mich 

Menier Chocolate Factory

8. Dezember 2016

3 Sterne

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Es gibt eine kraftvolle Großzügigkeit in der Bewunderung von Genialität, die den größten Errungenschaften Lorbeeren des Ruhms entleiht und sie auf ihre weniger bedeutenden Errungenschaften überträgt. Nirgendwo trifft das mehr zu als bei den Giganten des Musiktheaters, Jerry Bock und Sheldon Harnick, den Schöpfern eines einzigen, aber völlig großartigen Triumphs: der Partitur des Kolosses der Bühne, ‚Anatevka‘. Dieses einzigartige, strahlende Meisterwerk leuchtet so hell, dass der Rest der Werke dieses bemerkenswerten Duos mit dem Verdacht belastet ist, dass, könnten wir sie nur erkennen, wir darin Magie ähnlicher Ordnung finden könnten, Schönheiten von vergleichbarer Glückseligkeit, Einsichten in die menschliche Natur von gleicher Tiefe und so weiter. Wir beginnen zu glauben, sie müssten da sein: wenn wir sie nur finden könnten…

Scarlett Strallen und Katherine Kingsley in Sie liebt mich. Und so geht die Suche weiter. Inszenierungen ihrer weniger erfolgreichen Werke vermehren sich. Dieses besondere Werk – ein Stück, das aus vielerlei sehr guten Gründen nie einen festen Platz im Repertoire gefunden hat – ist eine Musicalisierung von 1963 der ungarischen Komödie ‚Parfumerie‘ von Miklos Laszlo. Zum Zeitpunkt seiner Komposition war die Geschichte bereits zweimal auf Englisch verfilmt worden, zuerst als Lubitschs ‚The Shop Around The Corner‘ und dann als das Judy Garland-Fahrzeug ‚In The Good Old Summertime‘. Produzenten dieser Projekte vereinigten sich erneut und engagierten Joe Masteroff, um das Buch für Bock und Harnicks fein verwobene, wenn auch oft dramatisch überflüssige Lieder zu schreiben. (Okay, nichts daran ist falsch: ‚My Fair Lady‘ braucht seine Lieder eigentlich nicht.) Das Werk, das sie schufen, ist ein Wunder der technischen Integration – bis zu einem gewissen Punkt. Ein großes Problem ist die Dünnheit der Geschichte, die auf musikalisch-dramatisch schwer fassbarem Material wie Zurückhaltung, Schüchternheit, Ausweichung, Peinlichkeit und Geschlechterrollen basiert, die schon bei der Entstehung des Werks längst aus der Mode waren, als das Werk mit bescheidenen 300 und ein paar Aufführungen angelesen und dann zügig vom Broadway abging (in London gelang es weit weniger Aufführungen). Ein Jahr später kam ‚Anatevka‘ mit seiner verblüffenden Serie von über 3.200 Vorhängen, seitdem hat ‚Sie liebt mich‘ mit diesem komplizierenden Faktor zu kämpfen, als schwacher Verwandter einer viel mächtigeren Geschwister, der weit über die Stunde seines vorgesehenen Ablebens am Leben gehalten wird.

Es ist natürlich nicht ohne Charme. Die einzelnen Komponenten sind oft sehr ansprechend. Nur hängen sie nicht – ganz – fest genug zusammen, um ein überzeugendes Ganzes zu ergeben. Doch zuletzt wurde es in Länge und Breite des Broadway als ‚Wunder‘ gepriesen, und auch in London hat es jüngst einige Auftritte gehabt. Der letzte, den ich sah, Robert McWhirs letzte Eigenproduktion für sein exzellentes (und schmerzlich vermisstes) Landor Theatre, kam dem Erreichen eines durchschlagenden Erfolg sehr nahe. So ging ich mit Hoffnungen zu Matthew Whites neuem Angebot im Menier, dass auch er dem Erfolg relativ nahekommen könnte.

Scarlett Strallen und Mark Umbers in Sie liebt mich. Foto: Alastair Muir Whites Qualifikationen für den Job könnten kaum vielversprechender sein. Seine jüngste Adaption und Inszenierung des Fred und Ginger Musicals ‚Top Hat‘ war eine perfekt gelungene Angelegenheit, die seine herausragende Beherrschung des Musiktheaters demonstrierte. Er genoss jedoch auf diesem Projekt außergewöhnliche Freiheit, da ihm die Lizenz erteilt wurde, seine Adaption in jeder von ihm gewünschten Weise zu gestalten: Dies ist ein sehr, sehr seltenes Ereignis im Leben eines jeden Musiktheaterregisseurs. Zweitens, während Theater wie (hinweisendes Vergleichs-) das ‚Fringe‘ Landor möglicherweise die Regeln ein wenig – oder stark – biegen und inoffizielle ‚Änderungen‘ (d.h. Verbesserungen) am veröffentlichten Skript vornehmen, müssen etablierte ‚off-west end‘-Spielstätten wie das Chocolate Factory viel mehr nach den Regeln spielen, und wenn sie einen möglichen West End Transfer anstreben (wie es das Menier gerne tut), können Sie sich ziemlich sicher sein, dass Sie genau das bekommen, die Kapitel und Vers, zumindest soweit es den Vorgaben der Lizenzierungsbehörde entspricht.

Einige Regisseure sagen, dass ihre Hauptaufgabe darin besteht, die Schwächen eines Skripts zu überdecken. Und sie haben nicht Unrecht. Stärken sprechen in der Regel für sich selbst, aber Schwachstellen schreien auf Seiten Ihrer Kritiker. Also hören wir sie nicht gerne. Wenn er oder sie einen Job übernimmt, dann mit der Hoffnung und einem Gebet, dass es möglich sein wird, einen ziemlich sicheren Kurs durch die Fallstricke und Hindernisse zu navigieren, die von Autoren und vorherigen Produzenten und Regisseuren (deren Imprimatur das Jahrhundert der Schöpfung des Werks leicht überdauern kann) auferlegt werden. Wenn man ein Stück präsentiert, das nachweislich weniger als perfekt ist, wie in diesem Fall, sind die Einsätze beim Glücksspiel in der Tat hoch.

Nun, so viel zur Theorie. Jetzt zu dieser Produktion. Hier beginnt alles recht vielversprechend. Das unschätzbare Paul Farnsworths eindrucksvolle Bühnen- und Kostümdesign beginnt mit einem wellenförmigen Vorhang mit ‚dieser‘ Ansicht des ungarischen Parlamentsgebäudes, über die Donau gesehen und besang von einem brillant virtuosen Zigeunergeigenspiel erster Klasse (Phillip Grannell oder Darius Luke). (Wir kennen doch ein anderes Bock und Harnick-Musical, das mit einer Zigeunergeige beginnt, oder, Kinder?) Tatsächlich versteht MD und Musiksupervisor Catherine Jayes dieses Theater gut und hat eine Band von wahrhaft wunderbarer Fähigkeit und Stil ausgewählt: Edward Maxwells brillante Trompete; Stephanie Dyer oder Jane Salmons feines Posaunistenspiel; Bernie Lafontaines schöne Holzbläser (Flöte und eine Vielzahl von Klarinetten, einschließlich einer atemberaubenden Bassklarinette); Romano Viazzanis authentisches Akkordeon; den Kontrabass von Paul Moylan und James O’Carrolls kluge Perkussion. Wir glauben auch, wir hören eine Harfe und ein Glockenspiel, aber das sind glatte Tricks von Hayeses Keyboard-Fertigkeiten, da bin ich mir sicher. Jason Carr hat einen ordentlichen Job bei der Kürzung der Originalarrangements gemacht: und der Bandsound ist genau richtig für die Dimensionen dieses Veranstaltungsortes.

Scarlett Strallen in Sie liebt mich. Foto: Alastair Muir Der Gesang der Partitur ist ebenso erfreulich. Callum Howells macht einen sympathischen Arpad; Alastair Brookshaw ist ein scharfsinniger und weichherziger Sipos; Katherine Kingsley setzt als Ilona eine willkommene und dringend benötigte Note weiblicher Schlagfertigkeit; Dominic Tighe schneidet besser ab – wie Schauspieler in dieser Rolle es immer tun – als der Schuft Kodaly; Mark Umbers klingt köstlich wie Jeremy Brett als der charmante, gentlemanhafte Nowack; Les Dennis ist ein liebenswerter Herr Maraczek; Scarlett Strallen nutzt jede Gelegenheit als Amalia optimal, obwohl wir ständig wünschen, dass die Partitur ihrer wunderbaren Stimme noch mehr Möglichkeiten zur beeindruckenden Entfaltung gibt und das Skript ihrem Charakter mehr Rückgrat verleiht; Peter Dukes ist ein netter Keller; Cory English sah ich als Kellner (er wird vom 10. Januar bis 6. Februar von Norman Pace ersetzt) und sicherlich sieht White ihn hier in einer Art ‚Eric Blore‘-Rolle. Rachel Bingham, wunderschön beweglicher Matt Crandon, Luke Fetherston, Olivia Fines, Aimee Hodnett, Sarah-Jane Maxwell und Vincent Pirillo bilden das großartige Ensemble.

Was die Partitur selbst betrifft, so ist sie teilweise ‚Das Czardas-Shopgirl‘ und teilweise ‚Gruß mir Vörösmarty Platz‘: in eine Richtung werden wir zu dem delirierenden Unsinn der Wiener Operette hingezogen, und in der andern listen wir zum Glamour der 60er-Jahre am Broadway; und je mehr ich die Partitur höre, desto weniger verstehe ich die Gründe für diese entgegengesetzten stilistischen Entscheidungen (sofern es welche gibt). Die Musik ist immer großartig zu hören, aber als Ganzes weigert sie sich einfach, sich zu festigen.

Dann zu Herrn Masteroffs Skript: wir bekommen einen viel längeren und wortreicheren Text als ich mich erinnere, im Landor gehört zu haben. Wir haben viel, viel weniger an Choreografie (obwohl Rebecca Howell, wenn sie die Chance bekommt, wirklich stilvolle Bewegungen zeigt) als ich mich erinnere, dass es in Clapham der Fall war. Das ist sehr schade. Howells Einsatz von Bewegung ist absolut faszinierend: sie kann in einem Augenblick die Gemälde von Otto Dix oder Tamara de Lempicka hervorrufen; die Café-Sequenz ist ein glanzvolles Set-Piece, scheint aber vorbeizugehen, ohne sich auf einer gefühlten Ebene voll zu etablieren.

Unterdessen beeindruckt das Design der Parfümerie, in der sich der Großteil der Handlung abspielt, zunächst – ein üppiges Interieur mit viel Gold und geformtem Zierwerk, eine Art High Street Rokoko: eine sehr bürgerliche Dame, die in meiner Nähe saß, sagte, es erinnere sie an Penhaligon’s, mit Regalen voller Parfümflakons, die offenbar von innen beleuchtet sind. Paul Pyant ist derjenige, der die Beleuchtung kontrolliert, und er hält die Dinge meistens hell und freundlich (obwohl es einige wunderbare jahreszeitliche Stimmungsbilder in der Akt 1-Montage gibt). Das ist wahrscheinlich Absicht. Die gesamte Produktion ist leicht, sympathisch, angenehm und tendiert zu Komfort, Luxus, Freizeit und der Anmut der recht erfolgreichen kommerziellen Klassen. Das Fehlen dunklerer Töne schafft eine sorgenfreie Umgebung, möglicherweise jedoch auf Kosten jeglicher dramatischen Spannung oder Konfliktsinns. Selbst Ehebruch und Selbstmord kommen und gehen, ohne viel Aufregung zu verursachen. Wenn Sie eine schmerzfreie Erfahrung suchen, werden Sie eine bekommen. Aber wenn Sie etwas Stärkeres brauchen, finden Sie alles vielleicht etwas zu flauschig und sogar trivial. Das funktioniert für ‚Die Fledermaus‘ oder ‚Die Czardasfürstin‘, aber hier scheint es etwas daneben zu sein.

Wir sind schließlich im Budapest der 1930er Jahre. Der Faschismus ist allgegenwärtig, auch zu Hause unter dem eisernen Absatz von Admiral Horthy, während der Kommunismus im Osten blüht. Der Antisemitismus steht kurz davor, Europa in den Holocaust zu führen. Nichts davon bringt mehr als ein Flüstern im Skript. Zum Glück hat Masteroff keine Schläge gescheut, als er das Drehbuch für ‚Cabaret‘ schrieb! Und zum Glück haben Rodgers und Hammerstein das nicht getan, als sie ‚The Sound of Music‘ nur wenige Jahre zuvor schrieben. Und zum Glück sprachen Bock und Harnick in ‚Anatevka‘ mehr vom Herzen. Was diese Show betrifft, ist alles recht hübsch und gut erzogen und wird Ihnen nicht schaden. Nichts, wofür man sich schämen müsste, erwarten Sie nur nicht, dass sich die Erde bewegt.

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