REZENSION: Shakespeare In Love, Noel Coward Theatre ✭✭✭✭✭

Die Company of Shalespeare In Love. (C) Johan Persson Shakespeare In Love

Noél Coward Theatre

8. Juli 2014

✭✭✭✭✭

Vor nicht allzu langer Zeit beklagte sich ein kluger Theaterregisseur darüber, dass moderne Stücke zu sehr „im Moment“ seien und nicht, wie die von Shaw, Ibsen, Euripides, Shakespeare, Webster, Inge, Williams, Albee, Tschechow, Marlowe, Wilde und Coward (er nannte noch andere, aber Sie verstehen, worauf er hinaus wollte) in einem Jahrhundert immer wieder aufgeführt werden. Zu keinem der späteren Schriftsteller des 20. Jahrhunderts könne man das gleiche sagen, meinte er.

In mindestens einem Punkt muss er falsch liegen. Die Werke von Tom Stoppard werden sicher lange nach seinem und unserem Tod weiterleben.

Ein Teil des Beweises dafür ist auf der Bühne des Noël Coward Theatre im West End zu finden, wo derzeit Declan Donnelans Inszenierung von Shakespeare In Love, geschrieben von Stoppard mit Marc Norman und für die Bühne von Lee Hall adaptiert, in den Vorpremieren zu sehen ist.

Es ist schwer zu erinnern, zumindest in den letzten sieben Jahren, an eine kommerzielle Produktion eines neuen Stücks, das direkt im West End eröffnet und ebenso lustig, dramatisch, fesselnd und lehrreich (nicht über Geschichte, sondern über das Wesen des Theaters) ist. Mit Ausnahme von Chariots of Fire war keine Bühnenadaption eines erfolgreichen Films (abgesehen von Musicals) so erfolgreich wie hier.

Wir sahen die sechste öffentliche Aufführung. Die Premiere ist am 27. Juli. Es befindet sich also noch in seinen Entwicklungsstadien. Aber selbst so ist es in beeindruckender, großartiger Form und muss ein sicherer internationaler Hit sein (Disney unterstützt es).

Auf den ersten Blick ist das Stück eine Klamauk-Komödie mit einer lüsternen Liebesgeschichte im Zentrum, und eine voll und ganz gelungene. Es ist an einigen Stellen wirklich zum Schreien komisch, aber es gibt Momente der schmerzenden, zarten Schönheit und rohen Verzweiflung. Es wird mit Klarheit und Finesse gespielt; äußerst unterhaltsam.

Aber das Stück ist weit mehr als das. Es ist eine Einführung und Erforschung der Sprache, Struktur und Charaktere, die von Shakespeare unsterblich gemacht wurden. Und darin ist es zutiefst clever, intellektuell befriedigend, gelegentlich einsichtsvoll oder hinterfragend und immer erfrischend und verführerisch.

In seiner Form ist es ein wenig wie Zwölfte Nacht vermischt mit Der Kaufmann von Venedig, Heinrich V und natürlich Romeo und Julia. Auf dem Weg gibt es klare Zitate oder Referenzen zu den meisten, wenn nicht allen, von Shakespeares Stücken und seinem berühmtesten Sonett. Und einige der Charaktere hier sind deutliche Schatten berühmter Figuren aus den Stücken: Der Lord Chamberlain ist ein kaum verhüllter Malvolio, bis hin zur Gefangenschaft; Sam hat einen Hauch von Thisbe; Wessex riecht nach Andrew Aguecheek, aber mit Verstand; Burbidge will sein Pfund Fleisch von Shakespeare à la Shylock, hat aber auch einen königlichen Hal-Moment von großer Wirkung; Violas Amme erinnert an Julias Amme; Ned Alleyn verkörpert Mercutio mit mehr als einem Hauch von Hotspur; der Fährmann kanalisiert den Geist des Pförtners und Totengräbers. Es ist alles clever und evokativ.

Im Grunde nehmen Stoppard und Norman diese Rede aus Die zwei edlen Vettern auf und nutzen sie als das überzeugende Rückgrat der liebevollen Theaterstreiche, die folgen:

Was ist Licht, wenn Silvia nicht zu sehen ist?

Was ist Freude, wenn Silvia nicht dabei ist?

Es sei denn, um zu denken, dass sie dabei ist

Und sich am Schatten der Vollkommenheit zu weiden

Es sei denn, ich bin nachts bei Silvia,

Gibt es keine Musik in der Nachtigall;

Solange ich Silvia tagsüber nicht sehe,

Gibt es keinen Tag, den ich betrachten könnte;

Sie ist mein Wesen, und ich existiere nur,

wenn ihr schöner Einfluss mich

fördert, erhellt, pflegt und am Leben erhält.

Ich fliehe nicht vor dem Tod, um seinem tödlichen Urteil zu entkommen:

Bleibe ich hier, warte ich nur auf den Tod:

Aber fliehe ich von hier, fliehe ich vom Leben.

Wenn diese Inszenierung nichts anderes tut, als das Publikum diesem herrlichen Abschnitt auszusetzen, wäre es genug. Aber glücklicherweise ist sie reich an Gaben.

Die Schauspielkunst ist hervorragend.

Lucy Briggs-Owen ist herausragend gut als die theater- und shakespeare-obsessive Viola de Lesseps, die Tochter eines reichen Kaufmanns, die in die Ehe mit dem schrecklichen Wessex verkauft wird. So verzweifelt ist Viola nach dem Theater, dass sie sich als Mann verkleidet und für die Premiere von Shakespeares neuem Stück vorspricht, das sich schließlich als Romeo und Julia herausstellt. Briggs-Owen beherrscht die Bühne mühelos, und sie ist sowohl als der schlaksige, schüchterne Tom Kent als auch als die sprudelnde, träumerische Viola ebenso wirkungsvoll – aber sie strahlt mit besonderer Leuchtkraft, wenn sie Viola spielt, die die ursprüngliche Julia in der berühmten Balkonszene und der Doppelszene mit Selbstmord am Ende des Stücks spielt.

Wenn das Briggs-Owen nicht zu einem Star macht, gibt es keine Gerechtigkeit. Sie ist unendlich besser als Gwyneth Paltrow im Film. Sie ist in jeder Hinsicht strahlend. Ihre Beherrschung der Sprache ist besonders wunderbar; zum einen, wenn sie die Rede „Wenn Silvia nicht zu sehen ist“ für Königin Elisabeth I. (eine großartige, kontrollierte und hochqualifizierte Aufführung von Anna Carteret) hält; zum anderen, wenn sie sich als das erste Mitglied der Besetzung erweist, das versteht, wie man Shakespeares Worte mit Schönheit und Sorgfalt vermittelt; drittens, wenn sie eine zarte, nuancierte und vollständig, verliebt Julia in der Premiere des Stücks für die Königin gibt.

Es ist eine wunderbare, weltklassetaugliche Darbietung, voller Schönheit, Sanftheit, roher Leidenschaft und fesselndem Können.

Sie wird dabei maßgeblich von Tom Batemans berauschender Darstellung als Shakespeare unterstützt. Er ist am besten, wenn er Romeo spielt, aber seine Szenen mit Briggs-Owen sind durchweg lebendig, sexy und einfach wundervoll. Er ist männlich und künstlerisch, getrieben und träumend, arrogant und unsicher – eine vielschichtige, tief überlegte Darbietung von fesselndem Können. Er personifiziert den Sex und die Poesie Shakespeares.

Sein gutaussehender, viriler, byronischer Charme sorgt dafür, dass die berühmte Balkonszene aus Romeo und Julia freudvoll und kräftig romantisch ist – und sie liefert den emotionalen Höhepunkt des Abends, eine vulkanische Ausdrucksform romantischer Lebensfreude. Er hat keine Schwierigkeiten damit, sowohl der nun unsichere, bald unaufhaltsame Dichter als auch der agile, herzliche Liebhaber von Frauen zu sein.

Aber ebenso ist seine Beziehung zu Marlowe (David Oakes, absolut großartig, als der erfolgreiche schwule Rivale, der ihn so liebt) fabelhaft und der Cyrano-Moment, als sie eine Version von „Soll ich dich einem Sommertag vergleichen?“ komponieren, ist perfekt. Dies sind zwei Männer des Theaters, die sich lieben und sich gegenseitig inspirieren – und Bateman ist bemerkenswert in der Darstellung von Shakespeares Trauer, als Marlowe getötet wird, ebenso wie er bemerkenswert ist, wenn er realisiert, was seine beiläufige Erwähnung seiner verlassenen Frau mit Violets unschuldigem Herz anstellt.

Zusammen sind Bateman und Briggs-Owen ein üppiger Genuss – und man glaubt jede Minute ihrer gemeinsamen Reise, von der entspannten post-koitalen Nacktszene (sehr beeindruckend vom Rang) bis zur schmerzlichen Versöhnung nach der Enthüllung-einer-Frau und dann dem erschütternden, endgültigen Abschied.

Das Ensemble ist großartig. Als Sam, der junge Bursche, der gewöhnlich die weiblichen Rollen in Shakespeares Stücken spielt, ist Harry Jardine eine pure Freude, obwohl seine „keine Stimme“-Schauspielerei in der zweiten Hälfte gedämpft werden sollte. Paul Chahidi ist völlig in seinem Element, köstlich zäh, als der schleimige Henslowe, und Alistair Petrie ist das sehr Model des Tudor Major Buffoon. Doug Rao glänzt als Ned Alleyn, der narzisstische Schauspieler, der die Rolle des Mercutio kreiert und Ferdy Roberts ist wunderbar als Fennyman, ein Investor, der das Theater liebt und herrlich den blau behüteten Apotheker spielt. David Ganly ist grimmig und bärenhaft als der unnachgiebige, entschlossene Burbage, glänzt jedoch in seiner aufrüttelnden Rede, als er sein eigenes Theater für die erste Aufführung von Romeo und Julia anbietet.

Eines der großartigen Dinge hier ist, dass das Gefühl der Schauspieltruppe, dieses seltene und spezielle Band, das aus der gemeinsamen Probe eines Stücks und des Teilens einer Bühne entsteht, wunderbar vermittelt wird. Die Kameradschaft, die Freude am Spielen, der aufregende Reiz der Rampenlichter – alles wird brillant dargestellt und wirklich von Herzen kommend.

Und das Fechten ist vorbildlich (Hut ab, Terry King), in unerwarteten Teilen spannend.

Nick Ormerods Bühne ist wunderbar, eine Art Fusion der bekannten Räume im Globe und den neuen Sam Wanamaker Theatern. Holzböden und bewegliche hölzerne Balkone deuten leicht die Intimität der damaligen Theaterbühnen an und bieten einfache Mechanismen, um die Aktion von der Bühne hinter die Kulissen und dann anderswo zu verlagern. Neil Austins Beleuchtung ist hervorragend effektiv, besonders in den romantischsten und eindringlichsten Szenen. Der Einsatz von Kronleuchtern ist inspirierend.

Es gibt viel Musik von Paddy Cunneen, die je nach Anlass fröhlich oder eindringlich ist – aber der Hauptkontertenor ist hoffnungslos verstimmt und äußerst laut, was die Wirkung der Musik und ihren Gesamteindruck negativ beeinflusst. Jane Gibsons Choreografie ist einfach und anmutig, alles passend zur Zeit.

Donnellan führt mit Stil Regie und die vielen Szenen bewegen sich fließend und nahtlos voran, ohne Verwirrung, aber mit angemessener und inspirierter Betonung der Höhen und Tiefen der Hauptfiguren.

Dies ist eine lebendige, voll und ganz fesselnde Produktion eines meisterlich geschriebenen Stücks.

Aber…

Das Theater war voller Menschen, die während des ganzen Abends ihre mobilen Geräte konsultierten, oft in den von Spannung durchzogenen Momenten. Vier separate Telefone wurden hervorgeholt, als Romeo Selbstmord beging; nicht zum Fotografieren der Aktion, sondern um Texte zu senden oder die Börse abzufragen(!) oder soziale Netzwerke zu checken (nicht Facebook oder Instagram…)

Wann wird es eine Verteidigung für eine Mordanklage sein zu sagen, dass der Verstorbene während der Aufführung eines Live-Theaters sein Handy benutzte? Wann werden Platzanweiser die Gänge richtig patrouillieren und diejenigen entfernen, die im Theater während der Aufführung ihre Telefone benutzen?

Noch besser, wann bleiben die Leute, die während einer Live-Theatervorstellung ihre Handys benutzen wollen, einfach zu Hause und machen es in ihrem Wohnzimmer?

Vergesst die Anwälte; tötet alle Benutzer mobiler Geräte im Theater zuerst! (Mit Entschuldigung an Dick aus Heinrich VI Teil 2)

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