KRITIK: Private Lives, The Mill at Sonning ✭✭✭✭

Tim Hochstrasser rezensiert Noel Cowards "Private Lives", derzeit im The Mill at Sonning.

Darrell Brockis (Elyot Chase) und Tom Berkeley (Victor Prynne) in Private Lives. Foto: Andreas Lambis Private Lives

The Mill at Sonning

7. Juli 2019

4 Sterne

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Ein Besuch im Mill at Sonning ist auf viele verschiedene Arten ein schönes Erlebnis. Wie der Name schon sagt, befindet sich dieses Theater in einer ehemaligen Getreidemühle, in der das Wasserrad heute noch dreht und im jetzigen Barbereich Wassermassen bewegt. Die Mühle war bis 1969 in Betrieb und ist tief in die englische Geschichte verwoben, spielte sowohl im Domesday Book als auch im Englischen Bürgerkrieg eine Rolle. Das Gelände liegt auf einer Insel in der Themse mit den Clooneys als Nachbarn, und viele Ausblicke auf den Fluss bieten sich aus allen Richtungen. Man kann auf verschiedenen Terrassen und Rasenflächen sitzen und den Libellen dabei zusehen, wie sie über dem Wasser tanzen, und sich fühlen, als wäre man ebenso auf einem Boot wie auf dem trockenen Land.

Zusätzlich zum Gefühl des wässrigen, ländlichen Rückzugs (das tatsächlich nahe bei London ist, dank des nahegelegenen Bahnhofs Reading) bietet das Theater ein hervorragendes kulinarisches Erlebnis als Vorspiel zu jeder Produktion. Ein feines Buffet in einem der mehreren Fachwerkobergeschosse bietet Ihnen einen guten Start für die folgenden Theatergenüsse, ob Matinee oder Abendaufführung.

Derzeit beherbergt das Theater eine neue Inszenierung von Cowards Private Lives, die im Stil der 1930er Jahre von Tam Williams inszeniert wurde. Diese Wahl passt gut zur Intimität des 180-Plätze-Theaters. Nachdem ich zuletzt im The Globe rezensiert habe, war es ein persönliches Vergnügen, in einer Atmosphäre zu sein, in der die Schauspieler keine großen Anstrengungen zur Projektion unternehmen müssen und auch das leiseste Flüstern leicht hörbar ist. Beim Hinsetzen ist das erste Set für die berühmte Balkonszene sichtbar, und ein Akkordeonspieler schafft die Stimmung mit passenden romantisch-sehnsüchtigen Melodien, als Vorahnung der Kraft der Erinnerung und der „billigen Musik“, die sie auslösen kann, ein wichtiges Thema im Stück selbst. Trotz ihrer Vertrautheit ist Private Lives ein schwer zu verwirklichendes Stück. Geschrieben von Coward als virtuoses Fahrzeug sowohl für ihn selbst als auch für Gertrude Lawrence, erfordert es vier erfahrene Spieler, die in drei ziemlich verschiedenen und kontrastierenden Akten auf höchstem Niveau agieren. Als Alan Rickman die Hauptrolle 2001 spielte, beschrieb er die Herausforderung mit diesen Worten: „Im ersten Akt befinden Sie sich auf dem Balkon in einer Restaurationskomödie; dann im zweiten Akt spielen Sie Tschechow; im dritten Akt sind Sie in einer Feydeau-Farce.“ Was auf seiner glitzernden Oberfläche nur als leichte Komödie über Sitten erscheint, sind tatsächlich drei separate Herausforderungen, die Technik und emotionale Reichweite bis zum Äußersten testen.

Eva Jane Willis und Darrell Brockis in Private Lives. Foto: Andreas Lambis

Nach diesen anspruchsvollen Maßstäben macht diese Produktion es sehr gut, wenn auch nicht in allen Kategorien. Akt Eins ist hervorragend gemacht, ebenso Akt Zwei, mit Ausnahme der letzten paar klimatischen Minuten. Akt Drei ist jedoch nicht ganz flott genug, um die verspielten Anforderungen der zu entwirrenden Situation zu erfüllen.

In Akt Eins versucht jeder, sich von seiner besten Seite zu zeigen, und Eigenschaften wie Haltung, Tonfall und Timing haben höchste Priorität. Wenn diese gut umgesetzt werden, können alle Arten von versteckten und angedeuteten Bedeutungen mühelos an das Publikum übertragen werden. Alle vier Spieler schaffen das gekonnt, und das Ganze vergeht im Handumdrehen. Ein Test ist, wie die berühmte Zeile "Sehr flach, Norfolk" geliefert wird. Zu knapp und der Witz ist verloren; zu lange Pause beim Komma und der Witz ist überstrapaziert. Eva Jane Willis als Amanda trifft genau den Punkt und erntet ein großes Lachen aus dem Haus.

Die jüngeren Rollen, Sibyl und Victor, können oft als undankbare Gegenstücke zu den beiden Hauptrollen angesehen werden, aber das muss nicht so sein. Solche Rollen können eine großartige Ausbildung für höhere und bessere Dinge sein (Laurence Olivier spielte Victor in der ersten Produktion!). Beide Schauspieler machen hier einen großartigen Job mit scheinbar wenig vielversprechendem Material. Lydea Perkins als neuer Braut Sybil schafft einen plausiblen Bogen zwischen ängstlicher Naivität und selbstzentrierter, durchsetzungsfähiger, sogar trotziger Erwachsener. Ebenso entkommt Tom Berkeley den Fesseln seines steifen Hemdes, stereotypen Engländer im Ausland, und enthüllt seinen eigenen störrischen und sogar schlauen Charakter am Ende. Es gibt keine verletzlichen Opfer am Ende dieses Stücks, und diese Schauspieler nutzen alle Chancen, die ihnen ihre Rollen geben.

Als das Paar im Mittelpunkt, Elyot und Amanda, haben Darrell Brockis und Eva Jane Willis die glaubwürdige, elegante Chemie, die nötig ist, um das Publikum davon zu überzeugen, dass es sich um ein Paar handelt, das nicht mit, aber auch nicht ohne den anderen leben kann. Sie verkörpern eine spröde Langeweile gegenüber der Welt um sich und einen Sinn für Unfug und Gefahr, teilweise getrieben von dem Wunsch, Melancholie abzuwehren und der Leere ihres eigenen Lebens zu entgehen. Dies wird sehr gut im zweiten Akt vermittelt, der in Amandas Wohnung in Paris spielt und das eigentliche Herzstück des Stücks ist und am anspruchsvollsten umzusetzen. Wo es leicht versagt, ist im Höhepunkt, wo man nicht ganz an den Kampf glaubt, der zwischen ihnen ausbricht, trotz eines Verdienstes für einen Kampfdirektor im Programm. Es ist ein bisschen zu bequem und sicher, während man wirklich fünf erschreckende und unkontrollierte Minuten an dieser Stelle der Handlung braucht.

In Akt Drei erscheint alles nur ein wenig vorhersehbar, weil die Regie einen Hauch zu langsam für die komische Farce von zuschlagenden Türen und unvorhersehbaren Eskapaden ist (obwohl es einen sehr guten Auftritt von Celia Cruwys-Finnigan als Zofe Louise gibt). Vielleicht liegt ein Teil des Problems diesmal am Bühnenbild. Es erscheint geizig, Michael Holts originelle Kreationen zu kritisieren, die vor Ort hergestellt, makellos in detailgetreuer Zeit und geschickt in und aus einander klappen sind; aber der letzte Akt wird in einem sehr überfüllten Raum gespielt, und vielleicht erklärt das die Vorsicht der Schauspieler.

Insgesamt bietet das Mill at Sonning ein herrliches Erlebnis, bei dem das Ambiente und die Küche eine sanfte Zufriedenheit und das Verschwinden alltäglicher Sorgen schaffen, perfekt für die Wertschätzung eines Stücks wie dieses, das eine Tugend daraus macht, unangenehme Realität für eine Weile aus dem Blickfeld zu fegen. Coward hätte dem sicherlich zugestimmt. Und die elegante Produktion selbst, während sie Erinnerungen an andere nicht auslöscht, hält einen Vergleich mit West-End-Versionen stand und verfügt über viele Tugenden und traditionelle dramatische Handwerkskunst, die Sie dort selten finden werden.

Bis zum 3. August 2019

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