REZENSION: Raisin In The Sun, Ethel Barrymore Theater ✭✭✭✭

Raisin in the Sun

Ethel Barrymore Theatre

8. April 2014

4 Sterne

Es kommt häufig vor, dass Menschen Theatervorführungen in der Pause verlassen. Es kann viele Gründe dafür geben. Heute Abend verließen über zwanzig Personen die Wiederaufführung von Raisin in the Sun, die derzeit am Ethel Barrymore Theatre am Broadway läuft. Alle, die das Theater verließen, waren weiß und über 40 Jahre alt. Einige von ihnen sagten Dinge wie "Ich muss das nicht auf der Bühne sehen" und "Was für ein Haufen von ****". Vier Personen stimmten dem Satz zu "Zurück nach Florida, wo so etwas nicht passiert".

Wirklich.

Es ist das Jahr 2014.

Lorraine Hansberrys Raisin in the Sun wurde erstmals 1964 am Broadway aufgeführt. Sie war die erste afroamerikanische Frau, die den New York Drama Critics Circle Award gewann. Ihr Stück war ein monumentales Werk.

Und ist es immer noch.

Es gibt nur sehr wenige Stücke, die sich mit dem Leben afroamerikanischer Menschen in den USA befassen. Dieses hier ist in jeder Hinsicht erstaunlich: kluge, aufschlussreiche Dialoge; Charaktere, die vor Feuer und Empörung, Dummheit und starker moralischer Faser sprühen; eine Handlung, die nie ganz dorthin geht, wo man es erwarten würde; und vor allem eine wahre Darstellung des Kampfes zwischen Assimilation, Unterwerfung und der Anerkennung der Herkunft.

Anders betrachtet gibt es sehr wenige Stücke, die so wunderbare weibliche Charaktere bieten, Frauen, die zufällig schwarz sind. Aber dieses Stück hat drei davon, und jede dieser drei ist ein Diamant.

Diese Produktion wird von Kenny Leon geleitet, dem Mann, der das Stück zuletzt inszenierte, als es am Broadway lief. Doch diese Inszenierung unterscheidet sich sehr von der letzten.

Das Stück dreht sich um die Familie Younger: Großmutter, Sohn und Tochter, die Frau des Sohnes und der Sohn sowie andere. Die Handlung spielt in einer kleinen Wohnung in Chicago nach dem Tod des Patriarchen. Wie wird sein Versicherungsgeld ausgegeben? Wer entscheidet? Die Frauen der Familie oder der Mann, der Sohn des Verstorbenen? Was bedeutet die Entscheidung für die ganze Familie? Was passiert, wenn man seinen Traum verfolgt, dieser aber zum Albtraum wird? Wie versöhnt man Liebe mit Unverständnis?

Das Stück behandelt große Themen, aber in einem kleinen, intimen Rahmen. Doch die Familie repräsentiert ein Abbild von afroamerikanischen Familien in ganz Amerika. Folgen sie dem Matriarchat oder übernehmen sie das Patriarchat im Einklang mit den Weißen? Wie entkommen sie der effektiven Leibeigenschaft? Was ist der Unterschied, falls es einen gibt, zwischen Anpassen und Aufstehen?

Ganz einfach, es ist ein erstaunliches Stück, und es ist schwer zu glauben, dass es vor 50 Jahren geschrieben wurde. Es erscheint relevant, frisch und alarmierend punktgenau.

Alles an dieser Produktion strahlt Stil aus. Das Bühnenbild von Mark Thompson ist köstlich abgenutzt und zeitgemäß. Der Einsatz einer beweglichen Bühne, die in die Zukunft drängt und in die Vergangenheit zurückweicht, ist inspirierend. Ann Roths Kostüme evozieren ebenfalls eine vergangene Ära.

Leon inszeniert mit Schwung und Klarheit. Jeder Humor wird aus den Charakteren und der Situation herausgeholt, jedoch nicht auf eine herablassende Weise. Er ist organisch, geboren aus den Reaktionen und Handlungen einer echten, liebenden Familie.

Die drei außergewöhnlichen Frauen bilden die Punkte eines scharf gezeichneten Dreiecks. Egal, was die Hypotenuse ist, die Seiten sind Liebe und Pflicht. Dunkel und zart im Wechsel, schwingt das Dreieck, als wäre es ein zentraler Bestandteil eines Orchesters.

Latanya Richardson Jackson ist hervorragend als Lena, die Großmutter-Matriarchin. Düster, vergnügt und reizend ist sie eine Verkörperung von Größe; eine Naturgewalt, eine warme, liebende Mutter und eine harte Beschützerin. Außerdem kann sie einen Witz erzählen und eine lustige Beobachtung machen. Es ist schwer, nicht zu wünschen, dass sie die eigene Großmutter wäre. Es ist eine Darstellung von enormer Macht, jedoch mit subtilen Untertönen.

Genauso beeindruckend, vielleicht sogar noch mehr, ist Sophie Okonedo als Ruth, die Frau von Lenas Sohn. Von den allerersten Momenten des Stücks an, wenn sie allein auf der Bühne ist mit ihren Gedanken, angespannt, erschöpft von ihren Lasten, ist diese Ruth ein Essay in Pragmatismus und Vernunft. Okonedo ist auf jede Weise erstaunlich gut. Ich würde ihr jetzt gleich einen Tony Award verleihen.

Anika Noni Rose ist bezaubernd als Lenas Tochter Beneatha, die Möchtegern-Ärztin, die hübsch ist und einem Mann den Hof macht, der sie dazu bringen möchte, sich mit den Weißen gemein zu machen, und einem anderen, der sie an die Wahrheit ihrer Herkunft erinnert und in ihr das Bewusstsein wecken möchte, woher sie stammt. Dieser Konflikt wird von Rose wunderschön erfasst. Die Szene, in der sie sich als nigerianische Frau verkleidet und auf traditionelle Weise tanzt, ist wahrhaft wunderbar - aber auch seltsam beunruhigend. Es sollte nicht so einfach möglich sein, in die Geschichte einer Person hineinzusehen - oder sollte es das? Es ist einfach köstlich.

Als der Mann, der zwischen den drei Frauen in seinem Heim hin- und herschwankt, verblüfft Denzel Washington. Es gibt eine schwermütige Qualität in seiner Darbietung, die seinen Star-Status übersteigt; dies ist eine ungeschönte Darstellung, ein mutiger Angriff darauf, was ein Star ist. Mal abscheulich, gewalttätig, bösartig und elend, ist Washington auf dysfunktionale Weise wandelbar. Sein Walter Lee ist der Inbegriff des Verlierers, das ultimative Desaster - aber er ist auch real, getrieben von dem Drang, seine Männlichkeit zu beweisen. Indem er das innere Kind herausarbeitet, macht Washington Walter Lee zu einem vollkommen verständlichen, völlig unverzeihlichen, aber seltsamerweise sympathischen fehlerhaften Mann. Er ist atemberaubend gut.

Als der besonders abscheuliche Rassist, wenn auch in einen zuckersüßen Mantel der Gastlichkeit gehüllt, ist David Cromer lebhaft und überaus entsetzlich. Seine Szenen mit der Familie, als er versucht, sie davon zu überzeugen, nicht nach Clybourne Park zu ziehen, wo Lena ein Haus gekauft hat, weil die Weißen dort hart gearbeitet haben, um eine Gemeinschaft zu haben, die sie wollen, sind zum Kriechen der Haut. Corner trifft ins Schwarze in zwei großartigen Szenen. Ich würde ihm jetzt auch einen Tony geben.

Sean Patrick Thomas verkörpert den idealistischen Joseph, der möchte, dass Beneatha mit ihm nach Nigeria reist und dort als Ärztin arbeitet, als freudigen und nachvollziehbaren Mann. Sein Rivale, Jason Dirdens George, ist ebenso wirkungsvoll: der College-Boy mit weißen Schuhen und Anzug, der unbedingt in das moderne weiße Amerika passen möchte. Beide Schauspieler machen ausdrucksstarke Charaktere lebendig und echt.

Warm und unbequem im Wechsel, veranlasst Hansberrys Stück einen, das Schicksal des amerikanischen Afroamerikaners direkt zu betrachten und sie als gleichwertig zu betrachten, als Menschen, die leben, träumen, Erfolg haben und scheitern, genau wie alle anderen auch.

Es war ein wichtiges Stück im Jahr 1964 und angesichts der Reaktion mancher heute Abend ist es immer noch ebenso wichtig wie damals. Es legt nahe, dass Gleichheit und Ehrlichkeit die Werkzeuge des wahren Menschen sind - und diejenigen, die damit argumentieren oder dagegen argumentieren können oder wollen, nun, sie sind es nicht wert, dass man über sie nachdenkt.

Eine begabte Besetzung lässt ein unglaublich wichtiges Stück mit Freude, Schrecken und der Brutalität des Alltagslebens vibrieren und erschüttern. Es ist großartig.