KRITIK: Zweiter Sopran, King's Head ✭✭✭✭✭

Foto: Richard Davenport Second Soprano

King’s Head Theatre, Islington

19. Juni 2015

In dieser Theatersaison, in der das Gedenken an den Ausbruch des Ersten Weltkriegs im Vordergrund steht, sind viele der erfolgreichsten dramatischen Unternehmungen kleinformatig. In gewisser Weise ist dieses feine Doppelspiel, geschrieben von Martha Shrimpton und Ellie Routledge und aufgeführt von Shrimpton und Olivia Hirst, das Spiegelbild von Stony Broke in No Man’s Land, das ich kürzlich hier rezensiert habe. Beide sind virtuose Darbietungen schauspielerischen Könnens, die mehrere Genres verwenden, zahlreiche Rollen schaffen und Stimmung und Art, Musik und Worte mischen, um eine unaussprechliche und individuelle Mischung aus Humor und Pathos zu kreieren. Dadurch wird der Akt der Erinnerung komplexer und letztendlich, würde ich sagen, bewegender als ein einfacher, voll narrativer oder historischer Ansatz. Als Historiker am Tageslicht könnten Sie überrascht sein, mich das sagen zu hören, und oft ist es so, dass die Wahrheit seltsamer ist als jede Art von ausgedachter Fiktion. Doch durch die Störung, Subversion und Umordnung der Fakten kann die Kunst manchmal tiefer in die emotionale Wahrheit der Vergangenheit eindringen, und das ist die künstlerische Leistung dieses dynamischen Duos, die neben ihrer schieren technischen Bravour steht.

Vieles der Handlung wechselt zwischen der Heimatfront, hier vertreten durch eine Küche in Yorkshire, und der Westfront selbst. Wir beginnen im Jahr 1914, und die Schwestern Jane (Hirst) und Liz (Shrimpton) überlegen, was sie tun können, um zum Kriegseinsatz beizutragen. Jane beschließt, sich als Krankenschwester zu engagieren, und Liz bleibt, um das örtliche Postamt zu leiten. Jane lässt einen Schatz, Henry, ebenfalls gespielt von Hirst, zurück, der weiterhin versucht, ihr zu schreiben, während er auch eine unangenehme Intimität mit Liz entwickelt. Die Handlung verlagert sich dann an die Westfront, wo Jane schnell die Möglichkeiten und schockierenden Grenzen erkennt, die die Krankenpflege erreichen kann. Wir erleben auch Szenen im Schützengraben, in denen Henry, nun eingezogen, und ein Freund von ihm unter Beschuss geraten; und durch eine Reihe von Unfällen findet eine Talisman-Brosche ihren Weg zurück zu Jane. Die Geschichte basiert lose auf den realen Erfahrungen von Shrimptons Großmutter. Alle Episoden der Geschichte werden durch Lieder unterbrochen, einige frisch von den Autoren komponiert, andere aus den Gattungen der Musikhalle und des Kabaretts jener Zeit entnommen, einige Soli und einige Duette, einige begleitet auf dem Akkordeon, andere auf einem keuchenden Klavier. Es gibt eine kontinuierliche dynamische Bewegung, die die Ressourcen der Bühne voll ausnutzt, und eine große Improvisationsfreiheit, die selbst Momente spontanen und unerwarteten Humors erfolgreich einbindet, die durch einen quietschenden Boden provoziert werden!

Was macht diese Show also als etwas Besonderes aus? Vor allem vielleicht die Vielfalt der Tonart, die den Darstellern sowohl verbal als auch visuell zur Verfügung steht. Sie können auf einen Schlag von spitzzüngigem, brüchigem, postmodernem Spott wechseln, der direkt aus Fawlty Towers oder Oh, What a lovely war! zu stammen scheint, zu den Ängsten und Erbitterungen von Soldaten unter Beschuss, zu Plangenz und warmer Empathie im Krankenstation und zu trockenem Humor auf Kosten des anderen. Die Tatsache, dass sich das Stück nicht immer in der vorhersehbaren Ordnung des Naturalismus entwickelt, lässt Sie sorgfältiger über das Thema und seine Bedeutung nachdenken. Die Tatsache, dass es auf unterschiedliche Weise und Stimmungen gleichzeitig behandelt werden kann, zeigt die Komplexität der Ereignisse und die unterschiedlichen gleichzeitig gültigen Standpunkte. Auch ein beeindruckender visueller Sinn ist hier am Werk. In den Krankenhausszenen zum Beispiel hebt Hirst leere Hemden hoch und geht gemeinsam mit ihnen, um verletzten Soldaten zu imaginären Tragen zu helfen: Das ist nur eine von vielen Gesten der ergreifenden Ökonomie in diesem Werk, die Momente einfangen und destillieren, die ein traditionelles Drama in geringerem Effekt verweilen würde (z.B. beinahe eine ganze Serie von Downton Abbey!). Während uns keineswegs immer die vollständigen Fakten gegeben werden, bekommen wir alle Kernemotionen aus vielen verschiedenen Perspektiven. Es ist ein sehr sinnliches Stück Arbeit: Es gibt mehrere brillant eindringliche Momente, in denen beide Spieler vor einem Mikrofon Klangimprovisationen betreiben, die nach und nach verstärkt und als Aufnahmen wiederholt werden... allmählich wird man in die Atmosphäre jener längst verlorenen ewigen englischen Sommertage versetzt, die Teil jenes Sommers 1914 gewesen sein sollen; oder wir werden in die Geräusche von Artilleriebeschuss und Schützengrabenkrieg gestürzt, kurz nach etwa einer Minute der Vocalisierung. Technik und emotionale Absicht arbeiten hier sehr effektiv zusammen.

Das Stück dauert nur eine Stunde, aber am Ende hat man das Gefühl, den Schauspielern und Autoren auf einer längeren psychologischen Reise gefolgt zu sein, als es die Dauer vermuten lässt. Beide Spieler sind ebenso effektiv darin, die männlichen wie die weiblichen Charaktere zu spielen und zwischen ihnen zu unterscheiden. Jane wirkt engagiert, prinzipientreu und edel, aber nicht steif oder spießig; Liz dagegen ist weltlicher, sinnlicher und emotional fragiler als ihre Schwester. Der leidgeprüfte Henry ist nicht sehr klug, wird aber dennoch zu einem Symbol für den leidenden Tommy, der standhält. Shrimpton wirft auch einen feinen Cameo-Auftritt als hartgesichtige Oberschwester ein, die ihre zunehmende Unfähigkeit, damit umzugehen, hinter einer manischen Effizienz verbirgt – ein allzu bekannter Typ im Krieg. Musik fungiert als direkter Kommentar, als diskrete Untermalung, als zeitgenössisches Dokumentarmaterial und als Satire. Es ist symptomatisch für einen zunehmenden Trend im modernen Theater, die Grenzen zwischen Theaterstücken und Musicals zu verwischen. Diese Entwicklung birgt großes Potenzial für beide, da die emotionalen Ressourcen und die Reichweite von Worten und Musik sich überlappen und sehr kreativ übereinander schwappen können, wie Wellen unterschiedlicher Dimensionen am selben Strand.

Dieses Stück hatte einen sehr erfolgreichen Lauf im Arts Theatre, bevor es zum King’s Head weiterzog, und es verdient, wieder an einem größeren Veranstaltungsort gesehen zu werden, vielleicht beim Edinburgh Festival. In der Zwischenzeit zögern Sie jedoch nicht, es während dieses aktuellen Laufs zu sehen. Wir werden sicherlich mehr von diesen vielseitigen und äußerst einfallsreichen Schauspielern und ihrem unvergesslichen Fahrzeug hören.

Second Soprano läuft bis zum 4. Juli 2015 im King’s Head Theatre